Известные японские художники. Хокусай - мир японии

Клуб досуга «Пик» (The Peak Leisure Club), Гонконг. Конкурсный проект, первая премия (1982-1983)

Архитектура обладает очень важным свойством - считываемостью. Она всегда олицетворяет время, развитие общества, наши стремления и мечты. Она создается людьми и для людей, и именно архитектура позволяет ощутить множество культурных особенностей различных стран, народов, витиеватость истории. Любое событие накладывает свой отпечаток на архитектуру. Но иногда она уходит далеко вперед, отражая футуристические мечтания, опережающие свое время. Эта архитектура ждет своего часа на бумаге множество десятилетий, прежде чем обрести форму и переродиться из идеи в здание. Так и произошло с идеями самой влиятельной женщины в мире архитектуры - Захи Хадид. Ее идеи домов будущего распространились по всему миру, вдохновляя и поражая фантазии миллионов людей.

«Бумажный» архитектор

Архитектурное бюро OMA Рема Колхаса. Обложка первого издания художественного журнала Viz (1978)

В 1980 году Заха создаст свое архитектурное бюро , но ее карьера не сразу стремительно пойдет вверх. Ее проекты выигрывают конкурсы по всему миру, но сталкиваются с множеством проблем, начиная от невозможности реализации идей технологически и заканчивая политическими или экономическими сложностями. Хадид не улыбается удача. За несколько десятилетий и до мирового признания ей удастся реализовать лишь несколько проектов.

Проект оперного театра залива Кардифф (Cardiff Bay Opera House, 1994) трижды выигрывал конкурс на строительство, но в итоге был отклонен из-за конфликта с заказчиком, который скептически воспринимал дизайн Хадид

Начало успеха

Пожарная часть компании - производителя дизайнерской мебели Vitra. Вайль-на-Рейне, Германия (1994)

Следующий реализованный проект - жилой комплекс Spittelau Viaducts в Вене (1994-2005). Весь дом буквально напичкан интересными решениями: сквозь него идет эстакада с пешеходной дорожкой, а под ним по всей длине здания расположена линия метрополитена, выходящая на поверхность земли прямо из-под здания.

Жилой комплекс Spittelau Viaducts. Вена, Австрия (1994-2005)

Другой проект стал символом современности и благополучия Арабских Эмиратов - мост Шейха Зайда, первого президента ОАЭ, который правил страной 38 лет - с 1971 года. Дизайн моста Хадид создала под вдохновением от песчаных дюн Арабских Эмиратов.

Мост Шейха Зайда. Абу-Даби, ОАЭ (1997-2010)

Длина моста - 842 метра, высота - 60 метров, пропускная способность - 60 тысяч автомобилей в час. Мост очень прочный и способен выдержать порывы ветра со скоростью 160 километров в час.
На стыке тысячелетий Заха Хадид начинает получать все больше заказов. Тогда были реализованы проект автостоянки и вокзала в Страсбурге и трамплин «Бергизель» в австрийском Инсбруке, входящем в олимпийскую арену. На строительство трамплина ушло 15 месяцев и порядка 15 миллионов евро. За эту работу Заха Хадид получила австрийскую государственную архитектурную премию.

Вокзал Hoenheim-North и паркинг. Страсбург, Франция (1998-2001)

Лыжный трамплин Bergisel. Инсбрук, Австрия (1999-2002)

Первая женщина-архитектор в истории

Центр современного искусства Розенталя в Цинциннати. Огайо, США (1997-2003)

Стеклянный фасад первого этажа здания заманивает заглянуть внутрь, а бетонный пол холла стирает границу между тротуаром и закрытым помещением. «Урбанистический ковер» - так Хадид назовет концепт здания, который вовлекает каждого посетителя в игру лестниц, ярусов и пандусов. В этом помещении ощущение пространства совсем иное, из-за его необычности очень сложно понять, где пол, потолок и стены.

Витиеватые лестницы Центра современных искусств Розенталя

Именно этот «урбанистический ковер» стал для Хадид пропуском на «красную ковровую дорожку» современной архитектуры, превратив ее в самого востребованного архитектора мира. В 2004 году она стала первой женщиной, получившей Притцкеровскую архитектурную премию. После этого ее архитектурное бюро Zaha Hadid Architects было обеспечено заказами на несколько лет вперед. Уже через десять лет на Хадид будет работать штат из 500 архитекторов, который сможет реализовать более тысячи проектов в 44 странах мира.

От деконструктивизма к параметризму

«Взгляд на Мадрид». Рисунок Захи Хадид (1992)

Если все ее работы до 2000-х относились к деконструктивизму, то позже ее здания получили плавные гибкие формы, дизайн которых просчитывается на компьютере, словно сложное уравнение, связывающее все части здания. За эту часть работы отвечал соавтор Хадид и директор ее бюро Патрик Шумахер, главный теоретик параметрической архитектуры. Именно внедрение технологий поспособствовало воплощению в жизнь множества проектов, которые не могли быть реализованы до этого и пылились на полках. Так появилась цифровая архитектура, тесно связанная с программированием, где формообразование зависит от математических алгоритмов и формул, автоматически преобразует объем, делая его технически и экономически выполнимым.

Эскиз Центра Гейдара Алиева в Баку

Теперь архитектура Хадид становится сложным математическим уравнением, создающим идеальные формы и изгибы. Функциональность ее творений ставится под сомнение, но сами здания и его элементы живут своей жизнью, создавая уникальное и самобытное пространство. Практическая сторона отходит на второй план, в то время как дизайн и сама архитектура выступает во главе всего, на правах неприкосновенной идеи.

Такой подход к работе позволяет создать «идеальное» здание, без изъянов, недочетов. Но только внешне. Спустя пару лет это направление становится настолько популярным, что скопировать и растиражировать его не представляет никакого труда. Постепенно такая архитектура превратилась в слишком предсказуемую и обыденную.

Путь наверх - «антигравитационная» архитектура

Центр водных видов спорта в Лондоне

Проект, построенный специально для Олимпийских игр, стал одним из самых популярных творений Хадид. Но главное очарование этого сооружения совсем не в дизайне, а в его возможностях. Во время Олимпиады-2012 оно было ареной, вмещающей 17 500 зрителей, с тремя бассейнами; после нее превратилось в компактное строение для легкоатлетических соревнований вместимостью до 2500 человек.

Олимпийский комплекс для водных видов спорта, Лондон, Великобритания (2005-2010)

Технологии зданий-трансформеров очень дорогостоящи, но в случае с олимпийскими объектами такие затраты вполне разумны. Строительство олимпийских объектов очень редко окупается, а срок эксплуатации очень часто не превышает продолжительность соревнований. Но этот центр стал исключением из правил и будет использоваться еще очень много лет.

Схема трансформации центра после Олимпийских игр - 2012 в Лондоне

Культурный центр Гейдара Алиева в Баку

Культурный центр Гейдара Алиева. Баку, Азербайджан (2007-2012)

Строительство этого центра повысило привлекательность Баку для туристов со всего мира. Центр получил премию Design of the Year - 2014 в категории «Архитектура». При строительстве здания использовалось максимально возможное количество стекла, отчего уменьшилась необходимость в искусственном освещении.

Проект культурного центра Гейдара Алиева

Фасады, сечения и форма кровли-обертки

В залитых солнцем пространствах культурного центра располагается музей Гейдара Алиева, выставочные залы, аудиториум, административные офисы, ресторан и кафе.

Вместо заключения. Критика архитектуры Хадид

Многофункциональный комплекс Galaxy SOHO. Пекин, Китай (2008-2012)

Проект торгово-развлекательного комплекса Galaxy SOHO в Пекине получил награду Королевского института британских архитекторов, но вызвал возмущение местных жителей: исторический центр из-за постройки был практически разрушен.

Другой проект Хадид для Олимпийских игр 2020 года в Токио некоторые называют «велосипедный шлем, который плюхнулся на японскую столицу с небес».

Проект Национального стадиона к Олимпиаде 2020 года. Токио, Япония

Стадион «Аль-Вакра» для чемпионата мира по футболу - 2022. Катар (2013 - не достроен)

Точкой кипения для Хадид становится гибель рабочего на строительстве стадиона в Катаре. Архитектора обвинили в том, что она ответственна за этот случай и должна понести наказание. На что Хадид и Шумахер заявили, что архитектор должен хорошо выполнять свою работу и не думать о социальной справедливости. Их необычные пространства меняют коммуникацию между людьми, и именно здания помогут обществу в будущем стать прогрессивнее и гуманнее. А за само строительство (и в том числе за технику безопасности) отвечают компании, которые выполняют заказ.

В конце 2015 года Заха Хадид попала в список 100 самых влиятельных людей в художественном мире по версии ресурса

Заха Мохаммад Хадид – архитектор иракского происхождения, жившая и работавшая в Великобритании. Первая в мире женщина Лауреат Притцкеровской премии.

Заха родилась 31 октября 1950 года в столице Ирака в семье Мухаммада аль-Хадж Хусейна Хадида, организатора партии национал-демократов. Мать девочки Ваджиха аль-Сабунджи была родом из Мосула, занималась живописью. Родители вели буржуазный образ жизни.

Заха с детства проявляла интерес к изобразительному искусству и архитектуре. Девочка постоянно фантазировала и создавала из бумаги проекты зданий. К 22 годам Заха Хадид окончила в Бейруте факультет математики Американского университета и уехала в Лондон, где стала студенткой Архитектурной школы Ассоциации Архитекторов. Девушка поступила на курс к мастерам Рему Колхасу и Элиа Зенгелису. Учась в Великобритании, Заха подробно знакомится с творчеством Казимира Малевича и русских зодчих начала XX столетия.

Архитектура

Авангард становится для Хадид любимым направлением в искусстве, студентка начинает претворять идеи направления в своем творчестве. Рем Колхас – голландский архитектор и теоретик деконструктивизма, высоко ценил талант Захи и считал девушку лучшим учеником, который когда-либо обучался у него. Первой известной работой Захи стал проект обитаемого моста над Темзой, который она разработала в 1976 году.

В 1977 году, после окончания учебного заведения Заха Хадид становится сотрудницей бюро ОМА Колхаса, откуда уходит через два года. В 1979 году появляется самостоятельный проект Захи Хадид Zaha Hadid Architects. Вместе с выполнением заказов Заха начинает преподавательскую деятельность в Архитектурной Ассоциации, где она проработала до 1987 года. Хадид не берется за разработку стандартных построек, ее интересуют крупные знаковые объекты. Поэтому Заха в основном создает проекты на бумаге и участвует в конкурсах.

Первой победой архитектора в международном конкурсе стал проект клуба «Пик» который Заха создавала для клиента из Гонконга, но постройка не была осуществлена из-за банкротства заказчика. В 1994 году в результате очередной победы Захи Хадид в Великобритании на лучший проект оперного театра в Кардиффе разразился скандал: общественность подвергла сильному прессингу застройщика, вынудив отказаться от авангардного проекта молодой арабки.

Еще одной яркой работой этого года считается разработка перевернутого небоскреба для английского города Лестера, который также не был реализован. Первой работой, воплощенной в жизнь, стал проект пожарной часть компании Vitra в Вайле-на Рейне. Произошло знаменательное событие в 1993 году. Но по-прежнему многие проекты Хадид оставались на бумаге, что не останавливало Заху. Архитектор настолько была увлечена любимым делом, что часто спала по 4 часа в сутки.

В 1997 году после строительства музейного комплекса Гуггенхейма в Бильбао начинается интерес к идеям Захи Хадид. В 1998-1999 годах архитектор возводит два Центра искусств в США, штате Огайо, и в Риме. Здания, выстроенные по проектам иракского архитектора становятся достопримечательностями местности. Окончательно имя Захи Хадид стало известно международному сообществу после участия в разработке проекта Центра современного искусства Розенталя в Цинциннати США, строительство которого было завершено в 2003 году.

Помимо работы с крупными формами Заха Хадид экспериментирует с объектами интерьера, театральными декорациями, выставочным пространством музеев. Дизайнер создает модель туфель для Lacoste и бразильской компании Melissa. Хадид преуспевает в проектировании мебельных коллекций. Экспериментальные работы дизайнера реализуются под брендом Sawaya & Moroni.

В 2005 году достижения Захи в дизайне отмечают первой премией на всемирной выставке Design Miami. Коллекции малых форм попадают в Музей современного искусства на Манхеттене, Немецкий музей архитектуры во Франкфурте-на-Майне. Заха Хадид читает лекции по архитектуре и искусству по всему миру.

Работа в России

31 мая 2004 года состоялось знаменательное событие в жизни Захи Хадид – архитектору присудили Прицкеровскую премию. Церемония награждения состоялась в Санкт-Петербурге, в театре Эрмитажа. С этого времени началось сотрудничество Хадид с Россией. Неоднократно она приезжала в Москву с мастер-классами, в 2005 году сотрудничала с группой проектировщиков жилого комплекса «Живописная Тауэр» в столице России.

В 2012 году Заха Хадид создает проект футуристического дома для предпринимателя Владислава Доронина, через три года – бизнес-центр «Пересвет-Плаза». В 2012 году после открытия центра в Баку, созданного по проекту Захи Хадид, архитектор получает премию Британского Музея дизайна, в номинации «Дизайн года».

Среди работ мастера интерес представляют постройки различного функционального назначения: Научный центр в Вольфсбурге, Музей искусств в Дании, отель «Пуэрто Америка» в Испании, станция фуникулера в Австрии, Центр водных видов спорта в Лондоне, проект театра в Марокко, стадион в Катаре, здание средней школы в Лондоне. Значимыми проектом 2000-х для Хахид стала постройка Музея MAXXI на окраине Рима.

В 2010 и 2011 годах Заха Хадид становится лауреатом премии Джеймса Стерлинга Королевского института британских архитекторов. Фото работ архитектора и дизайнера находятся в свободном доступе в интернете, с ними может ознакомиться каждый. Со временем здания, построенные по проектам Захи Хадид, становятся обтекаемыми, полностью теряя углы и прямые линии. Дизайнер отходит от деконтруктивизма, создав собственный стиль.

Личная жизнь

Личная жизнь так и не смогла вписаться в творческую биографию Захи Хадид. У архитектора не было семьи, Заха не оставила после себя наследников.

Собственными детьми Хадид считала проекты, над которыми постоянно работала. Дизайнер всю жизнь прожила в лондонской квартире, которая находилась недалеко от архитектурного офиса.

Смерть

В марте 2016 года Заха Хадид обратилась в клинику Майами по поводу проведения лечения бронхита. Но 31 марта архитектор скоропостижно скончалась.

Причиной смерти медики называли сердечной приступ. После смерти Хадид оставила только архитектурный бизнес.

Сейчас делом Захи Хадид занимается ее партнер по фирме Патрик Шумахер, который решил завершить 36 работ мастера, оставшиеся незаконченными. Среди новых заказов бренда – строительство Делового центра в столице Чехии и технопарк в Подмосковье.

Проекты

• Пожарная часть компании-производителя дизайнерской мебели «Витра», Вайль-на-Рейне, Германия - 1994
• Центр современного искусства Розенталя в Цинциннати, Огайо, США - 1998
• Вокзал Hoenheim-North и автостоянка, Страсбург, Франция - 2001
• Трамплин Bergisel, Инсбрук, Австрия - 2002
• Научный центр «Phæno», Вольфсбург, Германия - 2005
• Музей искусств Ордрупгаард: новое крыло, Копенгаген, Дания - 2005

• Отель «Пуэрта Америка», Мадрид, Испания - 2006
• Станция Фуникулера, Австрия - 2007
• Национальный музей искусств XXI века, Рим, Италия - 2010
• CMA CGM Tower, Марсель, Франция - 2011
• Центр водных видов спорта (Лондон), Англия - 2011
• Центр Гейдара Алиева, Баку, Азербайджан - 2012
• Бизнес-центр «Пересвет-Плаза», Москва, Россия - 2015

Который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.

Древняя Япония

Первые стили появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.

Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.

В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.

Эдо

Эдо - это далеко не первая и не последняя живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.

Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.

И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.

Период модернизации

Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.

Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.

Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.

Появление европейских стилей

Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.

На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.

Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.

Живопись времен ВОВ

После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.

Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.

Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.

Вечная суйбокуга

Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени - все то, что называется монохромностью.

Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:

1. Хризантема.
2. Орхидея.
3. Ветка сливы.
4. Бамбук.

Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.

Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.

Современный период

По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.

Традиционный стиль оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.

Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.

Заключение

Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.

Хокусай, японский художник 18-го века, создал головокружительное количество художественных работ. Хокусай работал до глубокой старости, неизменно утверждая, что «все, что он сделал до 70 лет, не было стоящим и не стоило внимания».

Возможно, самый известный японский художник в мире, он всегда выделялся из своих коллег - современников интересом к повседневной жизни. Вместо того, чтобы изображать гламурных гейш и героических самураев, Хокусай рисовал рабочих, рыбаков, городские жанровые сценки, которые тогда еще не были предметом интереса для японского искусства. Он также использовал европейский подход к композиции.

Вот краткий перечень ключевых терминов, которые помогут вам немного ориентироваться в творчестве Хокусая.

1 Укие-э - гравюры и картины, популярные в Японии 1600-х до 1800-х годов. Направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Этот термин происходит от слова "укие", что означает "изменчивый мир". Уикие - намек на гедонистические радости расцветающего купечества. В этом направлении Хокусай - самый известный художник.

Хокусай использовал не менее тридцати псевдонимов на протяжении своей жизни. Несмотря на то, что использование псевдонимов было обычной практикой у японских художников того времени, по числу псевдонимов он существенно превосходил других крупных авторов. Псевдонимы Хокусая нередко используются для периодизации этапов его творчества.

2 Период Эдо - это время между 1603 и 1868 годах в японской истории, тогда был отмечен экономический рост и новый интерес к искусству, культуре.

3 Shunrō является первым из псевдонимов Хокусая.

4 Шуньга буквально означает "картину весны" и "весна" - японский сленг для секса. Таким образом, это гравюры эротического характера. Их создавали самые уважаемые художники, в том числе Хокусай.

5 Суримоно. Последние «суримоно» — так назывались эти выполненные по заказу оттиски — имели колоссальный успех. В отличие укие-э гравюры, которыебыли рассчитаны на массового зрителя, суримоно редко продавались для широкой публики.

6 Гора Фудзи - симметричная гора, которая, оказывается, самая высокая в Японии. За эти годы она вдохновила многих художников и поэтов, в том числе Хокусая, выпустившего серию укие-э "Тридцать шесть видов горы Фудзи". Эта серия включает в себя самые знаменитые гравюры Хокусая.

7 Японизм - длительное влияние, которое оказал Хокусай на последующие поколения западных художников. Японизм - это стиль, вдохновленный яркими цветами гравюр укие-э, отсутствием перспективы и композиционными экспериментами.

Искусство и дизайн

2702

01.02.18 09:02

Сегодняшняя художественная сцена Японии очень разнообразна и провокационна: рассматривая работы мастеров из Страны Восходящего солнца, вы решите, что попали на другую планету! Тут живут новаторы, которые изменили «ландшафт» отрасли в глобальном масштабе. Представляем вам список 10 современных японских художников и их творения – от невероятных существ Такаси Мураками (который сегодня празднует день рождения) до пестрой вселенной Кусамы.

От футуристических миров до точечных созвездий: современные японские художники

Такаси Мураками: приверженец традиций и классик

Начнем с виновника торжества! Такаси Мураками – один из самых знаковых современных японских художников, работающий над картинами, крупномасштабными скульптурами и модной одеждой. На стиль Мураками влияют манга и аниме. Он основатель движения Superflat, поддерживающего японские художественные традиции и послевоенную культуру страны. Мураками продвигал многих своих коллег-современников, с некоторыми из них мы сегодня тоже познакомимся. «Субкультурные» произведения Такаси Мураками представлены на арт-рынках моды и искусства. Его провокационный My Lonesome Cowboy (1998-й год) был продан в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s в 2008-м за рекордные 15,2 миллиона долларов. Мураками сотрудничал со всемирно известными брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.

Тихо Асима и ее сюрреалистическая вселенная

Член художественной производственной компании Kaikai Kiki и движения Superflat (и та, и другое основаны Такаси Мураками) Тихо Асима известна своими фантастическими городскими пейзажами и странными поп-существами. Художница создает сюрреалистические мечты, населенные демонами, призраками, молодыми красавицами, изображаемыми на фоне диковинной природы. Ее произведения обычно крупномасштабны и печатаются на бумаге, коже, пластике. В 2006-м году эта современная японская художница участвовала в Art on the Underground в Лондоне. Она создала 17 последовательных арок для платформы – волшебный пейзаж постепенно превращался из дневного в ночной, из городского – в сельский. Это чудо расцвело на станции метро Gloucester Road.

Тихару Сима и бесконечные нити

Другая художница – Тихару Сиота – работает над широкомасштабными визуальными установками для конкретных достопримечательностей. Она родилась в Осаке, но сейчас живет в Германии – в Берлине. Центральные темы ее творчества – забвение и память, мечты и реальность, прошлое и настоящее, а еще – конфронтация тревоги. Самые знаменитые работы Тихару Сиоты – непроницаемые сети черной нити, охватывающие множество бытовых и личных предметов – таких как старые стулья, свадебное платье, сожженное фортепиано. Летом 2014-го года Сиота соединила пожертвованные ей туфли и ботинки (которых было более 300) нитками красной пряжи и подвесила их на крючки. Первая выставка Тихару в столице Германии прошла во время Берлинской художественной недели в 2016-м году и вызвала сенсацию.

Эй Аракава: везде, ни нигде

Эй Аракава вдохновлен состояниями перемен, периодами нестабильности, элементами риска, а его инсталляции нередко символизируют темы дружбы и коллективного труда. Кредо современного японского художника определяется перформативным неопределенным «везде, но нигде». Его творения всплывают в неожиданных местах. В 2013-м году работы Аракавы выставлялись на Венецианском биеннале и в экспозиции японского современного искусства в Музее искусств Мори (Токио). Инсталляция Hawaiian Presence (2014) была совместным проектом с нью-йоркской художницей Кариссой Родригес и участвовала в биеннале Whitney. В том же 2014-м году Аракава и его брат Тому, выступающие дуэтом под названием «United Brothers», предлагали посетителям Frieze London свое «произведение» «The This Soup Taste Ambivalent» с «радиоактивными» корнеплодами дайкона Фукусимы.

Коки Танака: взаимосвязь и повторения

В 2015-м Коки Танака был признан «Художником года». Танака исследует общий опыт творчества и воображения, поощряет обмен между участниками проектов и выступает за новые правила сотрудничества. Его установка в японском павильоне на Венецианском биеннале 2013-го года состояла из видео с объектами, превращающими помещение в платформу для художественного обмена. Инсталляции Коки Танака (не путайте с его полным тезкой-актером) иллюстрируют взаимосвязь между объектами и действиями, например, на видео присутствует запись простых жестов, выполняемых с обычными предметами (нож, нарезающий овощи, пиво, наливаемое в стакан, открытие зонта). Ничего существенного не происходит, но навязчивое повторение и внимание к мельчайшим деталям заставляют зрителя ценить мирское.

Марико Мори и обтекаемые формы

Еще одна современная японская художница, Марико Мори, «колдует» над мультимедийными объектами, сочетая видео, фотографии, предметы. Ей свойственны минималистское футуристическое видение и гладкие сюрреалистические формы. Повторяющейся темой творчества Мори является сопоставление западной легенды с западной культурой. В 2010-м году Марико основала Фонд Фау, образовательную культурную некоммерческую организацию, для которой она изготовила серию своих художественных инсталляций в честь шести обитаемых континентов. Совсем недавно постоянная установка Фонда «Кольцо: одна с природой» была водружена над живописным водопадом в Ресенде недалеко от Рио-де-Жанейро.

Риоджи Икеда: синтез звуков и видео

Риоджи Икеда – новый медиахудожник и композитор, чья работа, в основном, связана со звуком в разных «сырых» состояниях, от синусоидальных звуков до шумов с использованием частот на грани человеческого слуха. Его захватывающие инсталляции включают звуки, созданные компьютером, которые визуально преобразуются в видеопроекции или цифровые шаблоны. Аудиовизуальные арт-объекты Икеды используют масштаб, свет, тень, объем, электронные звуки и ритм. Известный тестовый объект художника состоит из пяти проекторов, которые освещают площадь 28 метров в длину и 8 метров в ширину. Установка преобразует данные (текст, звуки, фотографии и фильмы) в штрих-код и двоичные паттерны нулей и единиц.

Тацуо Миядзима и светодиодные счетчики

Современный японский скульптор и художник-монтажник Тацуо Миядзима использует в своем искусстве электрические схемы, видео, компьютеры и другие гаджеты. Основные концепции Миядзимы вдохновлены гуманистическими идеями и буддистскими учениями. Светодиодные счетчики в его установках непрерывно мигают в повторении от 1 до 9, символизируя путешествие от жизни к смерти, но избегая окончательности, которая представлена 0 (ноль никогда не появляется в работах Тацуо). Вездесущие цифры в сетках, башнях, схемах выражают интерес Миядзимы к идеям непрерывности, вечности, связи и потока времени и пространства. Не так давно объект Миядзимы «Стрела времени» был продемонстрирован на инаугурационной выставке «Незавершенные мысли, видимые в Нью-Йорке».

Нара Ёсимото и злые дети

Нара Ёсимото создает картины, скульптуры и рисунки, изображающие детей и собак – субъектов, в которых отражены ребячье чувство скуки и разочарования и яростная независимость, естественная для малышей. Эстетика работ Ёсимото напоминает традиционные книжные иллюстрации, это смесь беспокойной напряженности и любви художника к панк-року. В 2011-м году в Музее общества Азии в Нью-Йорке состоялась первая персональная выставка Ёсимото под названием «Yoshitomo Nara: Nobody"s Fool», охватывающая 20-летнюю карьеру современного японского художника. Экспонаты были тесно связаны с мировыми молодежными субкультурами, их отчужденностью и протестом.

Яёй Кусама и пространство, разрастающееся диковинными формами

Поразительная творческая биография Яёй Кусамы длится семь десятилетий. За это время удивительная японка успела изучить сферы живописи, графики, коллажа, скульптуры, кино, гравюры, экологического искусства, инсталляции, а также литературы, моды и дизайна одежды. Кусама разработала весьма своеобразный стиль точечного искусства, которых стал ее торговой маркой. Иллюзорные видения, представленные в работах 88-летней Кусамы (когда мир кажется покрытым разрастающимися диковинными формами), – это результат галлюцинаций, которые она испытывала с детства. Комнаты с красочными точками и «бесконечными» зеркалами, отражающими их скопления, узнаваемы, их не перепутаешь ни с чем иным.