Какие черты отличают итальянскую ренессансную живопись. Особенности художественной культуры ренессанса

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин - и он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы - это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Собственно эпоху Итальянского Возрождения условно подразделяют на ряд этапов:

Проторенессанс (дученто «двухсотые», т.е. 1200-е) – XIII век.

Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) - с середины XIV - XV вв.

Высокий Ренессанс (чинквеченто) - до второй трети XVI в.

Поздний Ренессанс - вторая треть XVI - первая половина XVII вв.

Проторенессанс. Уже в ранних произведениях Данте (1265 -1321) цикле сонетов, канцон и баллад, объединенных в произведение «Новая жизнь», неоконченном произведении «Пир» и других - поэт начинает опыты по использованию итальянского язы­ка , доказывая тем самым его жизнеспособность. Ве­личайшим шедевром поэта, обессмертившим его имя, стала «Божественная комедия», благодаря которой Дан­те вошел в историю культуры как создатель итальянс­кого литературного языка. Сюжет произведения, весьма традиционный для Средневековья, тем не менее наполнен новыми элементами, часто противоречащими церковным ка­нонам, ярко выражающими мнение и вкусы самого автора. Весьма сложна структура «Божественной комедии». Произведение состоит из трех частей: «Ад», «Чистилище» и «Рай». Характерно, что провожатым по Аду и Чистилищу Данте выбирает римского поэта Вергилия, называя его «Учителем». Каждая из трех частей поэмы содер­жит тридцать три песни. Содержание подчинено последовательной символи­ке чисел.

В «Божественной комедии» Данте упоминает своего великого современ­ника - архитектора, скульптора и художника Джотто. С именем Джотто ди Бондоне (1266/1267 - 1337) связан решительный поворот к реалистическому искусству . Наиболее известными произведениями Джотто, дошедшими до нашего времени, считаются росписи на евангельские сюжеты в капелле дель Арена в Падуе и росписи на темы из жизни Францис­ка Ассизского в церкви Санта Кроче во Флоренции. В этих шедеврах мастер отказывается от плоскостного характера иконописных изображений на осно­ве синтеза объема и плоскости. Одним из наиболее трогательных образов, созданных Джотто, по праву считается образ Христа в сцене «Поцелуй Иуды» (фрески капеллы дель Арена в Падуе, 1304-1306). Мастеру удалось передать высокий драматизм сцены через пристальный и многозначительный взгляд Христа, обращенный на предателя. При этом Джотто сумел передать спокой­ствие Христа в соединении с ясным осознанием предначертанной ему судь­бы. Тема фрески «Христос и Иуда» проходит лейтмотивом через весь падуанский цикл («Встреча Марии и Елизаветы», «Бегство в Египет», «Оплакивание Христа» и др.). Новаторство Джотто оказало колоссальное воздействие на изоб­разительное искусство эпохи Возрождения.

Ранний ренессанс. К периоду Раннего Ренессанса относится литературное творчество Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо. Наряду со своим земляком Данте эти ве­личайшие поэты Италии считаются создателями итальянского литературного языка.

Петрарка (1304-1374) остался в истории Возрождения как первый гума­нист, поставивший в центре своего творчества не Бога, а человека. Всемир­ную известность получили сонеты Петрарки на жизнь и смерть мадонны Ла­уры, вошедшие в сборник «Книга песен». Петрарка известен и как страстный популяризатор наследия античных авторов, о чем свидетельствует его трактат «О великих мужьях древности».

Учеником и последователем Петрарки был Боккаччо (1313-1375) - автор известного сборника реалистических новелл «Декамерон». Глубоко гуманистическое начало произведения Боккаччо, насыщенного тонкими наблюдениями, великолепным знанием психологии, юмором и оптимизмом, остается весьма поучительным и сегодня. Достаточно отметить, что в наше время новеллы Боккаччо легли в основу сценических и экранных версии шедевра, созданного более шестисот лет назад. Последующая литература Итальянского Возрождения равнялась на великих флорентийцев: Данте, Петрарку и Боккаччо, хотя и не смогла превзойти их славы.

Выдающимся мастером Раннего Возрождения, продолжившим реалистическую традицию, идущую от Джотто, считается Мазаччо (1401-1428). Россписи художника (капелла Бранкачи во Флоренции) отличают энергичная светотеневая лепка, пластическая телесность, трехмерность фигур и их композиционная увязка с пейзажем. Искусство Мазаччо стало образцом для творчества последующих поколений художников.

Наследие выдающегося мастера кисти Раннего Возрождения Сандро Боттичелли (1445-1510), работавшего при дворе Медичи во Флоренции, отличают тонкий колорит и настроение грусти. Мастер не стремится следовать реалистической манере Джотто и Мазаччо, его изображения плоскостны и как бы бесплотны. Среди работ, созданных Боттичелли, наибольшую известность приобрела картина «Рождение Венеры», ярко характеризующая особенность его творчества.

Наиболее известный скульптор первой половины XV в. Донателло (ок. 1386-1466). Возрождая античные традиции, он первым представил в скульптуре обнаженное тело, создал классические формы и виды ренессансной скульптуры: новый тип круглой статуи и скульптурной группы, живописного рельефа. Его искусство отличает реалистическая манера.

Выдающийся архитектор и скульптор Раннего Возрождения Филиппа Брунеллески (1377-1446) - один из основоположников архитектуры Ренессанса. Ему удалось возродить основные элементы античной архитектуры, которым, впрочем, художник придал несколько иные пропорции. Это позволило мастеру ориентировать постройки на человека, а не подавлять его, на что, в частности, были рассчитаны сооружения средневекового зодчества. Брунеллески талантливо решал сложнейшие технические задачи (строительство купола Флорентийского собора), внес большой вклад в фундаментальную науку (теория линейной перспективы).

Высокий ренессанс. Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким. Он связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров, титанов Возрождения - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти. А также творчество крупнейшего итальянского поэта Лудовико Ариосто (1474-1533), продолжившего литературные традиции Данте, Петрарки и Боккаччо. Наиболее известное его произведение - героическая рыцарская поэма «Неистовыи Роланд», проникнутая тонкой иронией и воплощающая идеи гуманизма.

Характерным фоном взлета Ренессанса был экономический и политический упадок Италии - закономерность, не раз повторявшаяся в истории. В творчестве представителей Высокого Возрождения достигли вершины реалистические и гуманистические основы культуры Ренессанса.

Леонардо да Винчи (1452-1519) едва ли имеет равных себе по степени одаренности и универсальности среди представителей Возрождения. Сложно назвать отрасль, в которой бы он не достиг непревзойденного мастерства. Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, механиком, астрономом, физиологом, ботаником, анатомом, обогатив эти и многие другие сферы знаний открытиями и гениальными догадками. В его художественном наследии особо выделяются такие дошедшие до нас шедевры, как «Тайная вечеря» - фреска в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане, а также самый знаменитый портрет эпохи Возрождения «Джоконда» («Мона Лиза»).

Среди многочисленных новаций Леонардо следует назвать особую манеру письма, получившую название дымчатой светотени (сфумато, от итал. fumo - дым), которая в сочетании с линейной перспективой передавала глубину пространства.

В творчестве Леонардо наиболее полно выразился универсализм представителей Возрождения, где сложно обнаружить резкие грани между наукой, художественной фантазией и воплощением замыслов. Об этом свидетельствуют, и частности, дошедшие до нас зашифрованные Записные книжки и рукописи титана Возрождения, насчитывающие около 7 тысяч листов.

Младший современник Леонардо великий живописец Италии Рафаэль Санти (1483-1520) вошел в историю мировой культуры как создатель ряда живописных шедевров. Это ранняя работа мастера «Мадонна Конестабиле», проникнутая изяществом и мягким лиризмом. Зрелые работы живописца выделяются совершенством композиционных решений, колоритом и экспрессией. Это росписи парадных залов Ватиканского дворца и, конечно, величайшее творение Рафаэля - «Сикстинская мадонна». Мастер получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, церкви и небольшой часовни в Ватикане. Папа Лев Х назначил художника руководителем строительства купола Собора св. Петра.

Последним титаном Высокого Возрождения был Микеланджело Буонарроти (1475-1564) - великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют прежде всего первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника - росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508- 1512). Общая площадь фрески 600 кв. метров. Многофигурная композиция фрески представляет иллюстрацию библейских сюжетов от сотворения мира. Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска алтарной стены Сикстинской капеллы «Страшный суд», написанная спустя четверть века после росписи потолка Сикстинской капеллы. В этой фреске воплотились лучшие гуманистические идеалы Возрождения. Смелость художника в изображении обнаженных тел вызвала негодование части клира", что свидетельствовало о начале наступления реакции на основы идеологии Возрождения.

Как скульптор Микеланджело стал известен благодаря своему раннему произведению «Давид». Но подлинное признание как архитектор и скульптор Микеланджело обрел в качестве проектировщика и руководителя строительства основной части здания Собора св. Петра в Риме, остающегося и до настоящего времени самым крупным католическим храмом в мире, а также за скульптурное оформление лестницы и площади Капитолийского холма. Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции, в частности, скульптурная композиция в капелле Медичи. Четыре обнаженные фигуры на саркофагах властителей Флоренции «Вечер», «Ночь», «Утро» «День» весьма ярко иллюстрируют осознание мастером ограниченности человеческих возможностей, отчаяние перед быстротекущим временем.

На период Высокого и Позднего Возрождения пришелся расцвет искусства в Венеции . Во второй половине XVI в Венеция, сохранившая республиканское устройство, становится своеобразным оазисом и центром Ренессанса. Среди художников венецианской школы рано умерший Джорджоне (1476-1510), обессмертивший свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая Венера», «Сельский концерт». В творчестве Джорджоне проявились особенности венецианской школы, в частности, художник первым начал придавать пейзажу самостоятельное значение, в качестве приоритетных решать задачи колорита и света.

Величайший представитель венецианской школы - Тициан Вечеллио (1477 или 1487 -1576). При жизни он получил признание в Европе. Ряд значительных работ был выполнен Тицианом по заказу европейских монархов и папы римского. Работы Тициана привлекают новизной решения прежде всего колористических и композиционных задач. Впервые на его полотнах появляется изображение толпы как части композиции. Наиболее известные работы Тициана: «Кающаяся Магдалина. «Любовь земная и небесная», «Венера», «Даная», «Святой Себастьян» и др. Галерея выполненных им портретов современников была предметом глубокого изучения и подражания для последующих поколений европейских живописцев.

Поздний ренессанс. Период Позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции. Церковь небезуспешно пыталась восстановить частично утраченную безраздельную власть над умами, поощряя деятелей культуры, с одной стороны, и используя репрессивные меры в отношении непокорных - с другой. Так, многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру, технику (так называемый «маньеризм») великих мастеров Возрождения. Среди наиболее крупных основоположников маньеризма Якопо Понтормо (1494-1557) и Анджело Бронзино (1503-1572), работавшие в основном в жанре портрета.

Однако маньеризм, несмотря на мощное покровительство церкви, не стал ведущим направлением в период Позднего Возрождения. Это время было отмечено реалистическим, гуманистическим творчеством живописцев, относящихся к венецианской школе: Паоло Веронезе (1528 - 1588), Якопо Тинторетто (1518 - 1594). Микеланджело да Караваджо (1573-1610) и др.

Караваджо является основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII в. Полотна мастера отличаются простотой композиции, эмоциональным напряжением, выраженным через контрасты света и тени, демократизмом. Караваджо первым противопоставил подражательному направлению в живописи (маньеризму) реалистические сюжеты народного быта - караваджизм.

Последним из наиболее крупных скульпторов и ювелиров Италии был Бенвенуто Челлини (1500-1571), в творчестве которого отчетливо проявились реалистические каноны Возрождения (например, бронзовая статуя «Персей»). Челлини остался в истории культуры не только как ювелир, давший свое имя целому периоду в развитии прикладного искусства, но и как незаурядный мемуарист, талантливо воссоздавший портреты своих современников в книге «Жизнь Бенвенуто Челлини», не раз издававшейся и на русском языке.

Отличие от итальянского Возрождения

Духовное пробуждение Европы, которое началось в к. XII века, было следствием подъема средневековой городской культуры и выразилось в новых формах деятельности - интеллектуальной и культурной. В частности - расцвет схоластической науки, пробуждение интереса к античности, проявление самосознания личности в религиозной и светской сфере, в искусстве - готический стиль.

Этот процесс духовного пробуждения шел двумя путями (из-за социально-экономических, национальных и культурных особенностей):

развитие элементов светского гуманистического мировоззрения

развитие идей религиозного «обновления»

Оба эти течения нередко соприкасались и сливались, но по сути все же выступали как антагонисты. По первому пути пошла Италия (см. Ренессанс, с его антикизирующими и реалистическими тенденциями), по второму - Северная Европа, пока еще - с формами зрелой готики, с её общим спиритуалистическим настроем и натурализмом деталей .

Основные отличия: большее влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.

Северное Возрождение.

До конца XV в. Ренессанс был явлением только итальянской культуры. Но на рубеже XV-XVI вв. возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии и быстро распространилась по странам Западной Европы к северу от Альп - в Нидерландах, Германии и Франции. Каждая страна имела свои особенности в становлении культуры Возрождения, но наиболее самобытный характер Северного Ренессанса проявился в художественной культуре Нидерландов и Германии. Главными центрами искусства были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле, Амстердам.

Использование термина «Возрождение» по отношению к культуре этих стран довольно условно, так как ее формирование опиралось не на возрожденное античное наследие, а на идеи религиозного обновления. Тем не менее сущность происходивших процессов и в Италии, и в этих странах была общей - расшатывание феодального мировоззрения, становление буржуазного гуманизма, рост самосознания личности.

Развитие Северного Ренессанса на целое столетие запоздало по отношению к итальянскому и происходило на совершенно другой основе. Так, в Италии основой гуманизма служили учения античных философов-язычников, а в северных странах он основывался на воскрешении демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. Если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему. Поэтому в художественной культуре Северного Возрождения сохранилось значительно больше черт средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, она более условна по форме, более архаична и меньше знакома с античностью.

Философской основой Северного Возрождения был пантеизм (обожествление вселенной, природы). Не отрицая прямо существование Бога, это учение растворяет его в природе, наделяя ее божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, и делали вывод, что любое проявление природы достойно изображения. Такие представления привели к появлению в художественной культуре Северного Возрождения пейзажа как самостоятельного жанра.

В Германии в последней трети XV в. возник и получил развитие в искусстве Северного Ренессанса портрет. Немецкий портрет отличался от портретной живописи итальянского Возрождения. Если итальянские художники в своем преклонении перед человеком создавали идеал красоты, то немецкие мастера были безразличны к красоте, для них главным было передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа. В итальянском Возрождении на первом плане была эстетическая сторона, в Северном - этическая.

В искусстве Северного Ренессанса сформировался и получил развитие (прежде всего в Нидерландах) такой жанр, как бытовая картина. Нидерландских художников отличала необычайная виртуозность письма: любая мельчайшая подробность изображалась с большой тщательностью. Это делало картины очень увлекательными для зрителя: чем больше разглядываешь, тем больше находишь интересных деталей.

Главное различие между итальянским и Северным Возрождением заключается в том, что первому присуще стремление к восстановлению античной культуры, к раскрепощению, освобождению от церковных догм, светской образованности, тогда как в

Северном Возрождении главное место занимали вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к реформации и протестантизму.

Возрождение в Нидерландах

Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где теперь расположены Голландия и Бельгия. Богатые области, объединенные под властью бургундских герцогов, первенствовали среди европейских стран в экономическом и культурном отношении. Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: мое дело, моя семья, мой дом, мое имущество, моя капелла, мой святой покровитель. Во всех слоях общества чрезвычайно усилилось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники буквально обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное. Становление нового искусства началось в первой трети XV в.Живописцу Яну ваи Эику безоговорочно принадлежит первенство в нидерландском ренессансе. Главное творение ван Эйка- грандиозный Гентский алтарь - полиптих (т.е. сложенный много раз) для одной из капелл в Генте, в котором выражено новое мировоззрение, новое представление о человеке и вселенной. Образ вселенной создают 12 изображений на наружных створках полиптиха (в закрытом виде) и 14 на внутренних (в раскрытом виде) - небесные сферы, населенные небожителями, и земля с се далями, лесами, долинами и горами.

Ван Эйку традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Это не совсем точно, поскольку способ применения растительных масел как связующего вещества для краски был известен и раньше. Но художник усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин. Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.

В XV в. впервые в европейском искусстве бытовой жанр становится самостоятельным направлением в живописи. У нидерландских художников не было стремления к идеализации, героизации, возвеличиванию человека и его деяний. Напротив, их отличали пристальный взгляд на мир и его правдивое, непосредственное изображение, уважение к будничной жизни и любовь к миру вещей. Все это привело к появлению картин на бытовые темы. Особое место в формировании и утверждении этого жанра принадлежит Босху и Брейгелю.

Творчество Хиеронимуса Босха современным зрителем воспринимается как очень сложное и загадочное, поскольку он постоянно прибегал к иносказаниям. Вероятно, современникам аллегорический смысл его образов был понятен, ибо его произведения пользовались большой популярностью. Сюжеты ею картин демонстрировали отрицательные явления жизни. В своем творчестве Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. В его картинах дьявол принимает разнообразные причудливые обличья, зло проникает повсюду, а человек предстает как раб греховности, как безвольное, бессильное и ничтожное существо.

Свои картины на темы ада, рая, Страшного Суда, искушения святых художник населил легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части разных животных, растений, предметов, а иногда человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования. Ни один из последующих мастеров живописи не создал столь фантастических, граничащих с безумием образов.

Сложные процессы общественной жизни середины XVI в. в Нидерландах оказали влияние на развитие живописи. Страна находилась под властью Габсбургов, которые ее беззастенчиво грабили. Когда правителем стал герцог Альба, в стране установился режим кровавого террора. Испанская инквизиция проводила массовые аресты, повсюду горели костры и воздвигались виселицы. Это неизбежно порождало мысль о ничтожности отдельного человека и его деятельности. В результате оказались окончательно изжитыми принципы искусства XV в. Творчество нидерландских художников все больше ориентировалось на изображение жизни народа. Наиболее выразительными в этом плане стали работы последнего художника нидерландского Возрождения Питера Брейгеля Старшего.

Творчество Брейгеля характеризуют жизненный уклад и обычаи страны середины XVI в. Для мировосприятия Брейгеля были характерны представление об извечно существующем в мире противостоянии добра и зла, умение видеть глубоко заложенный высший смысл в любых проявлениях жизни. В его картинах отражается активная деятельность людей, не имеющая никакого смысла. Картины объединяет мысль о безумии человеческого существования в условиях «перевернутого мира». Композиционно это множество мелких суетящихся фигурок, которые снуют между домами, выходят из дверей, выглядывают из окон и т.д. Они не составляют единого целого, их облик - это облик людей, живущих по законам «перевернутого мира». На них печать глупости, дурашливого веселья, бессмысленного внимания. Их веселые и бестолковые забавы - своего рода символ абсурдной деятельности всего человечества. В мировой живописи пейзажи Брейгеля занимают особое место, ибо нет других таких изображений природы, где космический аспект мироощущения был бы гак органично слит с житейской повседневностью. Поэтому не случайно Брейгель считается основателем пейзажного жанра в нидерландской живописи.

Возрождение в Германии

Становление культуры Возрождения в Германии происходило значительно позже, чем в Италии и Нидерландах. Это объясняется особенностями ее исторического развития. Еще в начале XV в. Германия была типичной средневековой страной, раздробленной на множество мелких княжеств. Средоточием и центром культурной жизни были города, которые представляли собой оазисы в феодальной стране, вся культура которой была под контролем церкви и сохраняла средневековый характер.

В Германии идеи гуманизма становятся известны к середине XV в. благодаря торговым связям с итальянскими городами. Распространение этих идей вызвало борьбу против феодального строя и католической церкви, общий культурный подъем, обновление литературы и искусства. В этом процессе главным для немецких художников было не само по себе овладение новыми формами изображения, а стремление с их помощью придать религиозному содержанию новую силу и близость к жизни, выразить мысли и чувства, тревожившие людей в это время.

Альбрехт Дюрер был основоположником немецкого Возрождения и единственной универсальной фигурой, подобной итальянским титанам Ренессанса. Великий гравер, живописец и рисовальщик в своем творчестве сумел оченьтонко пере дать дух эпохи с ее настроениями хилиазма (вера в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствием конца света, но вместе с тем и появлением нового гуманистического мышления. При этом Дюрер в своем творчестве с наибольшей полнотой выразил особенности именно немецкого Возрождения, отличного от искусства не только Италии, но и Нидерландов: в его творчестве рациональное и классическое неотделимо от готической экспрессивности и одухотворенности, тяга к знаниям соединяется с глубокой, страстной религиозностью.

На художественное сознание Дюрера оказало большое влияние его путешествие по Италии, поэтому его манера письма близка к итальянской. Его художественное видение мира отличается стремлением как можно более объективно отразить действительность, добиться от живописи и рисунка полной достоверности. По разнообразию сюжетов, широте восприятия действительности Дюрер является типичным представителем Высокого Возрождения. В изобразительном языке мастера нет дробности, красочной пестроты, линеарной жесткости. Его портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокая одухотворенность отличает каждое лицо. Это становится возможным при сочетании идеального образа с конкретно-индивидуальным прототипом.

Выбор тематики и особенности стиля Дюрера, как и всех немецких художников, обусловлены его глубокой религиозностью. Накаленная религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость воплотились в величайшем творении Дюрера «Апокалипсис». Вершиной творчества мастера стали три знаменитые гравюры: «Всадник, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия», в которых ярче всего выражены стой кость духа людей того времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные размышления о конечном результате борьбы. В этих работах сосуществуют рационализм и мистика, вера в мощь человеческого гения и осознание его ограниченности. Не связанные сюжетно, эти произведения составили единую образную цепь, в основу которой положена вера.

Среди огромного творческого наследия Дюрера особое внимание привлекают многочисленные автопортреты, что было необычно для искусства Возрождения. Особенно интересен и примечателен автопортрет 1500 г.; здесь Дюрер пишет л и по по закону идеальных пропорций и совмещает в нем облик Христа и свой. В этом можно видеть характерное для того времени стремление человека к единению с Богом и в то же время - высокое понимание миссии художника.

Творчество Лукаса Кранаха Старшего является неотъемлемой частью культуры Северного Возрождения. Круг его сюжетов очень широк: распятия, множество триптихов на евангельские темы, Мадонна с младенцем, античные сюжеты, портреты. На искусство Кранаха определенный отпечаток наложили вкусы саксонского двора, с которым художник был связан почти всю жизнь. В его живописи особенно отчетливы готические мотивы. Множество деталей, некоторая манерность нейтрализовались удивительной красотой колорита. Его мадонны и другие библейские героини - явные горожанки, современницы художника. Они излишне хрупки, но на них роскошные модные платья, прекрасные прически. Тем не менее его лучшие работы, написанные в начале XVI в., остаются образцом возрожденческой художественной культуры. Среди них - знаменитое «Распятие».

Ганс Гольбейн Младший был величайшим портретистом в немецкой живописи XVI в. Ему принадлежат портреты Эразма Роттердамского, Томаса Мора, Джейн Сеймур, трактующие образ современников как людей, полных достоинства, мудрости, сдержанной духовной силы. Гольбейн работал также как иллюстратор, создав очень разные, но яркие и выразительные иллюстрации к Библии и «Похвале Глупости» Эразма Роттердамского. Им был создан также цикл гравюр «Пляска смерти», перекликавшийся с творчеством Дюрера.

Век немецкого Возрождения был недолог. Начавшаяся Тридцатилетняя война (1618-1648) надолго задержала развитие немецкой культуры. Но в истории культуры эта эпоха осталась как целостное явление, давшая миру плеяду мастеров слова и живописи. Благодаря этой эпохе народы северных стран были вовлечены в общеевропейский культурный процесс.

Революционное значение Ренессанса для всех последующих времен в том, что именно в этот период были заложены основные гуманистические взгляды, развитие которых актуально и в наши дни. Возрождение открыло эру нового человека в истории мировой культуры, что отразилось в мировоззрении, убеждениях, во всех областях деятельности человека.

Возрожде́ние , или Ренесса́нс (фр. Renaissance , итал. Rinascimento ; от «re/ri» - «снова» или «заново» и «nasci» - «рождённый» ) - имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению. Приходится - в Италии - на начало XIV (повсеместно в Европе - с 15-16 вв.) - последнюю четверть XVI веков и в некоторых случаях - первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры, её гуманизм иантропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета .

Общая характеристика

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры, в Византии никогда не забывавшейся. Так, под впечатлением от выступления византийского лектора, Козимо Медичи основал Академию Платона во Флоренции.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканья и др.), но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Возрождение делят на 4 этапа:

Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век)

Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI - 90-е годы XVI века)

Проторенессанс

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими, византийскими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века воФлоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи сталДжотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Высокое Возрождение

Сюда перенаправляется запрос «Высокое Возрождение». На эту тему нужна отдельная статья

Пьета (Микеланджело) (1499): в традиционном религиозном сюжете на первый план вынесены простые человеческие чувства - материнская любовь и скорбь

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение

Кризис Возрождения: венецианецТинторетто в 1594 г. изобразил тайную вечерю как подпольную сходку в тревожных сумеречных отсветах

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Северное Возрождение Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть«Северное Возрождение».

«Любовное борение во сне Полифила» (1499) - одно из высших достижений ренессансного книгопечатания

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Выдающиеся представители - Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.

Renaissance - в переводе с французского означает "Возрождение". Именно так назвали целую эпоху, символизирующую интеллектуальный и художественный расцвет европейской культуры. Возрождение зародилось в Италии в начале XIV века, возвещая угасание эпохи культурного упадка и Средневековья), в основе которой лежали варварство и невежество, и, развиваясь, достигло своего пика в XVI веке.

Впервые об эпохе Возрождения написал историограф итальянского происхождения, живописец и автор трудов о жизни знаменитых художников, ваятелей и зодчих в начале XVI века.

Изначально термин "Возрождение" означал определённый период (начала XIV века) образования новой волны искусства. Но спустя время это понятие приобрело более широкую трактовку и стало обозначать целую эпоху развития и формирования культуры, противоположной феодализму.

Период Ренессанса тесно связан с возникновением новых стилей и техник живописи в Италии. Появляется интерес к античным образам. Светскость и антропоцентризм являются неотъемлемыми чертами, наполняющими скульптуры того времени и живопись. Эпоха Возрождения вытесняет аскетизм, характеризующий средневековую эпоху. Приходит интерес ко всему мирскому, безграничной красоте природы и, конечно же, человеку. Художники эпохи Возрождения подходят к видению тела человека с научной точки зрения, стараются проработать всё до мельчайших деталей. Картины становятся реалистичными. Живопись насыщена неповторимым стилем. Она установила основные каноны вкуса в искусстве. Широко распространяется новая концепция мировоззрения под названием "гуманизм", согласно которой человек считается высшей ценностью.

периода Ренессанса

Дух расцвета имеет широкое выражение в картинах того времени и наполняет особой чувственностью живопись. Эпоха Возрождения связывает культуру с наукой. Художники стали рассматривать искусство как отрасль знаний, изучая досконально физиологию человека и окружающий мир. Это делалось для того, чтобы более реалистично отобразить истинность Божьего создания и происходящие события на своих полотнах. Большое внимание уделялось изображению религиозных сюжетов, которые приобретали земное содержание благодаря мастерству гениев, таких как Леонардо да Винчи.

Выделяют пять этапов развития итальянского искусства Ренессанса.

Интернациональная (придворная) готика

Зародившаяся в начале XIII века придворная готика (ducento) характеризуется избыточной красочностью, помпезностью и вычурностью. Основным видом картин является миниатюра с изображением алтарных сюжетов. Художники используют темперные краски, создавая свою живопись. Эпоха Возрождения богата знаменитыми представителями данного периода, например, такими как итальянские живописцы Витторе Карпаччо и Сандро Боттичелли.

Период Предвозрождения (Проторенессанс)

Следующий этап, который, как считается, предвосхитил эпоху Ренессанса, называется Проторенессанс (trecento) и приходится на конец XIII - начало XIV века. В связи со стремительным развитием гуманистического мировоззрения живопись данного исторического периода раскрывает внутренний мир человека, его душу, имеет глубокий психологический смысл, но в то же время обладает простой и ясной структурой. Религиозные сюжеты отходят на второй план, а светские становятся лидирующими, и в качестве главного героя выступает человек с его чувствами, мимикой и жестами. Появляются первые портреты итальянского Ренессанса, занимающие место икон. Известные художники этого периода - Джотто, Пьетро Лоренцетти.

Раннее Возрождение

В начале начинается этап раннего Возрождения (quattrocento), символизирующий расцвет живописи с отсутствием религиозных сюжетов. Лики на иконах приобретают человеческий вид, а пейзаж, как жанр в живописи, занимает отдельную нишу. Основателем художественной культуры раннего Ренессанса выступает Мозаччо, в основе концепции которого лежит интеллектуальность. Его картины обладают высоким реализмом. Великие мастера исследовали линейную и воздушную перспективу, анатомию и использовали знания в своих творениях, на которых можно увидеть правильное трехмерное пространство. Представителями раннего Возрождения являются Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо.

Высокое Возрождение, или "Золотой век"

С конца XV века начался этап высокого Возрождения (cinquecento) и продлился относительно недолго, до начала XVI века. Его центром стали Венеция и Рим. Деятели искусства расширяют свой идейный кругозор и интересуются космосом. Человек предстаёт в образе героя, совершенного как духовно, так и физически. Деятелями этой эпохи считаются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан Вечеллио, Микеланджело Буонарротти и другие. Великий художник Леонардо да Винчи был "универсальным человеком" и находился в постоянном поиске истины. Занимаясь скульптурой, драматургией, различными научными опытами, он умудрялся находить время для живописи. Творение "Мадонна в скалах" наглядно отображает созданный живописцем стиль светотени, где соединение света и тени создаёт эффект объёмности, а знаменитая "Джоконда" выполнена с использованием техники "смуффато", создающая иллюзию дымки.

Позднее Возрождение

В период позднего Возрождения, который приходится на начало XVI века, произошёл захват и разграбление города Рима германскими войсками. Это событие положило начало эпохе угасания. Римский культурный центр перестал быть покровителем у самых знаменитых деятелей, и они были вынуждены разъехаться в другие города Европы. В результате нарастания несоответствий взглядов между христианской верой и гуманизмом в конце XV века маньеризм становится преобладающим стилем, характеризующим живопись. Эпоха Возрождения постепенно подходит к концу, поскольку основой данного стиля считается красивая манера, которая затмевает представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Творчество становится сложным и приобретает черты противоборства различных направлений. Гениальные работы принадлежат таким известным художникам, как Паоло Веронезе, Тиноретто, Якопо Понтормо (Карруччи).

Италия стала культурным центром живописи и одарила мир гениальными художниками этого периода, картины которых и по сей день вызывают эмоциональный восторг.

Помимо Италии, развитие искусства и живописи имело важное место и в других странах Европы. Это течение получило название Особенно стоит отметить живопись Франции эпохи Возрождения, которая выросла на собственной почве. Окончание Столетней войны вызвало рост всеобщего самосознания и развитие гуманизма. Во присутствует реализм, связь с научными знаниями, тяготение к образам античности. Все перечисленные черты сближают его с итальянским, но присутствие трагичной нотки в полотнах является значимым отличием. Известные художники эпохи Возрождения во Франции - Ангерран Шаронтон, Никола Фромана, Жан Фуке, Жан Клуэ Старший.

Возрождение в Европе.

Периодизация и характерные черты Возрождения.

Возрождение(Ренессанс) - эпоха в истории европейской культуры 13-16 вв., ознаменовавшая собой наступление Нового времени.

Как эпоха европейской истории оно отмечено множеством знаменательных вех - в том числе укреплением экономических и общественных вольностей городов, духовным брожением, приведшим в итоге к Реформации и Контрреформации, Крестьянской войне в Германии, формированием абсолютистской монархии (наиболее масштабной во Франции), началом эпохи Великих географических открытий, изобретением европейского книгопечатания, открытием гелиоцентрической системы в космологии и т. д. Однако первым его признаком, как казалось современникам, явился «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость, именно в этом смысле впервыев 16 в. употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance и все его европейские аналоги) итальянский художник и искусствовед Джорджо Вазари.

Периодизация Возрождения определяется верховной ролью искусства в его культуре.

Этапы истории искусства Италии - родины Ренессанса - долгое время служили главной точкой отсчета. Специально выделяют:

1. Проторенессанс , («эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320) - (от прото... и Ренессанс), период истории итальянского искусства (13 - нач. 14 вв.), ознаменовавшийся ростом светских реалистических тенденций, обращением к античной традиции. Самый ранний этап в развитии искусства Возрождения. Ранее всего искусство Проторенессанса проявилось в скульптуре, а затем в живописи. В ней особо ощутимо светское начало, внимание к исторической тематике, портретному, бытовому и пейзажному жанрам. Творчество поэта Данте, зодчего Арнольфо ди Камбио, скульптора Никколо Пизано, живописцев Пьетро Каваллини и особенно Джотто во многом подготовило почву для искусства Возрождения. В рамках проторенессанса выделяют:

дученто (итал. ducento, букв. - двести, -итальянское название 13 века) характеризующееся ростом реалистических тенденций в рамках средневекового искусства, пробуждением интереса к реальному миру и античному наследию.

треченто (итал. trecento, букв. – триста - итальянское название 14 века) - период интенсивного развития гуманизма в итальянской культуре; искусство треченто наряду с нарастанием готических черт отмечено развитием реалистических исканий

2. Раннее Возрождение или кватроченто (итал. quattrocento, букв. – четыреста - итальянское наименование 15 в). стало временем экспериментальных поисков, когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее. Если в эпоху Проторенессанса художник работал, основываясь на интуиции, то время Раннего Возрождения выдвинуло на первый план точные научные знания. Искусство стало выполнять роль универсального познания окружающего мира. В 15 в. появился целый ряд научных трактатов об искусстве. Первым теоретиком в области живописи и архитектуры выступил Леон Баттиста Альберти. Им была разработана теория линейной перспективы, правдивого изображения глубины пространства в картине. В практическом использовании линейной перспективы большой интерес представляет творчество художника Паоло Уччелло.

3. Чинквеченто (итал. cinquecento, букв. - пятьсот - итальянское название 16 века) - период расцвета культуры Высокого и Позднего Возрождения и распространения маньеризма.

Высокое (Среднее) Возрождение - период истории итальянского искусства (кон. 15 - 1-я четверть 16 вв.) - классическая фаза художественной культуры Возрождения. В архитектуре, живописи и скульптуре Высокого Возрождения (Браманте, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан) ренессансные реализм и гуманизм, героические идеалы получили обобщенное, полное титанической силы выражение; искусству Высокого Возрождения присущи монументальное величие, сочетание возвышенной идеальности, гармонии с глубиной и жизненной яркостью образов.

Позднее Возрождение (до конца 16 века), продолжение традиций Высокого Возрождения особой фазой которого стал маньеризм.

Основные черты культуры Возрождения:

Антропоцентризм-воззрение, согласно которому человек есть центр Вселенной и конечная цель всего мироздания, т.е. существующий мир создан для человека.

Гуманизм- признание ценности человека как личности.

Реформация средневековой христианской традиции.

Возрождение античных памятников искусства и античной философии

Формирование нового отношения к миру.

Задача воспитания «нового человека» осознается как главная задача эпохи. Греческое слово («воспитание») является самым четким аналогом латинского humanitas (откуда берет свое происхождение «гуманизм»).

Humanitas в ренессансном представлении подразумевает не только овладение античной премудростью, чему придавалось огромное значение, но также самопознание и самосовершенствование. Гуманитарно-научное и человеческое, ученость и житейский опыт должны быть объединены в состоянии идеальной virtu (по-итальянски одновременно и «добродетель», и «доблесть» - благодаря чему слово несет в себе средневеково-рыцарский оттенок). Натуроподобно отражая эти идеалы, искусство Возрождения придает воспитательным чаяниям эпохи убедительно-чувственную наглядность. Древность (то есть античное наследие), Средние века (с их религиозностью, равно как и светским кодексом чести) и Новое время (поставившее человеческий ум, его творческую энергию в центре своих интересов) находятся здесь в состоянии чуткого и непрерывного диалога.

Закономерно, что время, придавшее центральное значение «богоравному» человеческому творчеству, выдвинуло в искусстве личностей, которые - при всем обилии тогдашних талантов - стали олицетворением целых эпох национальной культуры (личностей-«титанов», как их романтически именовали позднее). Олицетворением Проторенессанса стал Джотто, противоположные аспекты кватроченто - конструктивную строгость и задушевный лиризм - соответственно выразили Мазаччо и Анджелико с Боттичелли. «Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело - это художники - символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры - ранний, средний и поздний - монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио.

Итальянское Возрождение

Раннее Возрождение в Италии.

14-15в. для Италии - время бурного экономического развития. Итальянские города имели достаточно развитую промышленность в форме мануфактур, являлись крупными торговыми центрами, связывающими Италию со странами Европы и Востоком. В городах находились банки, которые вели операции международного значения. С появлением нового отношения к торговле и возникновением банкирских домов оживляются и расцветают города: Пиза, Милан, Генуя, Венеция, Неаполь, Флоренция.

Промышленная, торговая и ростовщическая буржуазия итальянских городов нуждалась для своей хозяйственной деятельности в развитии точных наук, естествознания, математики. Вместе с тем, наживая огромные состояния, она стремилась создать для себя комфортабельные условия жизни и украсить свои дворцы произведениями искусства. Буржуазия и правители (короли, папы, республиканские сеньории) нуждались в образованных чиновниках, нотариусах, врачах, учителях – и вообще в людях умственного труда, которые могли бы вести торговые и кредитные дела внутри страны и за границей.

Так, вместе с формирующейся буржуазией в итальянских городах появилась интеллигенция: литераторы, философы, историки, поэты музыканты, архитекторы, художники, инженеры, врачи и т.д., оказавшие решающее влияние на формирование новой идеологии.

Одной из важнейших черт новой идеологии был индивидуализм. Нарождающаяся буржуазия, сильная и богатая, утверждала теперь, что не знатность и родовитость, а личные качества отдельного Человека: его ум, ловкость, смелость, предприимчивость и энергия обеспечивают успех в жизни. Мировоззрение деятелей новой культуры, которое выражалось в их философских, политических, научных и литературных взглядах, обычно обозначают термином «гуманизм». Т.к. человека рассматривали теперь как кузнеца своего счастья, творца всех ценностей, идущего вперед наперекор судьбе и добивающегося успеха силой своего разума, твердостью духа, активностью, оптимизмом. Человек должен наслаждаться природой, любовью, искусством, наукой. Представителям новой идеологии была чужда идея греховности человека, в частности его тела; наоборот, становится признанной гармония человеческой души и тела.

В итальянском обществе пробудился глубокий интерес к античной цивилизации и культуре, где даже боги наделялись человеческим обликом и человеческим характером. Отсюда попытка воскресить ушедшую культуру и возвести ее на пьедестал.

Деятели культуры старались в своих трудах подражать стилю латинских писателей «золотого века» римской литературы, особенно Цицерону. Появился интерес к греческой литературе и греческому языку. Духовным центром итальянского Возрождения становятся Флоренция и Венеция.

Раннее Возрождение неразрывно связано с именами Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо.

Родоначальником гуманизма в Италии принято считать Франческо Петрарку (1304-1374). Он был собирателем древних рукописей и памятников, историком, пропагандистом древнеримской культуры (он попытался написать историю Рима в биографиях («О знаменитых мужах» содержит 21 биографию великих римлян от Ромула до Цезаря)). Все произведения Петрарки можно разделить на две неравные части: итальянскую поэзию («Канцоньере») и разнообразные сочинения, написанные по-латыни. «Канцоньере» («Книга песен») включает в себя сонеты, канцоны, баллады, мадригалы посвященные любви Петрарки к Лауре при ее жизни и после ее смерти; несколько стихотворений политического и религиозного содержания; и аллегорическую картину любви поэта - Триумфы, в которых изображается победа любви над человеком, целомудрия над любовью, смерти над целомудрием, славы над смертью, времени над славой и вечности над временем. «Канцоньере», выдержавшее уже до начала XVII в. ок. 200 изданий и комментированное целой массой ученых и поэтов определяет значение Петрарки в истории итальянской и всеобщей литературы. Он создал истинно художественную форму для итальянской лирики: поэзия впервые является у него внутренней историей индивидуального чувства. Этот интерес к внутренней жизни человека проходит красной нитью и через латинские произведения Петрарки, которые определяют его значение, как гуманиста.

Современник Петрарки Джаванни Боккаччо (1313-1375) стал знаменит благодаря написанному на итальянском языке «Декамерону» - сборнику новелл на темы флорентийской городской жизни, в котором подчеркивается право человека на счастье, на чувственные радости, на любовь, которая не знает социальных перегородок. Сборник содержит народный юмор и вольнодумство, критику невежества и лицемерия католического духовенства. Боккаччо «Декамерон» стал образцом совершенства языка и стиля для итальянских авторов, классикой мировой литературы. «Декамерон» представляет собой сто историй, рассказанных от имени благородных флорентийских дам и молодых людей; повествование проистекает на фоне эпидемии чумы («черной смерти»), от которой скрывается благородное общество в загородном имении, и исполнено тонкого психологизма и неожиданных коллизий.

Вместе с Данте Петрарка и Боккаччо являются создателями литературного итальянского языка. Их произведения в 15в. были переведены на многие языки Европы и заняли почетное место в мировой литературе.

Искусство раннего Возрождения было представлено новой живописью, скульптурой и архитектурой.

Выдающимся мастером раннего Возрождения, продолжившим реалистическую традицию Джотто, был флорентийский художник Мазаччо (наст. имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи) (1401- 1428). Он писал на церковно-религиозные сюжеты (в основном это росписи стен внутри храмов), но придавал им реалистические черты с помощью светотени, пластической телесности, трехмерности, композиционной увязки с пейзажем, действие религиозных сюжетов переносил на улицы Флоренции. Впервые в настенной живописи (фреска «Троица» в церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции) создает центрально-перспективное построение, придающее композиции величественность и в то же время соразмерность человеческим масштабам. Его творчество стало образцом для творчества последующих поколений художников.

Художник Сандро Боттичелли был близок ко двору Медичи и гуманистическим кругам Флоренции. Писал произведения на религиозные и мифологические темы («Весна», «Рождение Венеры», около 1483-1484) хотя его изображения и плоскостные, но отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом, и настроение грусти. Но грусть Венеры и снисходительная улыбка Весны обращены к зрителям, к его миру, а не к райской прозрачности как на иконах.

Крупнейший скульптор раннего Возрождения – флорентинец Донателло - осмысливая опыт античного искусства, впервые создал классические формы и виды ренессансной скульптуры: новый тип круглой статуи и скульптурной группы («Св. Георгий», «Давид», «Юдифь и Олоферн»), монументального конного памятника (статуя кондотьера Гаттамелаты в Падуе – первый конный монумент Возрождения), живописного рельефа (алтарь церкви Сант-Антонио в Падуе), скульптурного портрета, величественного надгробия (гробница антипапы Иоанна XXIII во флорентийском баптистерии - классический образец для всех позднейших гробниц эпохи Возрождения). Его скульптура «Давид» - первая совершенно обнаженная фигура, созданная в эпоху Возрождения. Формы скульптур у Донателло приобретают пластическую ясность, объемы становятся цельными, типовое выражение лиц сменяется портретностью, складки одеяний естественно облекают тело и вторят его изгибам и движению. Он своим скульптурам стремился придать черты реальных людей: Христос у него выглядит как крестьянин, в качестве евангелистов и пророков изображены флорентийские граждане. В создании скульптур Донателло ставит своей задачей воспроизвести новый идеал эпохи - индивидуальную героическую личность.

Больших успехов в эпоху раннего Возрождения достигает архитектура. Если начало эпохи Возрождения ознаменовалось возведением символа городской общины – собора, то к концу 15в. центром города становится дворец правителя. Площадь из места народного собрания превратилась в парадный двор.

Формируется тип светского дворца (палаццо): четырехугольный в плане, замкнутый вокруг внутреннего дворика, который затем становится с одной стороны открытым или отделяется только портиком. Память о средневековой крепостной архитектуре сохранилась в применении кладки из грубых каменных блоков, которая потом стала распространенным декоративным элементом («руст») в основном при кладке цокольных нижних этажей.

На смену свободной застройке приходит плановая. Новая архитектура эпохи Возрождения – громадные здания, высокие купола, грандиозная колоннада, требовали строгих математических расчетов. Благодаря усовершенствованию строительной техники строительство больших зданий, соборов и дворцов стало производиться в более короткие, чем в средние века, сроки, иногда за несколько лет.

Крупными архитекторами, создавшими стиль архитектуры Возрождения были Филлиппо Брунуллески и Леон Баттиста Альберти.

Главными центрами нового искусства Северной Италии становятся три города: Падуя, Феррара, Венеция.

Падуя был одним из старейших университетских городов Европы. Падуанский университет, основанный в 1222 г., привлекал много слушателей из разных стран. Здесь усиленно изучали наследие античности. При университете был создан кружок гуманистов, знатоков и любителей древности. Здесь собирали рукописи античных авторов, коллекционировали произведения искусства. В Падуе бывали Данте и Петрарка. Сюда приезжали работать Джотто, Донателло оказавшие сильное влияние на местных художников.

В Ферраре центром гуманистической культуры стал двор местных правителей - герцогов д"Эсте.

Венеция – республика купцов, торгующих со всем миром и сосредоточивших в своих руках большую часть товарооборота между Востоком и Западом. Венецианцы заимствуют все прекрасное у мусульманского Востока, дряхлеющей Византии, «варварской» Германии, и стараются превратить свой город в самый блестящий и великолепный в мире. А финансовое благополучие позволяет им не скупится в реализации своих замыслов.

Высокое Возрождение.

На рубеже 15 – 16 в. итальянское Возрождение вступило в новую фазу развития. На конец 15 – первое десятилетие 16 в. приходится высший взлёт искусства. Этот этап получил название Высокое Возрождение.

В первом десятилетии 16 в. центр художественной жизни Италии перемещается в Рим. Ещё в конце 15 в. Папская область стала играть важную роль среди крупнейших итальянских государств. Менее развитая в экономическом отношении, чем Флоренция или Венеция, она обладала высоким международным значением (как центр католицизма). Мечтая объединить всю Италию под властью Рима, папы пытались превратить его в ведущий политический и культурный центр. Этому способствовала меценатская политика пап, привлекавшая в Рим лучших художников. И историческое прошлое «вечного города» как нельзя лучше соответствовало его новой роли. Не умиравшее на протяжении всего Средневековья воспоминание о величие Римской империи приобрели теперь особое значение. В связи с этим в начале 16 в. оживился интерес к древней истории и культуре. Именно в Риме, с его многочисленными памятниками, всегда привлекавшими художников, классическое наследие было воспринято полно и глубоко.

Искусство Высокого Возрождения впитало в себя идеи гуманизма, оно проникнуто верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное устройство мира. Вместе с тем на смену распространённой в искусстве кватроченто наивной повествовательности и бытовизму приходит проблема гражданского долга и героического подвига. Лейтмотивом культуры становится образ прекрасного, гармонически развитого, сильного телом и духом человека, возвышающегося под уровнем повседневной обыденности.

В начале 16 в. достигает гармонического единства новый вид синтеза искусств, который в отличие от средневекового (когда все виды искусства подчинены архитектуре), предполагает равноправие живописи и скульптуры по отношению к архитектуре. Освобождение живописи и скульптуры от строгого подчинения зодчеству приводит к обособлению и развитию новых жанров искусства: портрета, пейзажа и исторической живописи.

Формирование искусства Высокого Возрождения началось в конце 15 в. – колыбель его была Флоренция, откуда вышли такие крупнейшие мастера как Леонардо да Винчи и Микеланджело. Традиции флорентийской школы и раннего кватроченто были основой искусства 16 в.

В начале 16 в ведущее положение в развитии архитектуры, живописи и скульптуры переходит к Риму. Получает развитие архитектура садов, парков и загородных резиденций знати. Возникают утопические проекты городов. Отличительными качествами архитектуры Высокого Возрождения становятся: монументальность, навеянное древним Римом импозантное величие и грандиозность замыслов. Наиболее ярко это проявилось в перестройке Ватикана и строительстве собора Св. Петра, архитектором которых был Донато д’Анджело Браманте (1444-1514), определивший своим творчеством пути развития архитектуры 16 в. Построенная Браманте небольшая часовня Темппьетто – одно из лучших произведений архитектуры зрелого Ренессанса, оно отличается цельностью композиции, изысканностью пропорций, прорисовкой деталей. Главный собор Рима (собор св. Петра) Браманте планировал сделать тоже по центрическому плану, при этом он руководствовался не практическими соображениями (удобство при богослужении), а излюбленной в этот период концепцией центрической композиции, стремящейся к уравновешенности, стабильности и законченности. Но строительство собора началось в 1506 году, поэтому Браманте не успел достроить собор и к строительству последовательно привлекались: Рафаэль, Перуцци, Антонио да Сангало Младший, Микеланджело.

Многие деятели культуры представляли собой воплощение «хомо универсале» - человека универсального, одаренного во всех сферах творческой и научной деятельности, создающего шедевры живописи, скульптуры, архитектуры, пишущего трактаты на различные научные темы.

Леонардо да Винчи (1452-1519)- величайший живописец, скульптор, архитектор, ученый и ин­женер. Леонардо оставил мало живописных произведений, так как научные интересы поглощали много времени и силы.

Уже в первых его картинах присутствуют основные черты искусства Леонардо: интерес к психологическим решениям, лаконичность, акцент на пространственном расположении и объёмность форм.

Сочетая разработку но­вых средств художественного языка с теоретичес­кими общениями, Леонардо создал гармонический образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам; тем самым он подытожил опыт кватро­ченто и заложил основы искусства Высокого Воз­рождения.

На службе у правителя Милана Лодовико Моро Лео­нардо да Винчи выступает в роли военного инже­нера, гидротехника, организатора придворных фе­ерий. На этот же период приходится и творческий рас­цвет Леонардо-живописца. В «Мадонне в скалах» излюбленная мастером тончайшая светотень («сфумато») предстает новым ореолом, который идет на смену средневековым нимбам: это в равной мере и божественно-человеческое, и природное таинство, где скалистый грот, отражая геологические наблюдения Леонардо, играет не меньшую драматическую роль, чем фигуры святых на переднем плане. Кроме того, Леонардо вводит в итальянскую живопись новый мотив – изображение Девы Марии с детьми в пейзаже.

В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря». В «Тайной вечере» - в искусство вводится психологический конфликт и математический расчёт в построение композиции. Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали «Тайную вечерю» одним из самых значительных произведений в истории мирового искусства. Занимаясь также архитектурой, Леонардо разрабатывает различные варианты «идеального города» и центрально-купольного храма.

В портрете Моны Лизы («Джоконда») образ бога­той горожанки предстает воплощением возвышен­ного идеала женственности, не теряя при этом ин­тимно-человеческого обаяния; важным элементом композиции становится космически обширный пейзаж, тающий в холодной дымке. «Джоконда» ложится в основу всего последующего итальянского портрета.

К поздним произведениям Леонардо да Винчи принадлежит «Святая Анна с Марией и младенцем Христом», завершающая поиски мастера в области свето-воздушной перспективы и гармони­ческой пирамидальной композиции. Последняя картина Леонардо, «Святой Иоанн Креститель» полна эротической двусмысленности: юный Предтеча выглядит тут не как святой аскет, но как полный чувственной прелести искуситель.

Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи являются его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов). Эти записи си­стематизировал после смерти художника его уче­ник Ф. Мельци в «Трактате о живописи». Эта ра­бота оказала огромное влияние на европейскую ху­дожественную практику и теоретическую мысль.

Неутомимый ученый-экспериментатор и гениальный художник, Леонардо да Винчи остался в традиции личностью-символом эпохи.

Рафаэль Санти (1483-1520)- художник синтеза и гармонии. Его искусство отличается чертами равновесия разума и чувств, реальности и идеалов, безупречной ясности композиции и форм; он является классическим воплощением Высокого Возрождения. Уже в ранних картинах («Мадонна Конестабиле», «Сон рыцаря», «Три грации», «Обручении Марии») сказался присущий Рафаэлю гармоничный склад дарования, его умение находить безупречное согласие форм, ритмов, красок, движений, жестов.

Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (парадных покоев) Ватикана, достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов. В величественных многофигурных композициях на стенах (объединяющие от 40 до 60 персонажей) «Диспута» («Спор о причастии»), «Афинская школа», «Парнас», не повторяя ни одной фигуры и позы, ни одного движения, Рафаэль сплетает их воедино гибким, свободным, естественным ритмом, перетекающим от фигуры к фигуре, от одной группы к другой. В «Чудесном изведении апостола Петра из темницы» Рафаэль с необычной для художника Средней Италии живописной тонкостью передает сложные эффекты ночного освещения – ослепительного сияния, окружающего ангела, холодного света луны, красноватого пламени факелов и их отсветы на латах стражников.

К числу лучших работ Рафаэля-монументалиста относятся также росписи сводов капеллы Киджи в Риме и полная языческой жизнерадостности фреска «Триумф Галатеи» (вилла Фарнезина, Рим).

Одной из главных тем живописи Рафаэля была Мадонна с младенцем. В работах «Мадонна со щегленком», «Мадонна в зелени», «Прекрасная садовница» он использует в них один и тот же мотив - изображает на фоне идиллического пейзажа юную мать и играющих у ее ног маленьких детей - Христа и Иоанна Крестителя, он объединяет фигуры устойчивым, гармонически уравновешенным ритмом композиционный пирамиды, излюбленной мастерами Возрождения. Новая, полифонически сложная трактовка образа Мадонны нашла наиболее полное выражение в одном из самых совершенных творений Рафаэля - алтаре «Сикстинская Мадонна».

Рафаэль оставил заметный след и в итальянской архитектуре. Он участвовал в строительстве собора св. Петра в Риме. Среди его построек - маленькая церковь Сан"Элиджо дельи Орефичи с ее строгим интерьером, капелла Киджи в церкви Санта Мария дель Пополо интерьер которой являет пример редкого даже для эпохи Возрождения единства архитектурного решения и декора, разработанного Рафаэлем, - росписей, мозаики, скульптуры.

Микеланджело Буонаротти (1475-1564) - скульптор, живописец, архитектор, поэт. Микеланджело намного пережил своих прославленных современников (Леонардо да Винчи и Рафаэля) и был свидетелем унижения Италии и крушения всех идеалов и надежд. Поэтому с наибольшей силой выразил глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения.