Греческой скульптуры. Скульптурные и архитектурные особенности древней греции

Трудно переоценить место скульптуры в искусстве Античности. Однако два ее важнейших национальных проявления - скульптура Древней Греции и скульптура Древнего Рима - представляют собой два совершенно разных, во многом противоположных явления. В чем же они состоят?

Скульптура Греции поистине знаменита и на самом деле должна быть поставлена на первое место по сравнению с греческой архитектурой. Дело в том, что саму архитектуру греки воспринимали как скульптуру. Любое здание для грека - это прежде всего пластический объем, монумент, совершенный в своих формах, но предназначенный прежде всего для созерцания со вне. Но об архитектуре я напишу отдельно.

Имена греческих скульпторов хорошо известны и на слуху у каждого, учившегося в школе. Столь же знамениты и прославлены были греческие станковые живописцы, однако, как это иногда бывает в истории искусства, от их работ не сохранилось ровным счетом ничего, ну может быть, предположительные копии на стенах домов богатых римлян (какие можно увидеть в Помпеях). Впрочем, как мы увидим, не так хорошо обстоит дело и с оригиналами греческих статуй, так как большинство их известны опять-таки по римским, лишенным греческого совершенства репликам.

Однако, при столь внимательном отношении к именам творцов искусства греки оставались совершенно индифферентны к индивидуальности, к тому, что сейчас назвали бы личностью человека. Сделав человека центром своего искусства, греки видели в нем возвышенный идеал, проявление совершенства, гармоническое сочетание души и тела, но отнюдь не интересовались частными особенностями изображаемого лица. Греки не знали портрета в нашем понимании этого слова (за исключением может быть позднейшего, эллинистического периода). Воздвигая статуи человекообразных богов, героев, прославившихся граждан своего полиса, они создавали обобщенный, типичный образ, воплощающий в себе положительные качества души, героизм, добродетель и красоту.

Мировоззрение греков начало меняться лишь с окончанием эпохи классики в 4 веке до н.э. Конец прежнему миру положил Александр Македонский, своей беспрецедентной деятельностью родивший тот культурный феномен смешения греческого и ближневосточного, который был назван эллинизмом. Но только через 2 с лишним столетия на арену истории искусств вышел уже могущественный к тому времени Рим.

Как это ни странно, но добрую половину (если не большую часть) своей истории Рим почти никак не проявлял себя с художественной точки зрения. Так прошел почти весь республиканский период, оставшийся в памяти народа как время римской доблести и чистоты нравов. Но вот, наконец, в 1 веке до н.э. возник римский скульптурный портрет. Трудно сказать, насколько велика была в этом роль греков, трудившихся теперь для покоривших их римлян. Надо полагать, без них Рим вряд ли бы создал столь блистательное искусство. Однако, кем бы ни создавались римские произведения искусства, они были именно римскими.

Парадоксальным образом, хотя именно Рим создал может быть самое индивидуализированное искусство портрета в мире, не сохранилось никаких сведений о скульпторах, создававших это искусство. Таким образом, скульптура Рима и прежде всего скульптурный портрет - явление обратное классической скульптуре Греции.

Надо сразу заметить, что в его формировании важную роль сыграла еще одна, на этот раз местная, италийская традиция, а именно искусство этрусков. Что же, посмотрим на памятники и по ним охарактеризуем основные явления в античной скульптуре.

Уже в этой мраморной голове с Кикладских островов 3 тыс. до н. э. заложено то пластическое чувство, которое станет главным достоянием греческого искусства. Этому никак не вредит минимализм деталей, который конечно восполнялся росписью, так как вплоть до высокого ренессанса скульптура никогда не была бесцветной.

Известная (ну так можно сказать почти про любую статую греческого скульптора) группа, изображающая тироноубийц Гармодия и Аристогитона, изваянных Критием и Несиотом. Не отвлекаясь на формирование греческого искусства в эпоху архаики, мы обратились уже к произведению классики 5 в. до н.э. Представляя двух героев, борцов за демократические идеалы Афин, скульпторы изображают две условные фигуры, лишь в общих чертах подобные самим прототипам. Главная их задача соединить в единое целое два прекрасных, идеальных тела, захваченных одним героическим порывом. Телесное совершенство здесь подразумевает внутреннюю правоту и достоинство изображенных.

В одних своих работах греки стремились передать гармонию, заключенную в покое, в статике. Поликлет достигал ее как благодаря пропорционированию фигуры, так и за счет динамики, заключенной в постановке фигуры. Т. н. хиазм или иначе контрапост - противоположно направленное движение разных частей фигуры - одно из завоеваний этого времени, навсегда вошедшее в плоть европейского искусства. Оригиналы Поликлета утрачены. Вопреки сложившейся у современного зрителя привычке, греки часто работали, отливая статуи в бронзе, что позволяло избежать мешающих восприятию подставок, возникших в мраморных повторениях римского времени. (Справа бронзовая копия-реконструкция из ГМИИ им. Пушкина, насколько она лучше!)

Мирон прославился передачей очень сложных состояний, в которых покой вот вот должен смениться активным движением.Опять привожу два варианта его дискобола (оба поздние): мраморный и бронзовый.

"Рублев" Древней Греции, великий создатель скульптуры Афинского Акрополя Фидий напротив достигал красоты и уравновешенности даже в самых напряженных и подвижных композициях. Здесь мы имеем возможность видеть подлинники 5 в. до н.э., выполненные на этот раз из мрамора как связанные с плотью архитектуры Парфенона. Даже в разбитом виде, без рук, ног и голов, в виде жалких руин греческая классика поразительно совершенна. Такого не могло больше никакое искусство.

А что же портрет? Вот известное изображение великого Перикла. Но что мы можем узнать из него о этом человеке? Только то, что он был великим гражданином своего полиса, выдающимся деятелем и доблестным полководцем. И более ничего.

Иначе решен "портрет" Платона, представленного уже не молодым мудрецом с пышной бородой и интеллектуальным, умственно напряженным лицом. Утрата росписи глаз, конечно, в значительной степени лишает образ выражения.

Уже иначе воспринимался образ в конце 4 столетия. Сохранившиеся реплики портретов Александра Македонского, созданных Лисиппом, показывают нам уже не столь цельную, уверенную и однозначную в себе личность, как мы видели только что в классический период Греции.

Теперь, наконец, настало время перейти к Риму, точнее пока что к этрускам, создававшим погребальные изображения усопших. Канопы - урны для праха - этруски делали с изображениями голов и рук, уподобляя, пока что условно, усопшему человеку. Терракотовая канопа 6 века до н. э.

Более сложными произведениями были вот такие надгробия с фигурами возлежащих как бы на пиру людей, часто семейных пар.

Очаровательные улыбки, похожие на улыбки архаических греческих статуй... Но здесь важно другое - это конкретные, погребенные здесь люди.

Этрусские традиции заложили своего рода фундамент для собственно римского портрета. Возникнув только в 1 веке до н.э., римский портрет резко отличался от всякого другого. Первостепенным в нем стала достоверность в передаче жизненной правды, не приукрашенного облика человека, изображение его таким, какой он есть. И в этом римляне несомненно видели собственное достоинство. К римскому портрету конца республиканской эпохи как нельзя лучше приложим термин веризм. Он даже пугает своей отталкивающей откровенностью, не останавливающейся ни перед какими чертами уродства и старости.

Для иллюстрации следующего тезиса приведу энциклопедический пример - изображения римлянина в тоге с портретами предков. В этом обязательном римском обычае было не только человеческое желание сохранить память о ушедших поколениях, но и религиозная составляющая, столь типичная для такой домашней по своему характеру религии, как римская.

Вслед за этрусками римляне изображали на надгробиях супружеские пары. Вообще, пластика, скульптура была для жителя Рима столь же естественна, как для нас фотография.

Но вот настало новое время. На рубеже тысячелетий (и эр)) Рим сделался империей. Начиная с этого времени наша галерея будет представлена прежде всего портретами императоров. Однако, это официальное искусство не только сохранило, но и приумножило тот необыкновенный реализм, который изначально возник в римском портрете. Впрочем, сначала в эпоху Августа (27 г. до н. э. - 14 г. н. э.) римское искусство пережило первое серьезное взаимодействие с идеальной красотой, присущей всему греческому. Но и здесь, став совершенным по форму, оно сохранило верность портретным чертам императора. Допуская условность в совершенном, идеально правильном и здоровом теле, облаченном в доспехи и пребывающем в церемониальной позе, римское искусство помещает на это тело настоящую голову Августа, такого, каким он был.

От Греции к римлянам перешло потрясающее владение обработкой камня, но здесь это искусство не могло заслонить собой того, что было внутренне присуще римскому.

Еще один вариант официального изображения Августа как Великого Понтифика в наброшенном на голову покрывале.

И вот, уже в портрете Веспасиана (69 - 79 гг. н. э.) мы видим опять неприкрытый веризм. Этот образ с детства запал в мою память, завораживая личными чертами изображенного императора. Умное, благородное и одновременно хитрое и расчетливое лицо! (Как ему идет отбитый нос))

Вместе с тем, осваиваются и новые техники обработки мрамора. Применение бурава позволяет создавать более сложную игру объемов, света и тени, вводить контраст различных фактур: шершавых волос, отполированной кожи. Для примера женский образ, а то до сих пор у нас были представлены одни лишь мужчины.

Троян (98 - 117 гг.)

Антонин Пий был вторым после Адриана императором, отпустившим бороду на греческий манер. И это не только некая игра. Вместе с "греческим" обликом в образе человека появляется и нечто философское. Взгляд уходит в сторону, вверх, лишая человека состояния уравновешенности и довольства телесным. (Теперь зрачки глаз намечаются уже самим скульптором, что сохраняет взгляд даже при утрате былой тонировки.)

Со всей очевидностью это проступает в портретах философа на трона - Марка Аврелия (161 - 180 гг.).

Этот интересный осколок привлекает меня вот чем. Попробуйте сделать прорись черт лица, и получится икона! Вглядитесь в формы глаза, века, зрачка и сравните их с византийскими иконами.

Но не одним лишь доблестным и праведным быть темой римского портрета! Гелиогабал (правильно - Элагабал), приверженец восточного культа солнца, удивлял римлян вполне противными им обычаями и сам не блистал чистотой жизни. Но и это со всей очевидностью являет нам его портрет.

Наконец, золотой век Рима остается далеко позади. На престол один за другим возводятся так называемые солдатские императоры. Выходцы из каких угодно сословий, стран и народов могут в одночасье стать владыками Рима, будучи провозглашены своими солдатами. Портрет не самого плохого из них Филиппа Аравитянина (244 - 249 гг.). И снова какая-то тоска или тревога во взгляде...

Ну это смешно: Требониан Галл (251 - 253 гг.).

Здесь пора уже отметить то, что время от времени проступало в римском портрете и раньше. Теперь форма начинает неумолимо схематизироваться, пластическая лепка уступает место условной графичности. Сама плоть постепенно уходит, уступая место чисто духовному, исключительно внутреннему образу. Император Проб (276 - 282 гг.).

И вот, мы приблизились к концу 3 - началу 4 столетий. Диоклетиан создает новую систему управления Империей - тетрархию. Два августа и два цезаря правят четырьмя ее частями. Старый город Рим, давно уже потерявший роль столицы, теперь не важен. В Венеции сохранилась забавная, вывезенная из Константинополя группа из четырех почти одинаковых фигур, отождествляемых с тетрархами. Ее часто показывают как конец римского портрета. Но это не так! На самом деле это, скажем так, особый эксперимент, авангард того времени. К тому же, если верить некоторым моим учителям, это египетское произведение, что в частности видно по применению твердого порфира. Столичная же римская школа оставалась конечно иной и не умирала еще по крайней мере столетие.

В подтверждение сказанному еще один образ из Египта - император Максимин Даза (305 - 313 гг.). Полная стилизация, схематизация и абстракция, если угодно.

А вот, что продолжало твориться в Риме. Полновластным правителем Империи становится Константин Великий (306 - 337 гг.). В его колоссальном по масштабу портрете (это, собственно, и есть голова Колосса - гигантской статуи, установленной в римской базилике Константина-Максенция) полноценно присутствует и идеальная, совершенная проработка формы и окончательно сформировавшийся новый, отрешенный от всего временного образ. В огромных, прекрасных, смотрящих куда-то мимо нас глазах, волевых бровях, твердом носе, сомкнутых губах теперь является не только образ земного правителя, но и что-то уже перешедшее за границы той рефлексии, снедавшей Марка Аврелия и других его современников, тяготившихся этой телеcной оболочкой, в которой оказалась заключена душа.

Если знаменитый Миланский эдикт 313 года лишь прекращал гонения на христианство, позволяя христианам легально существовать в Империи (сам Константин крестился лишь при смерти), то к концу 4 столетия после Р. Х. христианство стало уже господствующим. И в это время христианской Античности еще продолжали создаваться скульптурные портреты. Портрет императора Аркадия (383-408 гг.) поражает своей красотой, но и неземной отвлеченностью.

Вот куда пришел в конце концов римский портрет, вот какой образ он родил, сам по себе став уже христианским искусством. Скульптура теперь уступает место живописи. Но великое наследие прежней культуры не отвергается, продолжая жить, служа новым целям и задачам. Христианский образ (икона) с одной стороны, родился из слов: "Бога не видел никто никогда; Единородный Сын, сущий в недре Отчем, Он явил" (Ин. 1: 18). С другой же стороны, он впитал в себя весь опыт предшествующего ему искусства, как мы увидели, давно уже мучительно искавшего истину, и наконец Ее нашедшего.

Но это уже совсем другая история не для этого рассказа...

Зевс был царём богов, бог неба и погоды, закона, порядка и судьбы. Он был изображён, как царственный человек, зрелый с крепкой фигурой и тёмной бородой. Его обычными атрибутами были молнии, королевский скипетр и орёл. Отец Геракла, организатор Троянской войны, борец со стоглавым монстром. Он затопил мир, чтобы человечество начало жить заново.

Посейдон был великим олимпийским богом моря, рек, наводнения и засухи, землетрясений, а также покровителем лошадей. Он был изображен, как зрелый мужчина крепкого сложения с тёмной бородой и с трезубцем. При разделении мира Хроном между сыновьями, получил правление над морем.

Деметра была великой олимпийской богиней плодородия, сельского хозяйства, зерна, и хлеба. Она также председательствовала в одном из мистических культов, обещающих своим посвященным путь к благословенной загробной жизни. Деметра была изображена, как зрелая женщина, часто коронованная, держащая в руке пшеничные колосья и факел. Она принесла на Землю голод, но и она же послала героя Триптолемоса учить людей тому, как обрабатывать землю.

Гера была королевой Олимпийских богов и богиней женщин и брака. Она была также богиней звёздного неба. Она обычно изображается, как красивая женщина в короне, держащая королевский посох с наконечником из лотоса. Иногда она держит королевского льва, кукушку или ястреба в качестве компаньонов. Была женой Зевса. Родила младенца-калеку Гефеста, которого сбросила с Неба, лишь взглянув. Он сам был богом огня и искусным кузнецом и покровителем кузнечного дела. В Троянской войне Гера помогала грекам.

Аполлон был великим богом олимпийских пророчеств и оракулов, исцеления, чумы и болезни, музыки, песен и стихов, стрельбы из лука и защиты молодежи. Он был изображен, как красивый, безбородый юноша с длинными волосами и различными атрибутами, такими как венок и лавровая ветвь, лук и колчан, ворона, и лира. Аполлон имел храм в Дельфах.

Артемида была великой богиней охоты, дикой природы и диких животных. Она была также богиней родов и покровительницей юных девушек. Ее близнец — брат Аполлона, был так же покровителем мальчиков-подростков. Вместе эти две бога были также вершителями внезапной смерти и болезни - Артемида нацеливалась на женщин и девочек, и Аполлон на мужчин и мальчиков.

В древнем искусстве Артемида, как правило, изображается в виде девушки, одетой в короткий до колен хитон и оснащенной охотничьим луком и колчаном со стрелами.

После своего рождения, она сразу же помогла своей матери родить брата близнеца Аполлона. Она превратила охотника Актеона в оленя, когда тот увидел её купающейся.

Гефест был великим Олимпийским богом огня, металлообработки, каменотеса, и искусства скульптуры. Он обычно изображался, как бородатый человек с молотком и клещами - инструментами кузнеца, и верхом на осле.

Афина была великой олимпийской богиней мудрых советов, войны, обороны городов, героических усилий, ткачества, гончарного и других ремёсел. Она была изображена увенчанная шлемом, вооруженная щитом и копьём, и одетая в плащ, отделанный змеей, обернутый вокруг её груди и рук, украшенный головой Горгоны.

Арес был великим олимпийским богом войны, гражданского порядка и мужества. В греческом искусстве он был изображён либо как зрелый, бородатый воин, одетый в боевые доспехи, или обнажённый безбородый юноша с шлемом и копьём. Из-за отсутствия отличительных признаков, его часто бывает трудно определить в классическом искусстве.

Древнегреческая скульптура – это ведущий эталон в мировом скульптурном искусстве, который продолжает вдохновлять современных скульпторов на создание художественных шедевров. Частыми темами скульптур и лепных композиций древнегреческих скульпторов были битвы великих героев, мифология и легенды, правители и древнегреческие боги.

Особенное развитие греческая скульптура получила в период с 800 до 300 лет до н. э. Эта область скульптурного творчества питала раннее вдохновение из египетского и ближневосточного монументального искусства и через столетия превратилась в уникальное греческое видение формы и динамики человеческого тела.

Греческие художники и скульпторы достигли вершины художественного мастерства, которое захватывало неуловимые черты человека и демонстрировало их таким образом, каким больше никто и никогда не смог показать. Греческие скульпторы особенно интересовались пропорцией, уравновешенностью и идеализированным совершенством человеческого тела, а их фигуры из камня и бронзы стали одними из самых узнаваемых произведений искусства, когда-либо созданных любой цивилизацией.

Зарождение скульптуры в Древней Греции

С 8-го века до нашей эры архаическая Греция наблюдала рост производства мелких твердых фигур из глины, слоновой кости и бронзы. Несомненно, древесина также была широко используемым материалом, но ее восприимчивость к эрозии не позволяла изготавливать деревянные изделия массово, так как они не проявляли необходимой долговечности. Бронзовые фигуры, человеческие головы, мифические чудовища, и в частности грифоны, использовались в качестве декоративного оформления и ручек к бронзовым сосудам, котлам и чашам.

По стилю греческие человеческие фигуры имеют выразительные геометрические линии, которые часто можно встретить на керамических изделиях того времени. Тела воинов и богов изображаются с удлиненными конечностями и треугольным торсом. Также нередко древнегреческие творения украшают фигуры животных. Многие из них были найдены по всей Греции в местах убежищ, таких как Олимпия и Дельфы, что свидетельствует об их общей функции в качестве оберегов и предметов поклонения.

Фото:

Самые древние греческие каменные скульптуры из известняка относятся к середине VII века до нашей эры и были найдены в Тере. В этот период все чаще появляются и бронзовые фигуры. С точки зрения замысла автора, сюжеты скульптурных композиций становились все более сложными и амбициозными и уже могли изображать воинов, сцены из битв, спортсменов, колесницы и даже музыкантов с инструментами того периода.

Мраморная скульптура появляется в начале VI века до нашей эры. Первые монументальные мраморные статуи в натуральную величину выполняли функцию памятников, посвященных героям и знатным особам, либо располагались в святилищах, в которых проводилось символическое служение богам.

Самые ранние, найденные на территории Греции, крупные каменные фигуры изображали молодых мужчин, одетых в женские одежды, которых сопровождала корова. Скульптуры были статичными и грубыми, как в египетских монументальных статуях, руки располагались прямо по бокам, ноги были почти вместе, а глаза смотрели прямо вперед без какого-либо особого выражения лица. Эти довольно статичные фигуры медленно эволюционировали путем детализации образа. Талантливые мастера делали акценты на мельчайшие детали образа, такие как волосы и мышцы, благодаря чему фигуры начали оживать.

Характерной позой для греческих статуй стала позиция, в которой руки слегка согнуты, что придает им напряжение мускул и вен, а одна нога (обычно правая) немного продвинута вперед, давая ощущение динамического движения статуи. Так появились первые реалистичные изображения человеческого тела в динамике.

Фото:

Роспись и окрашивание древнегреческой скульптуры

К началу 19 века систематические раскопки древнегреческих памятников позволили обнаружить множество скульптур со следами многоцветных поверхностей, некоторые из которых были все еще видны. Несмотря на это, влиятельные историки искусства, такие как Иоганн Иоахим Винкельман, так сильно возражали против идеи раскрашенной греческой скульптуры, что сторонники расписных статуй были названы эксцентриками и их взгляды были в значительной степени подавлены на протяжении более века.

Только в опубликованных научных статьях немецкого археолога Виндзеника Бринкмана в конце 20-го и начале 21-го века было описано открытие ряда известных древнегреческих скульптур. Используя лампы высокой интенсивности, ультрафиолетовый свет, специально разработанные камеры, гипсовые отливки и некоторые порошкообразные минералы, Бринкманн доказал, что весь Парфенон, включая его основную часть, а также статуи были окрашены в разные цвета. Далее он химическими и физическими способами проанализировал пигменты оригинальной краски, чтобы определить ее состав.

Бринкманн создал несколько расписанных разными цветами копий греческих статуй, которые отправились в тур по всему миру. В коллекции были представлены копии многих произведений греческой и римской скульптуры, чем автор продемонстрировал, что практика живописи скульптуры была нормой, а не исключением в греческом и римском искусстве.

Музеи, в которых выставлялись экспонаты, отмечали большой успех выставки среди посетителей, что связано с некоторым несоответствием привычных белоснежных греческих атлетов и тех ярких статуй, которыми они были на самом деле. Среди мест проведения выставки – музей Глиптотека в Мюнхене, Ватиканский музей и Национальный археологический музей в Афинах. Коллекция организовала свой американский дебют в Гарвардском университете осенью 2007 года.

Фото:

Этапы становления греческой скульптуры

Развитие скульптурного искусства в Греции прошло несколько значимых этапов. Каждый из них отразился на скульптуре своими характерными особенностями, заметными даже непрофессионалам.

Геометрический этап

Считается, что самое раннее воплощение греческой скульптуры было в виде деревянных культовых статуй, впервые описанных Павсанием. Никаких подтверждений этому не сохранилось, и описания их расплывчаты, несмотря на то, что они были, вероятно, объектами почитания на протяжении сотен лет.

Первое реальное свидетельство греческой скульптуры было найдено на острове Эвбея и датировано 920 г. до н. Это была статуя лефканди-кентавра руки неизвестного скульптура из терракоты. Статуя была собрана по частям, так как была преднамеренно разбита и захоронена в двух отдельных могилах. Кентавр имеет четко выраженную отметину (рану) на своем колене. Это позволило исследователям предположить, что статуя может изображать Хирона, раненного стрелой Геракла. Если это действительно так, это можно считать самым ранним известным описанием мифа в истории греческой скульптуры.

Скульптуры геометрического периода (приблизительно 900 до 700 г. до н. э.) были небольшими статуэтками из терракоты, бронзы и слоновой кости. Типичные скульптурные произведения этой эпохи представлены множеством примеров конной статуи. Однако сюжетный репертуар не ограничивается мужчинами и лошадьми, поскольку некоторые найденные примеры статуи и лепнины того времени изображают образы оленей, птиц, жуков, зайцев, грифонов и львов.

На геометрической скульптуре раннего периода нет надписей до появления статуи Мантиклоса «Аполлон» начала VII века до нашей эры, найденного в Фивах. Скульптура представляет собой фигуру стоящего человека, у ног которой начертана надпись. Эта надпись – своеобразное наставление помогать друг другу и отвечать добром на добро.

Архаический период

Вдохновленные монументальной каменной скульптурой Египта и Месопотамии, греки снова начали высекать в камне. Отдельные фигуры разделяют твердость и лобовую стойку, характерную для восточных моделей, но их формы более динамичны, чем у египетской скульптуры. Примером скульптур этого периода служат статуи леди Осер и торс Геры (ранний архаический период – 660-580 гг. до н. э., выставляется в Лувре, в Париже).

Фото:

Такие фигуры имели одну характерную особенность в выражении лица – архаическую улыбку. Это выражение, которое не имеет конкретной уместности для изображаемого человека или ситуации, возможно, было инструментом художника, позволяющим придать фигурам одушевленность и «живость».

В этот период в скульптуре преобладали три типа фигур: стоящий обнаженный юноша, стоящая девушка, облаченная в традиционный греческий наряд, и сидящая женщина. Они подчеркивают и обобщают основные черты человеческой фигуры и показывают все более точное понимание и знание анатомии человека.

Древнегреческие статуи обнаженных юношей, в частности знаменитый Аполлон, нередко были представлены в огромных размерах, что должно было показать могущество и мужскую силу. В этих статуях намного больше видны детали мускулатуры и скелетной структуры, чем в ранних геометрических работах. У облаченных же в одежды девушек имеется широкий диапазон выражений лица и поз, как в скульптурах Афинского Акрополя. Их драпировка вырезана и раскрашена с деликатностью и тщательностью, характерной для деталей скульптуры этого периода.

Греки очень рано решили, что человеческая фигура – самый важный предмет художественных усилий. Достаточно вспомнить, что их боги имеют человеческий облик, а значит, не было различий между священным и светским в искусстве – человеческое тело было и светским, и священным одновременно. Мужская обнаженная фигура без привязки к персонажу могла бы также легко стать Аполлоном или Гераклом, или изображать могучего олимпийца.

Как и в случае с керамикой, греки не производили скульптуру только для художественного показа. Статуи создавались на заказ либо аристократами и вельможами, либо государством, и использовались для общественных мемориалов, для оформления храмов, оракулов и святилищ (что часто доказывают древние надписи на статуях). Также греки использовали скульптуры как памятники для могил. Статуи в архаический период не были предназначены для представления конкретных людей. Это были изображения идеальной красоты, благочестия, чести или жертвы. Именно поэтому скульпторы всегда создавали скульптуры молодых людей, начиная от подросткового возраста до ранней зрелости, даже когда они были размещены на могилах (предположительно) пожилых граждан.

Классический период

Классический период сделал революцию в греческой скульптуре, иногда ассоциированную историками с радикальными изменениями в общественно-политической жизни – введение демократии и конец аристократической эпохи. Классический период принес с собой изменения в стиле и функции скульптуры , а также резкое увеличение технического мастерства греческих скульпторов в изображении реалистичных человеческих форм.

Фото:

Позы также стали более натуральными и динамичными, особенно в начале периода. Именно в это время греческие статуи стали все чаще изображать реальных людей, а не смутные интерпретации мифов или полностью вымышленных персонажей. Хотя стиль, в котором они были представлены, еще не превратился в реалистичную форму портрета. Статуи Гармодиуса и Аристогейтона, созданные в Афинах, символизируют свержение аристократической тирании и, по мнению историков, становятся первыми общественными памятниками, которые показывают фигуры реальных людей.

В классическом периоде также наблюдался расцвет лепного искусства и использование скульптур в качестве украшений зданий. Характерные храмы классической эпохи, такие как Парфенон в Афинах и Храм Зевса в Олимпии, использовали рельефную лепку для декоративных фризов, украшения стен и потолков. Сложная эстетическая и техническая задача, стоявшая перед скульпторами того периода, способствовала созданию скульптурных инноваций. Большинство работ того периода сохранились только в виде отдельных фрагментов, например лепной декор Парфенона сегодня частично находится в Британском музее.

Похоронная скульптура сделала в этот период огромный скачок – от жестких и безличных статуй архаического периода до очень личных семейных групп классической эпохи. Эти памятники обычно встречаются в пригородах Афин, которые в древние времена были кладбищами на окраине города. Хотя некоторые из них изображают «идеальные» типы людей (тоскующую мать, послушного сына), они все чаще становятся олицетворением настоящих людей и, как правило, показывают, что ушедший достойно покидает этот мир, оставляя семью. Это заметное повышение уровня эмоций относительно архаических и геометрических эпох.

Другое заметное изменение – расцвет творчества талантливых скульпторов, имена которых вошли в историю. Вся информация, известная о скульптурах в архаический и геометрический периоды, сосредоточена на самих работах, и ​​редко уделяется внимание их авторам.

Эллинистический период

Переход от классического к эллинистическому (или греческому) периоду произошел в IV веке до нашей эры. Греческое искусство становилось все более разнообразным под влиянием культур народов, вовлеченных в греческую орбиту, завоеваний Александра Македонского (336-332 гг. до н. э.). По мнению некоторых искусствоведов, это привело к снижению качества и оригинальности скульптуры, однако люди того времени, возможно, не разделяли это мнение.

Известно, что многие скульптуры, ранее считавшиеся гениями классической эпохи, на самом деле творили именно в эллинистический период. Технические возможности и талант эллинистических скульпторов очевидны в таких крупных работах, как Крылатая Победа Самофракии и Пергамонский Алтарь. Новые центры греческой культуры, особенно в скульптуре, развивались в Александрии, Антиохии, Пергаме и других городах. К II столетию до нашей эры растущая сила Рима также поглотила большую часть греческой традиции.

Фото:

В этот период скульптура снова испытала сдвиг в сторону натурализма. Героями для создания скульптур теперь становились обычные люди – мужчины, женщины с детьми, животные и домашние сцены. Многие из творений того периода были заказаны богатыми семьями для украшения их домов и садов. Были созданы реалистичные фигуры мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства.

В то же время новые эллинистические города, возникшие в Египте, Сирии и Анатолии, нуждались в статуях, изображающих богов и героев Греции для их храмов и общественных мест. Это привело к тому, что скульптура, как и керамическое производство, стала отраслью с последующей стандартизацией и некоторым снижением качества. Именно поэтому до наших дней дошло гораздо больше эллинистических творений, чем эпохи классического периода.

Наряду с естественным сдвигом в сторону натурализма произошел также сдвиг в выражении и эмоциональном воплощении скульптур. Герои статуй начали выражать больше энергии, мужества и силы. Простой способ оценить этот сдвиг в выражениях – сравнить наиболее известные творения, созданные в эллинистический период со скульптурами классического этапа. Одним из самых известных шедевров классического периода считается скульптура «Перевозчик Дельфы», выражающая смирение и покорность. В то же время скульптуры эллинистического периода отражают силу и энергию, что особенно ярко выражено в работе «Жокей Артемисии».

Самые известные в мире эллинистические скульптуры – Крылатая Победа Самофракии (I век до нашей эры) и статуя Афродиты с острова Мелос, более известная как Венера Милосская (середина II века до нашей эры). Эти статуи изображают классические сюжеты и темы, но их исполнение гораздо более чувственно и эмоционально, чем допускал суровый дух классического периода и его технические навыки.

Фото:

Эллинистическая скульптура также была подвержена увеличению масштабов, кульминацией которого стал Колосс Родосский (конец III века), который, как полагают историки, по размеру был сравним со Статуей Свободы. Чреда землетрясений и грабежей уничтожила это наследие Древней Греции, как многие другие крупные работы этого периода, существование которых описывается в литературных произведениях современников.

После завоеваний Александра Великого греческая культура распространилась до Индии, что показали раскопки Ай-Ханума в восточном Афганистане. Греко-буддийское искусство представляло собой промежуточный этап между греческим искусством и визуальным выражением буддизма. Открытия, сделанные с конца 19-го века относительно древнего египетского города Гераклема, позволили обнаружить остатки статуи Исиды, созданной еще в IV веке до н.э.

Статуя необычайно чувственно и тонко изображает египетскую богиню. Это нехарактерно для скульпторов той местности, ведь изображение детализировано и женственно, что символизирует сочетание египетских и эллинистических форм во времена завоевания Александром Великим Египта.

Древнегреческая скульптура – прародительница всего мирового искусства! До сих пор шедевры Древней Греции привлекают миллионы туристов и ценителей искусства, стремящихся прикоснуться к красоте и таланту, не подверженным времени.

Античная скульптура

ЭРМИТАЖ

Афродита

Афродита

Афродита (Венера Таврическая)
Описание:
Согласно «Теогонии» Гесиода, Афродита родилась около острова Кифера из семени и крови оскоплённого Кроносом Урана, которая попала в море и образовала белоснежную пену (отсюда прозвище «пенорожденная»). Ветерок принёс её на остров Кипр (или она сама приплыла туда, поскольку ей не понравилась Кифера), где её, вышедшую из морских волн, и встретили Оры.

Статуя Афродиты (Венеры Таврической) относится к III веку до н. э.,сейчас она находится в Эрмитаже и считается самой прославленной его статуей. Скульптура стала первой в России античной статуей нагой женщины. Мраморная статуя купающейся Венеры в натуральную величину (высота 167 см), выполненная по образцу Афродиты Книдской или Венеры Капитолийской. Утрачены руки статуи и фрагмент носа. До поступления в Государственный Эрмитаж она украшала сад Таврического дворца, откуда и название. В прошлом «Венера Таврическая», предназначалась для украшения парка. Однако в Россию статуя была доставлена значительно раньше, ещё при Петре I и благодаря его усилиям. Надпись, сделанная на бронзовом кольце пьедестала, напоминает о том, что Венера подарена Климентом XI Петру I (в результате обмена на мощи св. Бригитты, посланные римскому папе Петром I). Статуя была обнаружена в 1718 году во время раскопок в Риме. Неизвестный скульптор III в. до н.э. изобразил обнажённой богиню любви и красоты Венеру. Стройная фигура, округлые, плавные линии силуэта, мягко моделированные формы тела - всё говорит о здоровом и целомудренном восприятии женской красоты. Наряду со спокойной сдержанностью (поза, выражение лица), обобщённой манерой, чуждой дробности и мелкой детализации, а также рядом других черт, свойственных искусству классики (V - IV вв. до н. э.), создатель Венеры воплотил в ней своё представление о красоте, связанное с идеалами III века до н. э. (изящные пропорции - высокая талия, несколько удлинённые ноги, тонкая шея, маленькая головка, - наклон фигуры, поворот корпуса и головы).

Италия. Античная скульптура в музее Ватикана.

Иосиф Бродский

Торс

Если вдруг забредаешь в каменную траву,
выглядящую в мраморе лучше, чем наяву,
иль замечаешь фавна, предавшегося возне
с нимфой, и оба в бронзе счастливее, чем во сне,
можешь выпустить посох из натруженных рук:
ты в Империи, друг.

Воздух, пламень, вода, фавны, наяды, львы,
взятые из природы или из головы, -
все, что придумал Бог и продолжать устал
мозг, превращено в камень или металл.
Это - конец вещей, это - в конце пути
зеркало, чтоб войти.

Встань в свободную нишу и, закатив глаза,
смотри, как проходят века, исчезая за
углом, и как в паху прорастает мох
и на плечи ложится пыль - этот загар эпох.
Кто-то отколет руку, и голова с плеча
скатится вниз, стуча.

И останется торс, безымянная сумма мышц.
Через тысячу лет живущая в нише мышь с
ломаным когтем, не одолев гранит,
выйдя однажды вечером, пискнув, просеменит
через дорогу, чтоб не прийти в нору
в полночь. Ни поутру.

10 тайн знаменитых скульптур

Молчание великих статуй хранит множество секретов. Когда Огюста Родена спрашивали, как он создает свои статуи, скульптор повторял слова великого Микеланджело: «Я беру глыбу мрамора и отсекаю от нее все лишнее». Наверное, поэтому скульптура настоящего мастера всегда создает ощущение чуда: кажется, что увидеть красоту, которая прячется в куске камня, способен только гений.

Мы уверены, что практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть. Сегодня мы поделимся несколькими из них.

1. Рогатый Моисей

Микеланджело Буанаротти, «Моисей», 1513-1515 г.

Микеланджело изобразил на своей скульптуре Моисея с рогами. Многие историки искусства объясняют это неправильным толкованием Библии. В Книге Исхода говорится, что когда Моисей спустился с горы Синай со скрижалями, иудеям было трудно смотреть в его лицо. В этом месте в Библии употреблено слово, которое с иврита можно перевести и как «лучи», и как «рога». Однако по контексту однозначно можно сказать, что речь идёт именно о лучах света — что лицо Моисея сияло, а не было рогато.

2. Цветная Античность

«Август из Прима-Порта», античная статуя.

Долгое время считалось, что древнегреческие и древнеримские скульптуры из белого мрамора были изначально бесцветными. Однако недавние исследования учёных подтвердили гипотезу, что статуи раскрашивались в широкую гамму цветов, которые со временем исчезли под длительным воздействием света и воздуха.

3. Страдания Русалочки

Эдвард Эриксен, «Русалочка», 1913 г.

Статуя Русалочки в Копенгагене — одна из самых многострадальных в мире: именно ее больше всего любят вандалы. История ее существования была очень бурной. Ее ломали и распиливали на куски множество раз. И сейчас можно еще обнаружить едва заметные «шрамы» на шее, которые появились от необходимости заменить голову скульптуры. Русалочка была обезглавлена дважды: в 1964 и 1998 году. В 1984 году ей отпилили правую руку. 8 марта 2006 года на руку русалке был водружен фаллоимитатор, а сама горемыка была забрызгана зеленой краской. К тому же, на спине красовалась нацарапанная надпись «С 8 марта!» В 2007 году власти Копенгагена объявили, что статуя может быть перенесена дальше в гавань, чтобы избежать дальнейших случаев вандализма и для предотвращения постоянных попыток туристов взобраться на неё.

4. «Поцелуй» без поцелуя

Огюст Роден, «Поцелуй», 1882 г.

Знаменитая скульптура Огюста Родена «Поцелуй» изначально носила название «Франческа да Римини», в честь изображённой на ней знатной итальянской дамы XIII века, чьё имя обессмертила Божественная комедия Данте (Круг второй, Пятая песнь). Дама полюбила младшего брата своего мужа Джованни Малатеста, Паоло. Когда они читали историю Ланселота и Гвиневры,их обнаружил, а затем убил её муж. На скульптуре можно видеть, как Паоло держит в руке книгу. Но на самом деле любовники не касаются друг друга губами, как бы намекая на то, что они были убиты, не совершив греха.
Переименование скульптуры в более отвлечённое — Поцелуй (Le Baiser) — было сделано критиками, впервые увидевшими её в 1887 г.

5. Секрет мраморной вуали

Рафаэль Монти, «Мраморная вуаль», середина XIX в.

Когда смотришь на статуи, покрытые полупрозрачной мраморной вуалью, поневоле задумываешься о том, как такое вообще возможно сделать из камня. Все дело в особой структуре мрамора, использовавшегося для этих скульптур. Глыба, которой предстояло стать изваянием, должна была иметь два слоя — один более прозрачный, другой более плотный. Такие природные камни сложно найти, но они есть. У мастера был сюжет в голове, он знал, какую именно глыбу ищет. Он работал с ней, соблюдая текстуру нормальной поверхности, и шел по границе, разделяющей более плотную и более прозрачную часть камня. В итоге остатки этой прозрачной части «просвечивали», что и давало эффект вуали.

6. Идеальный Давид из испорченного мрамора

Микеланджело Буанаротти, «Давид», 1501-1504 г.

Знаменитая статуя Давида была сделана Микеланджело из куска белого мрамора, оставшегося от другого скульптора, Агостино ди Дуччо, который безуспешно пытался с этим куском работать, а потом бросил его.

Кстати, Давид, веками считавшийся образцом мужской красоты, не так уж и совершенен. Дело в том, что он косоглаз. К такому выводу пришел американский ученый Марк Ливой из Стэнфордского университета, обследовавший статую с помощью лазерно-компьютерной техники. «Дефект зрения» более чем пятиметровой скульптуры незаметен, поскольку она водружена на высокий пьедестал. По мнению экспертов, Микеланджело намеренно наделил свое детище этим недостатком, поскольку желал, чтобы профиль Давида выглядел идеально с любой стороны.
Смерть, вдохновившая на творчество

7. «Поцелуй смерти», 1930 г.

Самая загадочная статуя на каталонском кладбище Побленоу носит название «Поцелуй смерти». Создавший ее скульптор до сих пор остается неизвестным. Обычно авторство «Поцелуя» приписывается Жауме Барба, но есть и те, кто уверен, будто памятник изваял Жоан Фонбернат. Скульптура расположена в одном из дальних углов кладбища Побленоу. Именно она вдохновила кинорежиссера Бергмана на создание картины «Седьмая печать» — об общении Рыцаря и Смерти.

8. Руки Венеры Милосской

Агесандр (?), «Венера Милосская», ок. 130-100 г. до н.э.
Фигура Венеры занимает почетное место в парижском Лувре. Некий греческий крестьянин нашел ее в 1820 году на острове Милос. На момент обнаружения фигура была разломана на два больших фрагмента. В левой руке богиня держала яблоко, а правой придерживала падающее одеяние. Осознав историческую значимость этой древней скульптуры, офицеры французского военного флота распорядились увезти мраморное изваяние с острова. Когда Венеру тащили по скалам к ожидающему кораблю, между носильщиками произошла драка, и обе руки откололись. Усталые матросы наотрез отказались вернуться и поискать оставшиеся части.

9. Прекрасное несовершенство Ники Самофракийской

«Ника Самофракийская», II в. до н.э.
Статую Ники нашел на острове Самофракия в 1863 году Шарль Шампуазо, французский консул и археолог. Высеченная из золотистого парийского мрамора статуя на острове венчала алтарь морских божеств. Исследователи считают, что неизвестный скульптор создал Нику во II веке до нашей эры в знак греческих морских побед. Руки и голова богини безвозвратно утрачены. Неоднократно предпринимались и попытки восстановить изначальное положение рук богини. Предполагают, что правая рука, поднятая вверх, держала кубок, венок или горн. Интересно, что многократные попытки восстановить руки статуи оказались безуспешны — все они портили шедевр. Эти неудачи заставляют признать: Ника прекрасна именно такой, совершенна в своем несовершенстве.

10. Мистический Медный всадник

Этьен Фальконе, Памятник Петру I, 1768-1770 г.
Медный всадник — памятник, окруженный мистическими и потусторонними историями. Одна из легенд, связанных с ним, гласит, что во время Отечественной войны 1812 года Александр I приказал вывезти из города особо ценные произведения искусства, в том числе и памятник Петру I. В это время некий майор Батурин добился свидания с личным другом царя князем Голицыным и передал ему, что его, Батурина, преследует один и тот же сон. Он видит себя на Сенатской площади. Лик Петра поворачивается. Всадник съезжает со своей скалы и направляется по петербургским улицам к Каменному острову, где жил тогда Александр I. Всадник въезжает во двор Каменоостровского дворца, из которого выходит к нему навстречу государь. «Молодой человек, до чего ты довел мою Россию, — говорит ему Петр Великий, — но покуда я на месте, моему городу нечего опасаться!». Затем всадник поворачивает назад, и снова раздается «тяжело-звонкое скаканье». Пораженный рассказом Батурина, князь Голицын передал сновидение государю. В результате Александр I отменил свое решение об эвакуации памятника. Памятник остался на месте.

*****

Греция и искусство - понятия нерасторжимые. В многочисленных археологических музеях можно увидеть античные скульптуры и бронзовые статуи, многие из которых были подняты со дна Эгейского моря. В местных краеведческих музеях выставлены ремесленные и текстильные изделия, а лучшие афинские музеи не уступают художественным галереям в других странах Европы.

Афины, Археологический музей Пирея.
Происхождение:Статуя была обнаружена в числе других в 1959 г. в Пирее, на пересечении улиц Георгиу и Филона в кладовой комнате неподалеку от античной гавани. Скульптура была укрыта в этом помещении от войск Суллы в 86 г. до н. э.
Описание:Бронзовая статуя Артемиды
Этот тип мощной женской фигуры первоначально определяли как поэтессу или музу из скульптурных композиций Силаниона. Данная статуя идентифицируется как изображение Артемиды по наличию перевязи для колчана на спине, а также по расположению пальцев руки, в которой находился лук. Эту работу клиссицизирующего стиля приписывают Эвфранору на основании ее сходства с Аполлоном Патросом на Агоре.

древнегреческая скульптура классика

Древнегреческая скульптура периода Классики

Говоря об искусстве древних цивилизаций, в первую очередь мы вспоминаем и изучаем искусство Древней Греции, и в особенности ее скульптуру. Поистине в этой маленькой прекрасной стране, этот вид искусства поднялся на такую высоту, что и по сей день считается во всем мире эталоном. Изучение скульптур Древней Греции позволяет нам лучше понять мировоззрение греков, их философию, идеалы и стремления. В скульптуре как нигде больше проявляется отношение к человеку, который в Древней Греции был мерой всех вещей. Именно скульптура дает нам возможность судить о религиозных, философских и эстетических представлениях древних греков. Все это позволяет лучше понять причины такого подъема, развития и падения этой цивилизации.

Развитие Древнегреческой цивилизации делится на несколько этапов - эпох. Сначала, вкратце, я расскажу о эпохе Архаике, так как она предшествовала эпохе классической и «задала тон» в скульптуре.

Период архаики - это начало, становления древнегреческой скульптуры. Эта эпоха так же делилась на раннюю архаику (650 - 580 гг. до н. э.), высокую (580 - 530 гг. до н. э.), и позднюю (530 - 480 гг. до н. э.). Скульптура - была воплощением идеального человека. Она возносила его красоту, физическое совершенство. Ранние одиночные скульптуры представлены двумя основными типами: изображением обнаженного юноши - куроса и фигурой одетой в длинный, плотно облегающий тело хитон девушки - коры.

Скульптура этой эпохи была очень похожа на египетские. И это не удивительно: греки, знакомясь с египетской культурой и культурами других стран Древнего Востока, многое заимствовали, а в других случаях обнаруживали сходства ними. В скульптуре соблюдались определенные каноны, поэтому они были весьма геометричны и статичны: человек делает шаг вперед, плечи расправлены, а руки опущены вдоль тела, на губах всегда играет глуповатая улыбка. Кроме того скульптуры были раскрашены: волосы золотистые, глаза голубые, щеки розовые.

В начале классической эпохи эти каноны еще действуют, но позднее автор начинает отходить от статики, у скульптуры появляется характер, и часто происходит событие, действие.

Классическая скульптура - это вторая эпоха развития древнегреческой культуры. Она так же делиться на этапы: ранняя классика или строгий стиль (490 - 450 гг. до н.э), высокая (450 - 420 гг. до н.э.), богатый стиль (420 - 390 гг. до н.э.), поздняя классика (390 - ок. 320 гг. до н.э.).

В эпоху ранней классики происходит некое жизненное переосмысление. Скульптура приобретает героический характер. Искусство освобождается от тех жестких рамок, которые сковывали его в эпоху архаики, это время поисков нового, интенсивного развития различных школ и направлений, создания разнородных произведений. На смену двум типам фигур - куросу и коре - приходит гораздо большее разнообразие типов; скульптуры стремятся к передаче сложного движения человеческого тела.

Все это происходит на фоне войны с персами, и именно это война так изменила древнегреческое мышление. Культурные центры были смещены и теперь это города Афины, Северный Пелопоннес и греческий Запад. К тому времени Греция достигла высшей точки экономического, политического и культурного подъема. Афины заняли ведущее место в союзе греческих городов. Греческое общество было демократично, построенное на началах равной активности. Все мужчины, населяющие Афины, кроме рабов, были равноправными гражданами. И все они пользовались избирательным правом, и могли избираться на любую государственную должность. Греки находились в согласии с природой и не подавляли свои естественные стремления. Все что делалось греками - было достоянием народа. Статуи стояли в храмах и на площадях, на палестрах и на берегу моря. Они присутствовали на фронтонах, в украшениях храмов. Как и в эпоху архаики скульптуры окрашивались.

К сожалению, греческая скульптура дошла до нас в основном в обломках. Хотя, по утверждению Плутарха в Афинах было больше статуй, чем живых людей. Многие статуи дошли до нас в Римских копиях. Но они весьма грубы по сравнению с греческими оригиналами.

Один из самых известных скульпторов ранней классики - Пифагор Регийский. До нас дошло мало его произведений, и работы его известны лишь по упоминаниям древних авторов. Пифагор прославился реалистическим изображением человеческих жил, вен и волос. Сохранилась несколько римских копий его скульптур: «Мальчик, вынимающий занозу», «Гиацинт» и др. Кроме того, ему приписывают, найденную в Дельфах, знаменитую бронзовую статую «Возничий». Пифагор Регийский создал несколько бронзовых статуй атлетов-победителей Олимпийских и Дельфийских игр. И ему принадлежат статуи Аполлон - Пифоноубийца, Похищение Европы, Этеокл, Полиник и Раненый Филоктет.

Известно, что Пифагор Регийский был современником и соперником Мирона. Это еще один известный скульптор того времени. И прославился он как величайший реалист и знаток анатомии. Но при всем этом Мирон не умел придать лицам своих работ жизнь и выражение. Мирон создавал статуи атлетов - победителей соревнований, воспроизводил известных героев, богов и животных, особенно великолепно изображал трудные позы, которые выглядели очень реалистично.

Самый лучший пример такой его скульптуры - знаменитый на весь мир «Дискобол». Древние писатели так же упоминают известную скульптуру Марсия с Афиной. Эта знаменитая скульптурная группа, дошла до нас в нескольких своих копиях. Помимо людей, Мирон так же изображал и животных, особенно известны его изображение «Коровы».

Главным образом Мирон работал в бронзе, его произведения не сохранились и известны по свидетельствам античных авторов и римским копиям. Он был также мастером торевтики - делал металлические кубки с рельефными изображениями.

Еще один известный скульптор этого периода - Каламид. Он исполнял мраморные, бронзовые и хризэлефантинные статуи, причём изображал преимущественно богов, женские героические фигуры и коней. Об искусстве Каламида можно судить по дошедшей до нас копии позднейшего времени с исполненной им для Танагры статуи Гермеса, несущего барана. Фигура самого бога исполнена в архаическом стиле, со свойственными этому стилю неподвижностью позы и симметричностью расположения членов; но баран, которого несёт Гермес, уже отличается некоторой жизненностью.

Кроме этого к памятникам древнегреческой скульптуры ранней классики относятся фронтоны и метопы храма Зевса в Олимпии. Другое значительное произведение ранней классики -- так называемый «Трон Людовизи». Это трехсторонний мраморный алтарь с изображением рождения Афродиты, по сторонам алтаря - гетеры и невесты, символизировавшие разные ипостаси любви или образы служения богине.

Высокая классика представлена именами Фидия и Поликлета. Ее кратковременный расцвет связан с работами на афинском Акрополе, то есть со скульптурной декорацией Парфенона. Вершиной древнегреческой скульптуры были, no-видимому, статуи Афины Парфенос и Зевса Олимпийского работы Фидия.

Фидий -- один из лучших представителей классического стиля, и о его значении достаточно сказать, что он считается основоположником европейского искусства. Возглавляемая им аттическая школа скульптуры занимала ведущее место в искусстве высокой классики.

Фидий владел знаниями о достижениях оптики. Сохранился рассказ о его соперничестве с Алкаменом: обоим были заказаны статуи Афины, которые предполагалось водрузить на высокие колонны. Фидий сделал свою статую в соответствии с высотой колонны -- на земле она казалась безобразной и непропорциональной. Шея богини была очень длинна. Когда же обе статуи воздвигли на высокие постаменты, правота Фидия стала очевидна. Отмечают огромное мастерство Фидия в трактовке одежды, в котором он превосходит и Мирона, и Поликлета.

Большинство его работ не сохранились, о них мы можем судить только по описаниям античных авторов и копиям. Тем не менее, слава его была колоссальной. Да и их было такое количество, что то, что осталось это уже много. Самые знаменитые работы Фидия -- Зевс и Афина Парфенос были выполнены в хрисоэлефантинной технике -- золото и слоновая кость.

Статуя Зевса в высоту, вместе с пьедесталом составляла по разным данным от 12 до 17 метров. Глаза Зевса были размером с кулак взрослого человека. Накидка, которая закрывала часть тела Зевса, скипетр с орлом в левой руке, статуя богини Ники в правой и венок на голове сделаны из золота. Зевс сидит на троне, на ножках трона изображены четыре танцующие Ники. Также были изображены: кентавры, лапифы, подвиги Тесея и Геракла, фрески, изображающие битву греков с амазонками.

Афина Парфенонс была, так же как и статуя Зевса, огромной и выполнена в хрисоэлефантинной технике. Только богиня, в отличие от своего отца не восседала на троне, а стояла в полный рост. «Сама Афина сделана из слоновой кости и золота… Статуя изображает ее во весь рост в хитоне до самых ступней ног, у нее на груди голова Медузы из слоновой кости, в руке она держит изображение Ники, приблизительно в четыре локтя, а в другой руке -- копье. В ногах у нее лежит щит, а около копья змея; эта змея, вероятно -- Эрихтоний». (Описание Эллады, XXIV, 7).

Шлем богини имел три гребня: средний со сфинксом, боковые с грифонами. Как пишет Плиний Старший, на внешней стороне щита была вычеканена битва с амазонками, на внутренней -- борьба богов с гигантами, а на сандалиях Афины имелось изображение кентавромахии. База была украшена историей с Пандорой. Хитон богини, ее щит, сандалии, шлем и украшения - все сделано из золота.

На мраморных копиях руку богини с Никой поддерживает столб, существовал ли он в оригинале -- предмет многочисленных споров. Ника кажется крошечной, в действительности ее высота составляла 2 метра.

Афина Промахос -- колоссальное изображение богини Афины, замахивающейся копьем, на афинском Акрополе. Воздвигнута в память побед над персами. Её высота достигала 18,5 метров и возвышалась над всеми окрестными зданиями, издалека сияя над городом. К сожалению, эта бронзовая богиня не дожила до наших дней. И знаем мы о ней только из летописных источников.

Афина Лемния -- бронзовая статуя богини Афины, созданная Фидием тоже известна нам по копиям. Это бронзовая статуя, изображает богиню, опирающуюся на копье. Названа -- от острова Лемнос, для жителей которого она была изготовлена.

Раненая Амазонка, статуя, занявшая второе место на знаменитом конкурсе скульпторов для храма Артемиды Эфесской. Кроме вышеперечисленных скульптур, Фидию приписывают и другие, по стилевому сходству: статуя Деметры, статуя Коры, рельеф из Элевсина, Анадумен (юноша, завязывающий повязку вокруг головы), Гермес Людовизи, Тибрский Аполлон, Кассельский Аполлон.

Несмотря на талант, или вернее божественный дар, Фидия отношение его с жителями Афин были совсем не теплыми. Как пишет Плутарх, в своей «Жизни Перикла», Фидий был главным советником и помощником Перикла (афинский политический деятель, знаменитый оратор и полководец).

«Так как он был другом Перикла и пользовался у него большим авторитетом, у него было много личных врагов и завистников. Они уговорили одного из помощников Фидия, Менона, сделать донос на Фидия и обвинить его в воровстве. Над Фидием тяготела зависть к славе его произведений… При разборе его дела в Народном собрании улик в воровстве не оказалось. Но Фидий был отправлен в тюрьму и там умер от болезни».

Поликлет Старший -- древнегреческий скульптор и теоретик искусства, современник Фидия. В отличие от Фидия он не был столь масштабен. Однако его скульптура носит определенный характер: Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя, специализировался на изображении спортсменов, олимпийских победителей. Он первым додумался придавать фигурам такую постановку, чтобы они опирались на нижнюю часть лишь одной ноги. Поликлет умел показывать человеческое тело в состоянии равновесия -- его человеческая фигура в покое или медленном шаге кажется подвижной и оживленной. Пример тому служит известная статуя Поликлета «Дорифор» (копьеносец). Именно в этом произведении воплощены представления Поликлета об идеальных пропорциях человеческого тела, находящихся друг с другом в числовом соотношении. Считалось, что фигура создана на основе положений пифагореизма, поэтому в древности статую Дорифора часто называли «каноном Поликлета». Формы этой статуи повторяются в большинстве произведений скульптора и его школы. Расстояние от подбородка до темени в статуях Поликлета равняется одной седьмой, в то время как расстояние от глаз до подбородка равняется одной шестнадцатой, высота же лица - одной десятой всей фигуры. Поликлет прочно связан с пифагорейской традицией. "Канон Поликлета" - теоретический трактат скульптора, создан Поликлетом для того, чтобы другие художники пользовались им. И действительно, Канон Поликлета оказал большое влияние на европейскую культуру, не смотря на то, что от теоретического сочинения сохранилось всего два фрагмента, сведения о нем отрывочны, а математическая основа до сих пор окончательно не выведена.

Кроме копьеносца известны и другие работы скульптора: «Диадумен» («Юноша, повязывающий повязку»), «Раненая амазонка», колоссальная статуя Геры в Аргосе. Была выполнена в хрисоэлефантинной технике и воспринималась как пандан Зевсу Олимпийскому Фидия, «Дискофор» («Юноша, держащий диск»). К сожалению, эти скульптуры сохранились лишь в древнеримских копиях.

На этапе «Богатый стиль» нам известны имена таких скульпторов как Алкамен, Агоракрит, Каллимах и др.

Алкамен, греческий скульптор, ученик, соперник и преемник Фидия. Считалось, что Алкамен не уступает Фидию, и после смерти последнего, он стал ведущим скульптором в Афинах. Его Гермес в виде гермы (столба, увенчанного головой Гермеса) известен во многих копиях. Рядом, около храма Афины Ники, находилась статуя Гекаты, представлявшая собой три соединенные спинами фигуры. На акрополе Афин найдена также принадлежащая Алкамену группа -- Прокна, занесшая нож над своим сыном Итисом, который ищет спасения в складках ее одежды. В святилище на склоне Акрополя находилась принадлежащая Алкамену статуя сидящего Диониса. Алкамен создал также статую Ареса для храма на агоре и статую Гефеста для храма Гефеста и Афины.

Алкамен победил Агоракрита в конкурсе на создание статуи Афродиты. Однако еще более прославлена сидящая "Афродита в садах", у северного подножия Акрополя. Она изображена на многих краснофигурных аттических вазах в окружении Эроса, Пейто и других воплощений счастья, которое приносит любовь. Часто повторявшаяся античными копиистами голова, именуемая "Сафо", была, возможно, скопирована с этой статуи. Последнее произведение Алкамена -- колоссальный рельеф с Гераклом и Афиной. Вероятно, вскоре после этого Алкамен умер.

Агоракрит тоже был учеником Фидия, и как утверждают любимым. Он, так же как и Алкамен участвовал в создании фриза Парфенона. Два самых знаменитых произведения Агоракрита -- культовая статуя богини Немесиды (переделанная после поединка с Алкаменом Афина), подарена Рамносскому храму и статуя Матери богов в Афинах (иногда приписывалась Фидию). Из упоминаемых античными авторами произведений лишь статуи Зевса-Аида и Афины в Коронее, несомненно, принадлежали Агоракриту. Из его работ сохранилась лишь часть головы колоссальной статуи Немесиды и фрагменты рельефов, украшавших основание этой статуи. Согласно Павсанию, на основании были изображены молодая Елена (дочь Немесиды), с вскормившей ее Ледой, мужем Менелаем и другими родственниками Елены и Менелая.

Общий характер скульптуры поздней классики определился развитием реалистических тенденций.

Скопас - один из крупнейших скульпторов этого периода. Скопас, сохраняя традиции монументального искусства высокой классики, насыщает свои произведения драматизмом, он раскрывает сложных чувства и переживаний человека. Герои Скопаса, продолжают воплощать совершенные качества сильных и доблестных людей. Однако Скопас вводит в искусство скульптуры темы страдания, внутреннего надлома. Таковы образы раненых воинов с фронтонов храма Афины Алей в Тегее. Пластика, резкая беспокойная игра светотени подчеркивает драматизм происходящего.

Скопас предпочитал работать в мраморе, почти отказавшись от излюбленного мастерами высокой классики материала - бронзы. Мрамор позволял передавать тонкую игру света и тени, разнообразные фактурные контрасты. Его Менада (Вакханка), дошедшая в небольшой поврежденной античной копии, воплощает образ человека, одержимого бурным порывом страсти. Танец Менады стремителен, голова запрокинута назад, волосы тяжелой волной спадают на плечи. Движение изогнутых складок ее хитона подчеркивает стремительный порыв тела.

Образы Скопаса то глубоко задумчивы, как юноша с надгробия реки Илисса, то живые и страстные.

В подлиннике сохранился фриз Галикарнасского мавзолея с изображением битвы греков с амазонками.

Воздействие искусства Скопаса на дальнейшее развитие греческой пластики было громадным, и его можно сравнить лишь с воздействием искусства его современника - Праксителя.

В своем творчестве Пракситель обращается к образам, проникнутым духом ясной и чистой гармонии, спокойной задумчивости, безмятежной созерцательности. Пракситель и Скопас дополняют друг друга, раскрывая различные состояния и чувства человека, его внутренний мир.

Изображая гармонически развитых, прекрасных героев, Пракситель также обнаруживает связи с искусством высокой классики, однако его образы утрачивают тот героизм и монументальное величие произведений эпохи расцвета, однако приобретают более лирически-утонченный и созерцательный характер.

С наибольшей полнотой мастерство Праксителя раскрывается в мраморной группе «Гермес с Дионисом». Изящный изгиб фигуры, непринужденная поза отдыха молодого стройного тела, прекрасное, одухотворенное лицо Гермеса переданы с большим мастерством.

Пракситель создал новый идеал женской красоты, воплотив его в образе Афродиты, которая изображена в тот момент, когда, сняв одежду, она собирается вступить в воду. Хотя скульптура предназначалась для культовых целей, образ прекрасной обнаженной богини освободился от торжественной величественности. «Афродита Книдская» вызывала множество повторений в последующие времена, но ни одно из них не могло сравниться с оригиналом.

Скульптура «Аполлона Сауроктона» - изображение изящного мальчика подростка, который целится в бегущую по стволу дерева ящерицу. Пракситель переосмысляет мифологические образы, в них появляются черты повседневной жизни, элементы жанра.

Если в искусстве Скопаса и Праксителя еще ощутимы связи с принципами искусства высокой классики, то в художественной культуре, последней трети IV в. до н. э., эти связи все более ослабевают.

Большое значение в общественно-политической жизни древнего мира приобретает Македония. Так же как и война с Персами изменила и переосмыслила культуру Греции в начале V в. до н. э. После победоносных походов Александра Македонского и завоевания им греческих полисов, а затем и громадных территорий Азии, вошедших в состав Македонской державы, начинается новый этап в развитии античного общества - период эллинизма. Переходный период от поздней классики к собственно эллинистическому периоду отличается своеобразными чертами.

Лисипп - последний большой мастер поздней классики. Его творчество развертывается в 40-30-е гг. V в. до н. э., во времена правления Александра Македонского. В искусстве Лисиппа, так же как и в творчестве его великих предшественников, решалась задача раскрытия переживаний человека. Он начал вносить более ясно выраженные особенности возраста, рода занятий. Новым в творчестве Лисиппа является его интерес к характерно - выразительному в человеке, а также расширение изобразительных возможностей скульптуры.

Свое понимание образа человека Лисипп воплотил в скульптуре юноши, скребком счищающего с себя песок после состязаний, - «Апоксиомен», которого он изображает не в момент напряжения сил, а в состоянии усталости. Стройная фигура атлета показана в сложном развороте, который заставляет зрителя обойти скульптуру. Движение свободно развернуто в пространстве. Лицо выражает усталость, глубоко посаженные затененные глаза смотрят вдаль.

Лисипп умело передает переход от состояния покоя к действию и наоборот. Таково изображение отдыхающего Гермеса.

Большое значение имело творчество Лисиппа для развития портрета. В созданных им портретах Александра Македонского обнаруживается глубокий интерес к раскрытию духовного мира героя. Наиболее примечательна мраморная голова Александра, в которой передана его сложная, противоречивая натура.

Искусство Лисиппа занимает пограничную зону на рубеже эпох классики и эллинизма. Оно еще верно классическим концепциям, но уже подрывает их изнутри, создавая почву для перехода к чему-то иному, более раскованному и более прозаическому. В этом смысле показательна голова кулачного бойца, принадлежащая не Лисиппу, а, возможно, его брату Лисистрату, который тоже был скульптором и, как говорили, первым стал пользоваться для портретов масками, снятыми с лица модели (что было широко распространено в Древнем Египте, но греческому искусству совершенно чуждо). Возможно, с помощью маски была сделана и голова кулачного бойца; она далека от канона, далека и от идеальных представлений о физическом совершенстве, которое эллины воплощали в образе атлета. Этот победитель в кулачном бою нимало не похож на полубога, просто развлекатель праздной толпы. Лицо его грубо, нос расплющен, уши распухли. Такого типа «натуралистические» изображения стали впоследствии распространенными в эллинизме; еще более неприглядного кулачного бойца изваял аттический скульптор Аполлоний уже в I веке до н. э.

То, что заранее бросало тени на светлый строй эллинского миросозерцания, наступило в конце 4 века до н. э.: разложение и гибель демократического полиса. Начало этому было положено возвышением Македонии, северной области Греции, и фактическим захватом всех греческих государств македонским царем Филиппом II.

Александр Македонский еще в юности вкусил плоды самой высокой греческой культуры. Его воспитателем был великий философ Аристотель, придворными художниками -- Лисипп и Апеллес. Это не помешало ему, захватив персидскую державу и заняв трон египетских фараонов, объявить себя богом и потребовать, чтобы ему и в Греции оказывали божеские почести. Непривычные к восточным обычаям, греки, посмеиваясь, говорили: «Ну, если Александр хочет быть богом -- пусть будет» -- и официально признали его сыном Зевса. Однако Греческая демократия, на которой выросла ее культура, умерла при Александре и после его смерти не возродилась. Вновь возникшее государство были уже не греческим, а греко-восточным. Наступила эпоха эллинизма -- объединение под эгидой монархии эллинской и восточной культур.