Русский авангард. Самый авангардный авангардизм в истории

Классический русский авангард – феноменальное явление начала прошлого века, охватившее все области искусства: от живописи и архитектуры до дизайна и книгопечатания. И откуда теперь черпают вдохновение современные мастера по всему миру, как не из русского авангарда?

Василий Кандинский

Только ли импрессионистский «Стог сена» Клода Моне заставил юриста Василия Кандинского заняться живописью профессионально? Вероятно, значение имела и вологодская экспедиция, во время которой он был поражён, оказавшись внутри крестьянской избы-картины, и произведённое мировой наукой открытие о делении атома, предполагающее «разборку» мира на неосязаемые частицы, и опера Вагнера «Лоэнгрин», во время которой Кандинский отчётливо увидел цвета звуков. Каковы бы ни были причины, экс-юрист вошёл в историю мирового искусства как теоретик русского абстракционизма, несмотря на то, что скончался гражданином Франции.

Казимир Малевич

Иная метафизика цвета, отказ от буквального восприятия реальности, переход в «чистые» плоскости – теория супрематизма Малевича изначально не нашла понимания среди коллег-кубистов, но это не помешало ей стать мировой концепцией авангардного творчества. «Чёрный квадрат» стал «нулём форм», позволяющим выйти «из круга вещей». Кроме фундаментальных работ по теории супрематизма и признанных мировых шедевров авторству Малевича принадлежит, например, дизайн кружки с квадратной ручкой – очень неудобной, но весьма оригинальной.

Владимир Татлин

Родоначальник русского конструктивизма являлся страстным оппонентом Малевича. По одной из баек, он якобы выбил из-под теоретика супрематизма стул и предложил сидеть на цвете и геометрии. Татлин выступал за связь искусства с жизнью, а его революционными идеями вдохновлялись немецкие дадаисты. Башня Татлина хоть и осталась только проектом, но и сегодня считается одним из символов мирового авангарда. Конструкция железного монумента, включающая семь вращающихся по спиралям зданий различной формы, задумывалась как символ объединения людей, переставших понимать друг друга во время строительства Вавилонской башни. У памятника Третьему интернационалу было и практическое назначение – в нём должны были трудиться члены Коминтерна.

Павел Филонов

В попытке противостоять методу Малевича и «живописному анекдоту» Татлина в 1914 году Филонов со товарищи издаёт «Сделанные картины» – манифест аналитического искусства с основной идеей «упорного рисования каждого атома». В 1936-м лидера русского авангарда обвиняют в «формализме». Тогда же возникает «филоновщина» – символ непролетарского искусства. Работы Филонова украшают лишь стены его скромного жилища, а сам он голодает, нерегулярно получая пенсию «научного сотрудника третьего разряда». Скончается Павел Николаевич в первые дни Ленинградской блокады на крыше дома при очередном дежурстве во время немецких авианалётов. Его теории окажут значительное влияние на последующие поколения художников и литераторов.

Эль Лисицкий

Человек, который создал новый вид творчества в Стране Советов – дизайн –
и совместно с Малевичем разрабатывал основы супрематизма, вошёл в историю мировой архитектуры как автор горизонтальных небоскрёбов. Когда Лазарь Мордухович (настоящее имя Эля Лисицкого) представил свой первый проект в СССР, его забраковали: построить такое невозможно. На трёх основательных опорах с шахтами лифтов базируются сами здания. Позднее похожие конструкции были реализованы архитекторами в Нидерландах, Германии, Китае, Эквадоре. Воспользовались идеями Лисицкого и проектировщики московской школы управления «Сколково».

Варвара Степанова

Варвара Фёдоровна являлась не только соавтором многих работ супруга Александра Родченко, но и работала самостоятельно, выставляя авангардные полотна под псевдонимом Варст. Широко известны её революционные работы в области текстильного дизайна для Первой ситценабивной фабрики. Разделяя основные идеи конструктивизма и считая моду буржуазным явлением, она проектировала прозодежду – новую форму для трудящихся, которая должна быть функциональной, простой, эргономичной. Вместе с Любовью Поповой она разрабатывала новые принты для тканей. На смену цветочкам-лепесточкам пришли геометрические абстракции. В советских магазинах текстиль а-ля Степанова отрывали с руками.

Александра Экстер

Совместно с Поповой и Степановой работала и одна из ключевых фигур популярного сегодня ар-деко Александра Экстер. Она стала автором многочисленных работ для театра. Её костюмы для фантастического фильма 1924 года «Аэлита» были восторженно встречены в Венеции и Париже и позволили ей получить заказ на серию марионеток, идейное воплощение которых вдохновляло американский поп-арт 50-60-х годов. Интересно, что Экстер входила в группу модельеров, разработавших форму для Красной армии – серую шинель и знаменитую будёновку.

Владимир Шухов

По проектам выдающегося русского инженера и архитектора Владимира Шухова построено более двухсот башен по всему миру, в том числе и знаменитая телерадиовещательная башня на Шаболовке. Он разрабатывал технологии строительства для нефтяной промышленности, трубопроводов, мостостроения. Идеи академика легли в основу авангардной архитектуры. В частности, он первым в мире использовал гиперболоидные формы и стальные оболочки из сетки в качестве несущей конструкции здания. Шуховские решения активно используются современными архитекторами хай-тека Фуллером и Фостером.

Братья Веснины

Наиболее известным проектом советских архитекторов-конструктивистов Александра, Виктора и Леонида Весниных считается проект московского Дворца культуры ЗИЛ. Для 1930-х годов предложенные архитекторами решения отличались смелостью и несомненным новаторством. На 23 тысячах квадратных метрах разместились зрительные залы, обширные холлы, библиотека, зимний сад, а на крыше – обсерватория. Интересно, что для отдельных сцен стильного для своего времени «Чародеев» искать площадку для съёмок долго не пришлось – идеально подошли авангардные интерьеры, созданные Весниными. Кроме этого, братья спроектировали большое количество оригинальных зданий, которые были построены по всей России.

АСНОВА

Типография журнала "Огонек", 1930-1932 годы

В 1923 году в противовес конструктивистам и классическим архитектурным обществам рационалистами была создана Ассоциация новых архитекторов (АСНОВА). Представители рационального направления русского авангарда проектировали функциональные и лаконичные здания строгих форм, огромное внимание уделяя психологическому восприятию объекта. Творческим лидером объединения стал Николай Ладовский. В частности, он предложил застраивать Москву по параболе. По его проекту центральная ось российской столицы совпадала с Тверской улицей, а сам город, разрастаясь на северо-запад, со временем соединился бы с Петербургом. В 1928 году один из учеников Ладовского Георгий Крутиков представил сенсационный проект парящего города-коммуны. Реализован он не был, в отличие от проекта Северного речного вокзала в Москве Владимира Кринского, ближайшего соратника Ладовского.

Константин Мельников

Ещё в 30-е годы Константин Мельников получил мировое признание как классик русского авангарда. Дом Мельникова в Кривоарбатском переулке стал культовым объектом мировой архитектуры. В Москве сохранилось с десяток зданий, спроектированных архитектором, которые соперничают между собой в оригинальности. Дом культуры Русакова для служащих трамвайного депо венчает гигантская шестерёнка, выпирающая из фасада; центральный фасад клуба фабрики «Свобода» на Вятской выполнен в виде параллелепипеда. Главный вход в парк Горького также спроектирован Мельниковым. Интересно, что его проект саркофага Ленину в виде кристалла комиссией во главе с Дзержинским был признан лучшим.

Наталья Гончарова

Одна из «амазонок авангарда» Наталья Гончарова стояла у истоков русского примитивизма. Первые же выставленные ею работы, изображавшие обнажённых натурщиц, были названы порнографическими, а поздние картины снимались с выставок по религиозным соображениям. Образы Гончаровой доступны и понятны. На протяжении всей жизни она призывала «не следовать традиции, а жить в ней», черпая вдохновение в русском лубке и других видах народного творчества. В век расцвета индивидуализма она пропагандировала его неприятие. Дружившая с Гончаровой Цветаева писала, что та работает «без катастроф»: «всегда, везде и всё».

Михаил Ларионов

Имя Натальи Гончаровой неразрывно связано в истории русского авангарда с её супругом Михаилом Ларионовым. Он начинает как импрессионист, но в итоге приходит к примитивизму. Возникновение русского абстракционизма принято связывать с полотном Ларионова «Стекло». К 1912 году он становится идейным вдохновителем и теоретиком нового направления беспредметного творчества – лучизма. На протяжении почти 10 лет вместе с супругой будет работать над декорациями и костюмами для постановок «Русских сезонов» Дягилева в Париже.

Аристарх Лентулов

Талант классика русского авангарда называли жизнерадостным, темперамент – буйным, жизнелюбие – покоряющим. За необычный колорит полотен друзья в шутку называли Аристарха Васильевича Ярилой, а коллеги высоко ценили его смелые, порой отчаянные эксперименты. Сану священника Лентулов предпочёл искусство – дерзкое, солнечное, низвергающее любые авторитеты и штампы. В стремлении продемонстрировать превосходство русского таланта мастер любил повторять: «Мы – бунтовщики, а посему наш-то авангард покруче будет!»

В начале ХХ века в России появилось одно из течений, взявшее начало от модернизма и получившее название «русский авангард». Дословно звучит как avant - «впереди» и garde - «охрана», но со прошел так называемую модернизацию и зазвучал как «передовой отряд». По сути, основоположниками этого течения стали 19 века, которые пропагандировали отрицание каких-либо устоев, являющихся базовыми для всех времен существования искусства. Основной целью художников-авангардистов являлось отрицание традиций и неписаных законов художественного мастерства.

Авангард и его течения

Русский авангард - это сочетание русских традиций с некоторыми приемами западноевропейской живописи. В России художники-авангардисты - это те, которые писали в стиле абстракционизма, супрематизма, конструктивизма и кубофутуризма. Собственно, эти четыре течения и являются основными направлениями авангарда.

Художественные черты и эстетика авангарда

Для авангардного течения характерны некоторые черты, отличающие его от других направлений:

Авангардисты приветствуют любые общественные изменения, например, революции.
Течению свойственна некая двойственность, например, рационализм и иррациональность.
Признание, восхищение и преклонение перед научно-техническим прогрессом.
Новые формы, приемы и средства, не используемые ранее в художественном мире.
Полное отторжение изобразительного искусства VIII века.
Отрицание или признание традиций, устоявшихся основ в живописи.
Эксперименты с формами, цветами и оттенками.

Василий Кандинский

Все художники-авангардисты 20 века являются «детьми» Василия Кандинского, который стал основоположником авангарда в России. Все его творчество разделено на 3 этапа:

В Мюнхенский период Кандинский работает над пейзажами, создавая такие шедевры как «Синий всадник», «Шлюз», «Берег залива в Голландии», «Старый город».
Московский период. Наиболее известные картины этого периода «Амазонка» и «Амазонка в горах».
Баухаус и Париж. Круг применяется все чаще по сравнению с другими геометрическими фигурами, а оттенки тяготеют к холодным и спокойным тонам. Работами этого периода являются «Маленькая мечта в красном», «Композиция VI II», «Маленькие миры», «Желтый звук», «Причудливое».

Казимир Малевич

Казимир Малевич родился в феврале 1879 года в Киеве в польской семье. Впервые в роли художника он попробовал себя в 15 лет, когда ему подарили набор красок. С тех пор для Малевича не было дел важнее живописи. Но родители не разделяли увлечений сына и настаивали на получении более серьезной и прибыльной профессии. Поэтому Малевич поступил в агрономическое училище. Переехав в Курск в 1896 году, он заводит знакомство с Львом Квачевским, художником, который советует Казимиру ехать учиться в Москву. К сожалению, Малевич дважды не смог поступить в Московское училище живописи. Он начал учиться мастерству у Рерберга, который не только обучал молодого художника, но и всячески опекал: организовывал выставки его работ, представлял его публике. Как ранние, так и поздние работы К. Малевича - это напыщенность и эмоциональность. Как и другие русские он сочетает в своих работах благопристойность и неприличие, но все картины объединяет ирония и вдумчивость. В 1915 году Малевич представил публике цикл картин в стиле авангарда, наиболее известная среди которых - «Черный квадрат». Среди множества работ как поклонники, так и художники-авангардисты выделили «Некий злонамеренный», «Отдых. Общество в цилиндрах», «Сестры», «Белье на заборе», «Торс», «Садовник», «Церковь», «Две дриады», «Кубофутуристическая композиция».

Михаил Ларионов

Обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его наставниками были такие известные живописцы, как Коровин, Левитан и Серов. В раннем творчестве Ларионова прослеживаются нотки, свойственные творчеству Нестерова и Кузнецова, которые отнюдь не художники-авангардисты и их картины не относятся к этому течению. Свойственны Ларионову и такие направления, как народное искусство, примитивизм. Проскакивают военные нотки, например, «Отдыхающие солдаты» и теория идеальной красоты, освещенная в картинах «Венеры» и «Кацапская Венера». Как и другие советские художники-авангардисты, Ларионов принимал участие в выставке «Ослиный хвост» и «Бубновый валет».

Наталья Гончарова

Изначально Гончарова изучала скульптуру и только со временем переключилась на живопись. Первым ее наставником был Коровин, и в этот период она порадовала выставки своими картинами в духе импрессионизма. Затем ее привлекла тематика крестьянского искусства и традиции разных народов и эпох. Это стало причиной появления таких картин как «Евангелисты», «Уборка хлеба», «Мать», «Хоровод». А воплощением на холсте идеи бессмертного искусства стали картины «Орхидеи» и «Лучистые лилии»

Ольга Розанова

Как и большинство художников, Розанова после окончания училища попала под влияние других живописцев. Художники-авангардисты приобщали молодую талантливую девушку к общественной жизни, и за 10 лет своей деятельности она поучаствовала в большом количестве выставок и оформила массу книг и постановок. Розанова прошла несколько этапов творчества, меняла стили и направления.

Иван Клюнков (Клюн)

Творческий путь Ивана Клюна круто изменился после встречи с Малевичем. Еще до встречи с ним художник изучал французскую живопись и посетил выставку «Бубновый валет». После судьбоносной встречи Клюн пополняет свою коллекцию картинами «Граммофон», «Кувшин» и «Пробегающий пейзаж». Более поздние работы художник выполнял в стиле фигуративной живописи, создавая композиции, натюрморты, иллюстрации.

Александра Экстер

Экстер стала художницей благодаря где судьба свела ее с такими всемирно известными художниками, как Пикассо, Жакоб, Брак, Аполлинер, среди которых были и авангардисты.
После поездки Экстер стала писать в импрессионистском стиле и результатом работы стали картины «Натюрморт с вазой и цветами» и «Три женские фигуры». Со временем в работах стал проявляться пуантилизм и кубизм. Александра представляла свои картины на выставках. Позже художница много времени посвятила беспредметным композициям и росписи ширм, абажуров, подушек, а также оформлению театральных постановок.

Владимир Татлин

Татлин начинал учиться в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а затем - в Пензенском художественном училище. Но ввиду частых пропусков и плохой успеваемости, был отчислен, так и не получив диплома. В 1914 году Татлин уже выставляет свои работы на выставке «Бубновый валет» и «Ослиный хвост». В основном, картины его связаны с рыбацкими буднями. Важную роль в перемене направления играет встреча с Пикассо: именно после нее Татлин стал творить в стиле кубизма и в стиле «ларионовского влияния». Его творения отражали конструкции, состоящие из дерева и железа и стали основополагающими для конструктивистского течения в русском авангарде.

Эль Лисицкий

Впервые плотно с живописью Лисицкий столкнулся в Еврейском обществе поощрения художеств, где он работал с 1916 года. На тот момент он не только иллюстрировал еврейские издания, но и активно участвовал в выставках, проходивших в Москве и Киеве. Работы автора гармонично сочетают рукописные свитки и мирискусническую графику. По приезду в Витебск Лисицкий увлекается беспредметным творчеством, оформляет книги и плакаты. Детищем Эля являются «проуны» - трехмерные фигуры, которые являются основой для мебельного производства даже в наши дни.

Любовь Попова

Как и большинство художников, Попова прошла многоэтапный путь становления: ранние ее работы были выполнены в стиле сезаннизма, а потом появились черты кубизма, фовизма и футуризма. Попова воспринимала мир как большой натюрморт и переносила его на холст в виде графических изображений. Особое внимание Любовь уделяла звукам красок. Это и отличало ее работы от работ Малевича. Занимаясь оформлением театральных постановок, Попова применяла стиль «арт-деко», в котором гармонично сочетались авангард и модерн. Художнице было свойственно сочетать несочетаемое, например, кубизм с ренессансом и русской иконописью.

Роль российского авангарда в истории

Многие наработки авангардистов до сих пор используются в современном художественном искусстве, несмотря на то что сам авангард как течение просуществовал совсем недолго. Основная причина его краха заключается во множестве направлений, которые создавали художники-авангардисты. Авангард как искусство дал возможность развиваться фото- и киноиндустрии, позволил выработать новые формы, подходы и решения в решении художественных проблем.

Класс: 11 класс.

Программа: Рапацкая Л. А. Мировая художественная культура. 10-11 классы. М.: Владос, 2007 г.

Тип урока. Изучение нового материала.

Форма урока: урок-лекция.

Цель. Формировать представление о художественной культуре России XIX - начала XX века.

познакомить учащихся с понятием "авангард", жизнью и творчеством художников авангарда;
обратить внимание учащихся на мировоззрение художников авангарда и особенности их живописи;
помочь учащимся определить своё отношение к авангардной живописи;
воспитывать любовь к национальной и мировой культуре.

Оборудование: компьютер, проектор, демонстрационная доска, карточки, учебник Рапацкой Л. А. Мировая художественная культура. 1, 2 части. 11 класс. М.: Владос, 2007 г.

Зрительный ряд: эпиграф на доске, презентация - слайд-шоу (Приложение 1) по теме урока.

Ход урока

Новая форма рождает новое содержание.
Искусство всегда было вольно от жизни,
и на цвете его никогда не отражался цвет
флага над крепостью города.
В. Шкловский

I. Организационный момент.

II. Сообщение темы и задач урока. (Приложение 1)

Эпиграф нашего урока: чтение записи.

III. Знакомство с новым материалом.

Запись в тетрадях плана.

О модернистских направлениях в искусстве начала века. Понятие "авангард".
Художественные объединения и их представители.
Русский авангард.
Авангард в литературе (поэзии). Футуризм.

1. Вступительная беседа о модернистских направлениях в искусстве начала века.

1) Понятие "авангард".

Когда соприкасаешься с искусством начала XX века, диву даёшься: как многообразно оно и интересно! Конечно, хочется свести все существующие направления в целостную систему, чтобы легче было определять место того или иного художника в мировой культуре. Увы, это не всегда возможно: направления тесно переплетаются, а художники, оказывается, творили, выходя за рамки провозглашённой ими же самими теории.

Понятие "Авангардизм" происходит от французских слов "avant", что переводится как "передовой", и "qarde" - "отряд".

Точнее, условное обозначение европейских художественных течений XX века, выраженных в коренном обновлении всех видов искусства, модернистском начинании в искусстве: кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм (начало века), сюрреализм (двадцатые-тридцатые годы), акционизм, поп-арт (работа с предметами), концептуальное искусство, фотореализм, кинетизм (шестидесятые-семидесятые годы), театр абсурда, электронная музыка и др..

Общим для всех этих направлений является:

Отказ от норм классического изображения,

Деформация форм,

Экспрессия.

Искусство авангардизма рассчитано на диалог художника и зрителя.

Как вы считаете, почему авангардизм близок по значению к модернизму?

(Авангардизм близок по значению к модернизму (собирательное обозначение всех новейших течений) и отличается от модерна (стиль в искусстве конца XIX - начала XX века)

Новаторство во всех областях искусства - таков главный лозунг авангарда. Авангард - собирательное понятие самых "левы" экспериментальных творческих направлений в искусстве "серебряного века". В авангардных течениях, несмотря на всю их разноликость, общими были новизна и смелость, которые считались мерилом творческой одарённости и эталоном современности.

Общей была и наивная вера художников в наступление особого и необычного исторического времени - эра чудо-техники, способной изменить отношения людей друг с другом и с окружающей средой). Проблемы преемственности для сторонников авангарда как бы не существовало.

В 10-е гг. XX века художественное экспериментаторство в разных видах искусства достигает своего апогея, причём удивительно синхронно.

Главная причина синхронности кроется в явном взаимном притяжении художников, поэтов, артистов, музыкантов, в общности творческих, а порой и жизненных интересов. Поколение новаторов искало друг в друге единомышленников в непростом деле ниспровержения устоев.

2. Выступления учащихся.

Художественные объединения:

1. Союз московских художников "Бубновый валет".

В основу их живописи был взят предмет как таковой, в его чистом виде. Причём предмет устойчивый, взятый "в упор", лишённый какой-либо недосказанности или философской двусмысленности.

Полотна "бубновых валетов" поразили зрителей своей нарочитой грубостью объёмов, пронзительно кричащим цветом, выпирающей "плотью вещей" (П. П. Кончаловский).

Пётр Петрович Кончаловский (1876-1956)

"Возвращение с ярмарки",
"Сирень", "Сухие краски"

Илья Иванович Машков (1881-1944)

"Камелия", "Снедь московская: хлебы",
"Натюрморт с магнолиями"

Александр Куприн (1880-1960)

"Тополя", "Завод", натюрморты,
индустриальные пейзажи.

Роберт Рафаилович Фальк (1886-1958)

"Старая Руза", "Негр", "Бухта в Балаклаве"

Аристарх Васильевич Лентулов (1882-1943)

"Звон", "У Иверской", "Автопортрет",
"Крекинг нефтеперегонного завода",
"Овощи"

2. Группа живописцев "Ослиный хвост".

Группа молодых художников, отделившихся от "Бубнового валета" во главе с М. Ф. Ларионовым в 1912 году. Последовательно пропагандируя примитивистскую живопись, Ларионов разрабатывал стиль, впитавший элементы вывески, лубочной картинки, детского рисунка. Обращались к примитивизму, к традициям русской иконописи и лубка; часть группировки была близка к футуризму и кубизму.

Основные представители и их работы:

Михаил Фёдорович Ларионов (1881-1964)

"Провинциальная франтиха", "Отдыхающий
Солдат", "Петух", "Лучизм".

Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962)

"Крестьяне, собирающие яблоки",
"Подсолнухи", "Рыбная ловля", "Евреи.
Шабаш".

Марк Шагал (1887-1985)

"Я и деревня", "Скрипач", "Прогулка",
"Над городом", "Святое семейство".

Владимир Евграфович Татлин (1885-1953)

"Матрос", "Натурщица", "Контррельеф",
"Проект памятника III Интернационалу",
"Летатлин"

3. Русский авангард.

Эксперименты с формой (примитивизм, кубизм) сочетались в творчестве представителей авангарда с поисками новых "ритмов времени". Стремление воссоздать динамичность предмета, его "жизнь" в разных ракурсах.

Основные представители и их работы:

Василий Васильевич Кандинский (1866-1944)

"Дома в Мурнау на Обермаркте",
"Импровизация Кламм", "Композиция VI",
"Композиция VIII", "Доминирующая кривая".

Павел Николаевич Филонов (1883-1941)

"Крестьянская семья", "Победитель города",
"Иллюстрация к книге Велимира Хлебникова",
"Формула империализма",
"Формула весны".

Казимир Северинович Малевич (1878-1935)

"Цветочница", "Дама на остановке
Трамвая", "Корова и скрипка", "Авиатор",
"Супрематизм", "Косарь", "Крестьянка",
"Чёрный супрематический квадрат".

3. Поэзия. Футуризм.

Динамизм открытий в области формы, движение к интуитивному творчеству захватили и поэзию. Эстетический бунт против "общественного вкуса", "мистических идеалов" символизма и классического наследия наиболее ярко отразился в футуризме (будущее от лат.)

Литературно-художественное направление начала XX века в Италии и России.

Футуристы с презрением отвергали прошлое, традиционную культуру во всех её проявлениях и воспевали будущее - наступающую эпоху индустриализма, техники, высоких скоростей и темпов жизни.

Для живописи футуризма характерны:

- "энергетические" композиции с раздробленными на фрагменты фигурами, в ней преобладают вертящиеся, мелькающие, взрывоподобные зигзаги, спирали, эллипсы, воронки;

Один из основных принципов футуристической картины - симультанность (одновременность), т.е. совмещение в одной композиции разных моментов движения.

Первый манифест футуризма был "вброшен" в культуру "серебряного века" итальянским поэтом и публицистом Ф. Т. Маринетти со страниц парижской газеты "Фигаро" 20 февраля 1909 г. "Не существует красоты вне борьбы. Нет шедевров без агрессивности". А ещё признавался "Мы хотим разрушить музеи, библиотеки. Сражаться с морализмом:".

В феврале 1914 г. Маринетти появился в знаменитом петербургском подвале "бродячая собака", где собирались артистическая молодёжь и творцы "нового искусства".

В петербургской богеме Маринетти не случайно почувствовал своих учеников, и футуристические лозунги в России попали на хорошо подготовленную почву.

Впервые слово "футуризм" появилось в названии группы поэтов, именовавших себя "Эгофутуристами". Правда, направление это было отнюдь не монолитным, а его изобретение целиком принадлежало поэту Игорю Северянину (И.В. Лотарёву, 1887-1941). Издавший в течение 1904-1912 гг. 35 стихотворных сборников. Строки из "Самогимна":

Мой стих серебряно-брильянтовый
Живителен, как кислород.
- О, гениальный! О, талантливый! -
Мне возгремит хвалу народ.
И станет пить ликёр гранатовый
За мой ликующий восход.

Осенью 1911 года в Московском училище живописи, ваяния и зодчества произошла встреча поэтов Д. Д. Бурлюка и В. В. Маяковского. Именно они вместе с примкнувшим к ним А. Е. Кручёных составили ядро литературного объединения "Гилея" - первого крупного содружества футуристов.

18 декабря 1912 г. вышел в печати альманах "В защиту нового искусства". Его заглавие - "Пощёчина общественному вкусу" - стало декларативным и нарицательным, а предисловие к сборнику было воспринято читателями как манифест русских футуристов.

В предисловии бунтари громогласно провозгласили полную свободу творческого эксперимента и предложили сбросить "с Парохода Современности" Пушкина, Достоевского и Толстого. "Общественный вкус" действительно был шокирован.

Даже Игорь Северянин, не слишком приверженный к классике, отозвался на этот призыв словами:

Для отрезвления ж народа,
Который впал в угрозный сплин -
Не Лермонтова с парохода,
А Бурлюка - на Сахалин.

Круг единомышленников-футуристов, которым Велемир Хлебников (1885-1922) придумал имя "Будетляне" (от "будущее"), имел оригинальную философско-эстетическую программу. Искусство должно не отражать действительность, но переделывать её, слово же должно быть свободным от всякого определённого смысла - примерно так звучала их теоретическая доктрина.

Сам Хлебников утверждал, что "словотворчество - враг книжного окаменения языка", и призывал своих соратников по футуризму поработать над разрушением традиционной поэтической речи.

Наиболее последовательно реализовал этот лозунг Алексей Елисеевич Кручёных (1886-1968). Поэт самозабвенно искал самоценное, "самовитое" слово и бунтовал против любых признаков традиционной рифмы и конкретного смысла. Целиком отдавшись эксперименту, он всё более погружался в собственный, далёкий от здравого смысла поэтический мир и наконец объявил шедевром пять знаменитых строк:

Дыр бул щыл
Убещур
Скум
Вы со бу
Рлэз

Кручёных прибегал к звуковым и графическим аналогиям. Порой его стихи состояли лишь из одних "неудобных" диссонирующих звуков, а знаки препинания поэт вовсе не ставил. Некоторые его сочинения пропитаны ядом предсказаний гибели и разложения мира:

Мир гибнет
И нам ли останавливать
Мы ли остановим оползень
Гибнет прекрасный мир
И ни единым словом не оплачем
Погибели его...
Усталый ветер заглядывает узкие входы
По затылку
Ужас чудит...

Новаторство Хлебникова не знало границ. В поисках адекватного отражения целостности мироздания он изобретает необычный "звёздный" язык:

Усадьба ночью, чингизхань!
Шумите, синие берёзы.
Заря ночная, заратустрь!
А небо синее, моцарть!
И, сумрак облака, будь Гойя!
Ты ночью облако, роопсь!

В потоке новаций и открытий, на фоне громкозвучащих имён представителей живописи и поэзии достижения музыкантов-авангардистов кажутся более чем скромными; к тому же радикальные позиции отразились в сочинениях композиторов малоизвестных, не причисленных к классикам.

IV. Закрепление изученного.

Какое искусство принято называть авангардом?

Во что верили мастера русского авангарда?

Почему отрицание традиций было необходимо мастерам авангарда?

Сбылись ли их мечты об "искусстве будущего"?

V. Домашнее задание.

С.210-220 - ответить на вопрос № 10, 11.

Литература.

1. Аксёнов М., Майсурян Н. Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. Ч.2. Архитектура,

изобразительное и декоративно - прикладное искусство XVII - XX веков. М.: Аванта +, 2005г.

2. Аронов А. А. Мировая художественная культура. Россия конец XIX-XX век. М.: Издательский книгопечатный Центр, 1999г.

3. Горелова И., Брагин А. Искусство. М.: АСТ, 2003г.

4. Рапацкая Л. А. Мировая художественная культура. 1, 2 части. 11 класс. М.: Владос, 2007 г.

Феномен искусства XX в., определяемый термином «русский авангард», не соотносится с какой-либо конкретной художественной программой или стилем. Этот термин окончательно закрепляется за радикальными новаторскими течениями, складывающимися в русском искусстве в предвоенные 1907-1914 годы, выходящие на авансцену в годы революции и достигающие зрелости в первое послереволюционное десятилетие.

Именно о данном течении рассказывает фильм «Русский авангард. Роман с революцией», снятый по заказу Государственного Русского музея.

Сюжет данного фильма поднимает тему не столько авангарда, сколько судьбы людей, которые жили этим направлением. С одной стороны трое творцов того периода: Казимир Малевич, Павел Филонов, Владимир Татлин, с другой искусствовед Николай Пунин.

Авангардное искусство стало символом революции, поэтому неудивительно, что все четыре героя данного повествования с восторгом приняли переворот и всячески его поддержали. По моему мнению народной массе тех лет хотелось революции во всем, в том числе и искусстве. Из-за этого авангард пришелся как нельзя кстати, ознаменовал переворот в творчестве.
В революционные годы Пунин был довольно уважаемым человеком, хотя иногда и перегибал палку, что на закате его жизни сослужило ему недобрую службу. Но изначально его пылкий нрав пришелся по душе народным массам. В 1918-1921 г. г. Николай Николаевич возглавил Петроградский отдел изобразительных искусств Наркомпроса, исполнял обязанности комиссара Русского музея и некоторое время Эрмитажа.

На данном этапе фильма повествование немного меняется начинается рассказ о трех других героях Малевиче, Филонове и Татлине. Творчество троих кардинально отличается друг от друга и связано только стилем авангардом.

Каземир Малевич, известный миру по картине «Черный квадрат», а также ее дополнениям «Черный круг» и «Кельтский крест», писал свои произведения, которые состояли как раз из геометрических фигур. Техника Павла Филонова отличалась от техники Малевича. Филонов писал огромные полотна, состоящие из множества мелких деталей. Владимир Татлин прежде всего известен своим шедевром, «Башней Татлина». Как говорили в то время, монумент этот состоит из трех компонентов железа, стекла и революции

Со временем люди отходили от революционного настроения. То, что когда то было новым для них, ставало будничным. Авангард уже не поражал так, народ устал от него, потому что он оставался непонятным. В СССР набирал обороты тоталитаризм, власть все меньше принадлежала народу, а все больше правительству. В моду вошли заказные проекты бюсты и картины вождей. На выставки художников-авангардистов стало ходить все меньше людей, авангард встречал неодобрение со стороны правительства Пунин пытался дальше продвинуть данное направление в массы, но у него ничего не получалось. Увлечение западноевропейским искусством, независимая позиция Николая Николаевича не могли не привести к конфликтам с советской властью. Впервые он был арестован 2 августа 1921 года одновременно с группой лиц, обвиняемых по делу «Петроградской боевой организации». Находился в заключении в следственной тюрьме на Шпалерной, но вскоре был освобожден благодаря хлопотам жены А. Е. Аренс, просившей за него у Луначарского.

Второй арест произошел 24 октября 1935 года, когда Н. Н. Пунин и студенты Ленинградского университета Л. Н. Гумилёв (сын А. Ахматовой, арестован вместе с Пуниным в Фонтанном Доме), А. П. Борин, В. Н. Махаев и И. В. Поляков были арестованы по обвинению в террористической деятельности. Благодаря обращению А. А. Ахматовой с письмом к И. В. Сталину все арестованные были освобождены.

Ждановское постановление 1946 года, борьба с «низкопоклонством перед западом», «формализмом в советской культуре» и конфликт с председателем Ленинградской организации Союза художников В. А. Серовым («Разве это живопись, это голенище!», так говорил Пунин о картине Серова «Ленин в Смольном») послужили началом кампании травли и дискредитации Пунина. 15 апреля 1949 года приказом ректора ЛГУ профессор кафедры истории всеобщего искусства Н. Н. Пунин был уволен из университета, «как не обеспечивший идейно-политическое воспитание студенчества». Через четыре месяца он был арестован и осужден на 10 лет лагерей Особым Совещание при МГБ. Виной Пунина было «преступное» убеждение, что Сезанн и Ван Гог великие художники. Его жизнь закончилась 21 августа 1953 года в лагерной больнице заполярного поселка Абезь (Коми АССР).
Бесславно доживали свои дни и другие герои фильма. Поняв, что у авангарда такого, каким он являлся в их понимании, нет будущего, они стали делать то, что было нужно правительству в их картины вплелись просоветские вставки, как, например, портреты руководителей страны. Но и они не вызвали восторга у масс

Малевич умер в 1935 году, так и не узнав о том, что его лишили пенсии. Он завещал похоронить его в гробу, на котором были бы нарисованы три его символа круг, квадрат и крест. Круг и квадрат сделали, а вот крест Посчитали, что это религиозная пропаганда.

Почти на 20 лет пережил Каземира Севериновича Владимир Татлин. Смерть его постигла в 1953 году.
Павел Филонов скончался от голода в блокадном Ленинграде, в 1941 году.

Я считаю, что у такого направления, как русский авангард не было будущего, оно заранее было обречено на провал. Простой люд не мог понять смысла этого всего, хотя смысл был Они были другими, со своими взглядами на мир, можно сказать в какой-то степени белыми воронами. Им не было места в головах народа.

Если смотреть с технической точки зрения, то фильм выполнен хорошо. Не сказал бы, что идеально, но хорошо. Смотрится на одном дыхании, хотя в некоторых местах сюжетные вставки несколько сумбурны и теряется нить сюжета. Органичные переходы между частями сделаны на высшем уровне, для зрителя они почти незаметны. И самый большой плюс этого фильма для меня конкретно состоит в том, что изначально я его сел просмотреть только лишь для написания данной рецензии, но создатели фильма сумели заинтересовать меня. Мне стала интересна тема русского авангарда. За что им огромное спасибо.

Что такое авангардное искусство? За что авангардисты так презирали «общественные вкусы»? Почему они считали, что классика «уже не та»? Зачем авангардисты создавали такие странные картины? И все же, русский авангард – это богоборчество или богоискательство?

Об этом мы беседуем с искусствоведом, культурологом .

Зачем XX веку понадобилось авангардное искусство?

Казимир Малевич. Атлеты. 1932

- Что такое авангард?

То, что мы объединяем одним словом «авангард», включает в себя очень разнообразные течения (например, кубизм, футуризм, примитивизм, супрематизм, дадаизм), разные имена и идеи. Но для всех них было характерно одно - революционное восприятие действительности.

Авангард обычно связывают с революционными процессами начала XX века, и многие художники авангарда приветствовали революцию. Конечно, понимали они под ней скорее не какой-то социальный взрыв, а революцию духа, прежде всего - революцию в искусстве. В чем она заключалась? В радикальном разрыве с мировой традицией, с предыдущими поисками в искусстве. В отказе от отражения физического мира - вместо этого авангардисты стремились разработать новый язык для описания мира метафизического, невидимого. В этом краеугольная идея авангарда - выход за пределы известного в неизвестное и даже непознаваемое. Неслучайно созданный «новый язык» поэзии Велимир Хлебников называл «заумь».

Однако чрезвычайно важно понимать, что когда мы начинаем погружаться в искусство авангарда, то должны быть готовы к диалогу и взаимодействию с глубокой философской системой. Этим оно отличалось от предшествующих ему направлений и настроений в искусстве. Сам Казимир Малевич, например, был метафизиком и через свои образы стремился выразить смыслы безусловно философского масштаба.

Почему же вдруг потребовалась такая кардинальная переработка в искусстве? Потому что этого требовала эпоха XX века со всеми ее катастрофами, трагедиями, разломами. Всем стало очевидно, что после того, как мир пережил такие потрясения - Первую мировую войну, две революции в России, Гражданскую войну, немыслимо дальше беспечно рисовать «амуров» на лазурном небе Европы. Язык прежнего искусства оказался неспособен осмыслить тот кризис, который поразил все человечество. Как сказал позднее философ Теодор Адорно: «Писать стихи после Освенцима - это варварство». Старое умерло, распалось в хаос, и в нем еще только проглядывались очертания нового, которые нужно было разглядеть и понять через призму философии. Потому все авангардисты так ею и увлекались.

Сам авангард как течение в искусстве был совершенно неожиданным явлением или же у него была какая-то историческая почва?

Безусловно, авангард как культурное явление начала XX века отвечал или, правильнее сказать, вписывался в те процессы, которые зарождались на заре столетия. Это было грандиозное время. Время, которое в России называют Серебряным веком. Время открытия древнерусской иконы, время больших экспериментов в искусстве, время великих надежд.

Если обратиться к истории западного искусства, то она в каком-то смысле всегда развивалась по принципу авангарда. Каждое зарождающееся течение обращалось к совершенно новым проблемам. Импрессионизм, например, переместил свой фокус с «фотографического» описания окружающего мира (максимально точного, всесторонне приближенного к натуре, к чему стремился предшествующий ему реализм) на тот эмоциональный отклик и впечатление, которые в момент созерцания рождаются в душе художника. За импрессионистами появляются символисты, которые идут уже другим путем - начинают вырабатывать особый словарь символов, с помощью которого надеются достигнуть совершенного и исчерпывающего описания мира. Примеров подобных кардинальных изменений в художественном поиске - множество, учитывая, что развитие искусства чрезвычайно ускорилось к концу XIX - началу XX веков, буквально каждое десятилетие рождало одно, а то и несколько новых направлений. Но самое главное - каждое новое течение в искусстве пыталось забежать вперед, запрыгнуть за горизонт событий настоящего, предвосхищая само будущее.

Авангард - безусловно, взрыв, но взрыв предсказуемый. К этой бомбе были протянуты свои «фитили». Один из них - системный кризис культуры. По мнению многих современников, ее несущие основания были расшатаны, содержательный посыл оказался исчерпан. Кроме того, это еще и технический прогресс, вместе с которым в искусство буквально врывается идея скорости. Появляются фотография и кинематограф, на фоне которых простое копирование действительности кистью и красками стало уже ненужным. Об этом очень ярко писал Малевич: «Можно, конечно, трактовать сюжеты прошлого и показывать их современному миру, но от этого не свернет бег сегодняшняя жизнь и автомобили не обратятся в двуколки, телефоны не исчезнут и подводные лодки не превратятся в корабли классических греков».

Стремительно меняется и научно-философская картина мира: то, что вчера было традиционным и неоспоримым, сегодня уже пылится на полке. Кроме того, начался грандиозный процесс экономической глобализации в масштабах всего мира. В конце концов и общество - его структура, движущие силы - трансформировалось. Все это скопилось и сцепилось в огромный клубок не решенных для искусства проблем. Взрыв был неизбежен. И он произошел.

Авангард чаще всего ассоциируется с яркой манифестацией. Это был, как они говорили, плевок традиционному, пощечина общественному вкусу. Что же так раздражало авангардистов? Против чего они подняли свой «художественный бунт» и что предлагали взамен разрушенному?

Больше всего их раздражали буржуазная сытость с ее мещанской моралью, равнодушие и забитость бедных слоев, всевластие бюрократии.

Авангардисты декларировали создание нового путем радикального эстетического эксперимента. При этом они уничтожали классическую эстетику, потому что, по их мнению, она была абсолютно ложной. Обычный художник, изображая, например, красивую девушку на фоне прекрасного пейзажа, врет, потому что в реальности девушка не так красива и пейзаж за ней не так прекрасен . И все вместе это не отражает реальной жизни, а просто выдумано. Так думали авангардисты и выдвигали идею принципиально новой эстетики для создаваемого ими мира. Для него требовались новое восприятие, иные вкусы, категории, описательный язык. И в самом творчестве авангардисты, как бы странно это ни звучало, постоянно обращались к Богу. В Священном Писании сказано, что Создатель творил мир «из ничего», а значит, и настоящее грандиозное искусство должно созидать новый мир таким же образом, разрушив все до основания (до «ничто») и построив взамен нечто совершенно новое. Эстетика авангарда - это радикальная эстетика, которая по своей задаче «божественна» потому, что должна создать нечто совершенно новое.

Во что верили и чему поклонялись авангардисты?

Кузьма Петров-Водкин. 1918 год в Петрограде. 1920

Если авангардисты выступали против любых форм традиционности, если они хотели разрушить весь существующий мир искусства и идей, значит, и религия - такая, какой она была, - их также не устраивала. Или я ошибаюсь?

Однозначно на этот вопрос ответить не получится, ведь, как я уже говорила, все авангардисты были очень разными. Например, Наталья Гончарова (1881–1962), судя по всему, была человеком верующим. Она даже писала иконы в авангардном стиле. А вот Казимир Малевич, хоть и не был человеком религиозным в традиционном смысле этого слова, но творческий стимул получил, когда увидел, как художники из Петербурга расписывают в Киеве собор. Казимиру было пятнадцать лет, но это так его поразило, что он упросил мать купить ему кисти и краски и с тех пор уже никогда с ними не расставался. Огромное впечатление на него произвело открытие древнерусской иконы, когда в начале XX века реставратор Василий Гурьянов нашел способ снимать слой олифы с потемневших икон. До этого они были совершенно почерневшими из-за пыли и копоти, которая веками наслаивалась на них. И тут вдруг стали открываться истинные цвета и краски образов и это стало настоящей сенсацией. Особенным событием было открытие рублевских икон, например его знаменитой . Конечно, для самого Малевича икона была интересна только как эстетический объект.

Многие из тех, кого мы сегодня считаем авангардистами, часто обращались к христианским образам и размышляли над евангельскими сюжетами. (1878–1939), например, воспитывался в православных традициях и потому всю жизнь оставался человеком религиозным. Известно, что в городе Хвалынске, где он венчался, был храм, для которого он написал «Распятие» (к сожалению, сама церковь не сохранилась до наших дней). Была у Петрова-Водкина и серия картин, посвященных теме Богоматери, где (например, в «Петроградской Мадонне») была предпринята попытка осмыслить женщину его времени через религиозный образ. Интересно, что даже в его революционных картинах присутствует характерная для икон сферическая перспектива.

Известны религиозные искания Николая Рериха (1874–1947), который долгое время увлекался темой русских святых. Можно вспомнить его знаменитый цикл о преподобном Сергии Радонежском. Да и сам Малевич, хоть формально и был далек от религии, но серию своих «Квадратов» называл «новыми иконами». Знаменитый художник говорил, что его картины - это дорожные знаки, которые должны ориентировать человека на пути искусства. Он верил в Бога, но воспринимал Его не как личность, а как некоторый первопринцип.

Но все же я думаю, что вопрос о том, были ли авангардисты верующими или нет, второстепенен. Важнее то, что общий порыв авангарда был по духу религиозным. Он был пропитан отчетливым религиозным пафосом, собственно говоря, как и любое революционное движение. Об этом писал, между прочим, Николай Бердяев в книге «Религиозные истоки русского коммунизма». Философ, в частности, отмечал, что русский человек даже через богоборчество приходит к богоискательству. И эта мысль Бердяева, мне кажется, многое объясняет в самом авангарде.

Мы встречаем богоборческий пафос, например, у Малевича, когда он вместе с художником Михаилом Матюшиным (1861–1934) и поэтом-футуристом Алексеем Крученых (1886–1968) создал грандиозную оперу-мистерию - «Победа над солнцем». Малевич в связи с постановкой писал позднее в статье «Театр» очень характерно: «Звук Матюшина расшибал налипшую, засаленную аплодисментами кору звуков старой музыки, слова и буквозвуки Алексея Крученых распылили вещевое слово. Завеса разорвалась, разорвав одновременно вопль сознания старого мозга, раскрыла перед глазами дикой толпы дороги, торчащие и в землю, и в небо. Мы открыли новую дорогу театру». Это была попытка через отрицание прийти к новым творческим вершинам, и в этом скрывалось свое, быть может очень сложное, в каком-то смысле драматичное, не линейное, богоискательство.

Интересно, что похожие мотивы мы находим и у знаменитого композитора Александра Скрябина (1872–1915), который в своей музыке пытался соединить звук с цветом, то есть как бы «раскрасить» нотные станы, дать слушателю увидеть и ощутить за звучанием цветовую перспективу. Музыкант пытался воссоздать акт божественного творения Вселенной или хотя бы прикоснуться к нему. И такие космические проекты в искусстве мы встречаем в начале XX века постоянно. Это было характерно для духа времени. Все они перекликались между собой, влияли друг на друга, создавая единый революционный лейтмотив - безусловно богоборческий, но сквозь который, так или иначе, просвечивалось богоискательство.

Наталья Гончарова. Богоматерь с Младенцем. 1911

Если авангард стремился к такому грандиозному творчеству, если он радикально отказывался от старых традиций и «избитых» образов, почему художники этого направления так часто обращались к христианским идеям и сюжетам? Почему им был так важен диалог с христианской культурой?

В первую очередь это связано с теми реалиями, в которых они формировались. Русские авангардисты во многом были воспитаны внутри христианской культуры, и это предопределило их обращение к ее основным темам. Кроме того, христианское искусство само по себе очень сильное. Авангардисты чувствовали это.

Не просто так известный французский художник и скульптор Анри Матисс (1869–1954), приехав в Россию и впервые увидев древние иконы, сказал: «Вот истинное большое искусство. Я влюблен в их трогательную простоту, которая для меня ближе и дороже картин Фра Анджелико. В этих иконах, как мистический цветок, раскрывается душа художников. И у них нам нужно учиться пониманию искусства».

В иконе было то, что так искали авангардисты: свобода от натуры, господство линий и плоскостей, иные пространство и время. Они понимали, что диалог с христианской культурой может быть очень плодотворен, что религиозная традиция не утратила понимания сверхзадачи искусства - прикосновение к метафизическому. Такое понимание было свойственно, например, Средним векам и уже менее заметно в поствозрожденческую эпоху. Кроме того, христианское искусство очень знаково, а авангардисты ценили знак за его емкость и в то же время бездонность. И здесь снова вспоминается Малевич, который «знаково» воспринимал свои картины.

Зачем Малевич написал «Черный квадрат»? И что искал Кандинский в Раю?

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915

- Говорят, что Малевич называл свой «Черный квадрат» антииконой. Что это значит?

- Для того, чтобы дешифровать значение этого высказывания художника, нужно помнить, что писал он эту картину в момент колоссальной исторической катастрофы - в разгар (1914–1918). Через «Черный квадрат» он попытался показать ту бездну, в которую катилось тогда человечество. Сам Малевич повесил ее в «красном углу» своей мастерской - действительно, будто бы как икону. Но «Черный квадрат» - это антиикона не в том смысле, что здесь скрыто нечто противоречащее иконе, дьявольское. В этой картине, по замыслу Малевича, был заключен такой же по силе символизм. В ней, если хотите, есть апофатическое начало .

Взяв форму иконы, близкую к квадрату, делая поля белыми, а средник черным, художник явно отталкивается от иконографического канона. Квадрат всегда был символом, который втягивает в себя весь мир - все четыре конца света. Потому и икона четырехугольна. Она как бы вбирает в себя масштаб всей вселенной. Все многоцветие иконы Малевич сводит к двум цветам: черному и белому - свету и тьме. Именно эти начала борются в мире - свет и тьма, бытие и небытие, Бог и Его противник. И здесь небытие, то есть черный цвет, как бы вытесняет, выталкивает свет на поля, занимая собой все пространство квадрата в середине. Там, где должен быть лик - мрак, который глухо предупреждает: дальше дороги нет! В этом смысле Малевич как бы ставит точку в искусстве, потому как мир разрушается мировой войной. Но это только одна из интерпретаций. Существует мнение, что «Черный квадрат» символизирует, наоборот, начало Вселенной, которая вот-вот должна появиться, или, наоборот, уже исчезла, а за ней родится новое небо и новая земля. Картина изображает и начало, и конец одновременно.

В этом смысле «Черный квадрат» - это антиикона, которая символизировала и крах привычных форм выразительности, и начало нового творческого поиска. Интересно, что впоследствии Малевич написал «Белый квадрат на белом фоне», а затем «Красный квадрат». Сам художник продолжил движение дальше, перешагнул «точку» «Черного квадрата», силясь постичь и выразить новые горизонты искусства.

Василий Кандинский. Последовательность. 1935

В истории русского авангарда есть, пожалуй, две самые главные и узнаваемые фигуры - это Казимир Малевич и Василий Кандинский. Кандинский шел тем же путем, что и Малевич?

Нет, они совсем разные. Мне кажется, что Малевич по духу больше апокалиптик. Он как художник обращен к концу этого мира, пытается обозначить его гибель. При этом, всматриваясь в бездну «Черного квадрата», художник улавливает за чернотой вселенского «Апокалипсиса» проблески нового искусства, то, что он и назвал «супрематизмом» или беспредметным искусством.

Василий Кандинский (1866–1944) уходит в совершенно другое направление - к началам мира. Его можно назвать «райским» художником. Он как бы рассекает все формы искусства до первоэлементов - точки, линии, пятна - из которых складывается художественный образ. Кандинский стремится показать мир таким, каким он был на самой начальной стадии. Художник соприкасается с бытием разворачивающимся. Искусство Кандинского возвращает нас в то райское состояние, когда Адам в первый раз вдохнул воздуха и увидел мир вокруг себя в становлении - пока еще только всплески, неоформленные цвета, ощущения. Он видит линию, которой еще не проведен контур, видит точку, из которой еще не разлетелись звезды и планеты. У Кандинского все «первобытно», а потому - абстрактно, без законченных форм.

И Кандинский, и Малевич были теоретиками авангарда. Василий Васильевич оставил нам небольшую, но очень емкую книгу - «О духовном в искусстве», в которой объяснил, почему для своего творчества он использовал язык абстракций. Художник сравнивал искусство живописи с музыкой.

Сама по себе музыка - абстрактна, но человек всегда слышит в ней что-то конкретное и личное. И для того, чтобы, например, музыкально изобразить утро, необязательно тащить в оркестровую яму петуха.

Клоду Дебюсси или Петру Чайковскому было достаточно всего лишь гармонии семи нот, чтобы «изобразить» слушателю утро. Точно так же и в картинах Кандинского, используя сочетание семи цветов и освобождая свои картины от предметности, художник стремился погрузить своего зрителя в «музыку света». Использование абстрактной живописи обосновывалось художником психофизически. И ведь правда, когда мы смотрим на пейзаж за окном, то в первую очередь на уровне эмоций видим его или солнечным, или пасмурным. И художнику, для того чтобы передать это ощущение, совершенно необязательно дотошно копировать весь пейзаж. Достаточно лишь абстрагировать его от конкретных очертаний и передать само настроение, придать ему музыкальное звучание.

Тем не менее, мне кажется, что религиозные поиски, осмысление сакрального, божественного у Малевича и у Кандинского до сих пор до конца не поняты и не оценены.

Чем закончился авангард?

Казимир Малевич. Белое на белом. 1918

Любой творческий эпатаж, любая продуманная и спланированная бутафория в искусстве сегодня, как правило, ассоциируется с авангардом. Если живопись шокирует нас, если мы видим неожиданный эксперимент, то, как правило, определяем увиденное как искусство. Может и непонятное, странное, но - искусство, причем авангардное. Авангардисты ведь шокировали тогдашнее общество своими выставками. Насколько правомочно сопоставлять современное искусство с авангардом?

Внешнее сходство действительно заметно. И авангардисты, и многие деятели современного искусства использовали и используют эпатаж как инструмент творческой трансляции. Но радикальное различие заключается в том, что когда ты начинаешь анализировать живопись первой половины XX века, то понимаешь, что за внешней, безусловно яркой и шокирующей, формой всегда скрывается очень глубокая и сложная философия. Внешняя эффектность искусства авангарда завлекала зрителя вглубь - к смыслу того, что пытался сказать художник. И каждый раз зритель сталкивался с колоссальной по своему масштабу продуманной философской системой. Пример «Черного квадрата», о котором мы говорили выше, - яркое тому подтверждение. То же ощущаешь, когда читаешь работы Кандинского. Понимаешь насколько мощная интеллектуальная база стояла за его творческой системой.

К сожалению, современное искусство необычностью форм завоевывает внимание ради внимания. Это хорошо отработанный способ пиара и только. Конечно, и в современном искусстве есть немало интересного, глубокого, художники нередко поднимают философские темы, но так называемое актуальное искусство главным образом строит свою стратегию на скандале, который часто входит в замысел художника, кажется, что такое высказывание автора быстрей заметят. Но, кстати, в современном искусстве, мало и собственно нового, все в той или иной степени уже было. Например, так называемый «акционизм» (явление середины XX века, когда само по себе искусство приближается к действию, приобретает черты публичной акции) был и в искусстве начала XX века, когда художники, поэты, мыслители проводили свои яркие, особенные, странные для обывателя выставки, писали грандиозные и дерзкие манифесты, устраивали целые шествия. Но делалось все это не только ради того, что привлечь внимание публики к своему мировоззрению, а чтобы заставить человека задуматься над тем, что ими заявлялось, задать ему те вопросы, о которых он никогда бы не подумал.

Сегодняшний акционизм в искусстве превратился не только в самоцель, но и в средство политической пропаганды. Это может быть яркая оболочка, но, как правило, с пустым содержанием. Современное искусство, на мой взгляд, философски проработано очень слабо. Хотя, конечно, можно найти и положительные примеры, но их меньше.

Сегодня идет грандиозный спор между приверженцами классического и авангардного искусства. При этом разрыв между оппонентами громаден, язык общения порой бывает грубым. В чем Вы видите причину такого ярого неприятия друг друга этих двух позиций?

Искусство - это сфера, где человек раскрывается прежде всего эмоционально, поэтому вокруг искусства и споры ведутся с повышенными эмоциями. И к тому же тут вопрос языка и вопрос контекста. Как мы с вами говорили, авангард стремился создать новый язык, отличный от классического, он хотел порвать со всей предыдущей традицией, создать новое искусство. И создал язык, который приверженцам традиции непонятен. Но я думаю, что при желании можно научиться понимать любой язык и услышать, что хотел сказать художник.

Тут и контекст важно учитывать, потому что авангард рождался в атмосфере крушения не только классического искусства, но и классического представления о вселенной и о человеке. Сегодня уже нельзя сказать, что опыт ХХ века не изменил человека, и что он так же, как и двести, и триста, и пятьсот лет назад ощущает себя во вселенной. Мы стали другими, а искусство - это своего рода наше зеркало, и потому оно тоже меняется. Но тут нет и не может быть противопоставления. Классика хороша по-своему, авангард - по-своему.

Павел Филонов. Ударники (Мастера аналитического искусства). 1934-1935

Авангард заявил, что классика отжила, что она недееспособна и лжива. Выдержала ли эта позиция испытание временем? Действительно ли классика так бессильна?

Нет, конечно, классика не отжила, на то она и классика. Сколько веков прошло со времен античности, а она все равно питает европейскую и мировую культуру. Точно также и византийская и древнерусская икона. «Сбросить Пушкина с корабля современности» не удалось - и слава Богу! Юношеский порыв авангарда (а этот был бунт детей против отцов) разрушить все до основания не удался. Но удалось воздвигнуть свое здание рядом с классикой. И в этом ценность авангарда, по крайней мере, начала ХХ века, что он не только разрушал, но и строил. И его достижениями питалось искусство на протяжении всего ХХ века и сегодня питается. В какой-то мере мы можем говорить о «классике авангарда». Авангард тоже стал классикой. Вопрос: что идет ему на замену? Ответить очень трудно.

С момента зарождения авангардного искусства прошел уже целый век. Насколько реализовались планы и программы этих художников? Не получается ли, что они закончились провалом, ведь сегодня авангардом интересуется узкий круг специалистов и любителей?

Прошло сто лет, и мы с уверенностью можем сказать, что русский авангард - великое явление, он глубоко повлиял на ход развития мирового искусства. Как мы знаем, Василий Кандинский уехал в Германию и стал основателем двух объединений «Синий всадник» и «Мост», и стал значительной фигурой в немецком искусстве ХХ века. А Марк Шагал - во французском. Казимир Малевич никуда не уезжал, но стал одним из самых популярных и влиятельных художников ХХ века, его творчеством до сих пор вдохновляются художники по всему миру.

К сожалению, судьбы многих художников авангарда сложились трагически. Одни вынуждены были покинуть Россию, как Кандинский, Шагал, Бурлюк, Гончарова, Ларионов и другие, а кто-то не смог или не захотел уехать на Запад. И здесь одни вписались в советскую систему, а другие нет. Один из учеников Малевича, Стерлигов, в 1930-х годах сидел. Александр Древин был расстрелян в 1938 году на Бутовском полигоне. Павел Филонов умер в 1941 году в блокадном Ленинграде от голода, а Эль Лисицкий в том же году в Москве - от туберкулеза. Малевич, Петров-Водкин, отчасти Владимир Татлин и Роберт Фальк смогли вписаться в советскую систему, но уже в 1930-е годы авангард был заклеймен как вредный формализм, и было сделано все, чтобы все разнообразие художественных течений свести к одному: в стране утвердился социалистический реализм. Но в послевоенные годы, особенно в 60-70-е, семена, посеянные художниками-бунтарями, взошли. И мы можем говорить о так называемом «втором авангарде». Он, конечно, не был столь масштабным и глубоким. Но он был, а значит, усилия художников начала ХХ века не оказались напрасными. Кстати, интересный факт: один из учеников Малевича, Владимир Стерлигов, в 1960-х годах основал группу художников, которые работали над созданием религиозного искусства. В основу творчества этой группы легла стерлиговская теория «Чашно-купольного сознания», которая, как он считал, развивает супрематические идеи Малевича.

К сожалению, вы правы, об искусстве авангарда знают в основном знатоки и любители, авангард очень ценят коллекционеры, он стоит довольно дорого. А вот широкая публика - не очень им интересуется, потому что не понимает. И это если и провал, то провал в том смысле, что мы не учим по-настоящему наших детей смотреть и понимать искусство, и, вырастая, они дальше Шишкина и Васнецова подняться не могут. Я думаю, что нужно больше рассказывать людям об искусстве, у которого столько много разных и интересных языков, направлений, имен, идей.

Программный манифест Малевича «От кубизма и футуризма к супрематизму».

Есть интересная книга Елены Сидориной «Конструктивизм без берегов. Исследования и этюды о русском авангарде» (Москва, 2012).

У Андрея Крусанова есть исследование в трех томах «Русский авнгард» (Москва, 2010).

Но все же непосредственное прикосновение к этому искусству возможно только в галерее. Эти картины нужно видеть вживую, при этом осознавая, что для их понимания потребуется выучить определенный язык, на котором они были написаны.

* – Апофатическое богословие (или негативная теология) строится на том, что сущность Бога поясняется путем отрицания всех возможных определений, как несопоставимых с Его природой. - Прим. ред.

Беседовал Тихон Сысоев