Ученый и музыкант в одном человеке. Музыканты, они же учёные

Бывший министр обороны Донецкой народной республики (ДНР) Игорь Стрелков (Гиркин) на дебатах с политиком Алексеем Навальным заявил, что ополчение не сбивало 17 июля 2014 года малайзийский Boeing 777 над Донбассом

Игорь Стрелков заявил, что у ополченцев не было средств, с помощью которых можно было сбить самолет. «Все средства противовоздушной обороны, которые были у меня в распоряжении, включали пять ПЗРК «Игла» и одну «Стрела-10», которая на момент падения Boeing находилась в Зугрэсе и прикрывала Зугрэс. Соответственно, ополчение, подчиненное мне, Boeing сбить не могло от слова «никак»,- сказал Стрелков.

Материалы по теме

«Других комментариев на этот счет я давать не могу и не буду. Я не участвовал в расследовании и даже не интересуюсь им принципиально», - подчеркнул Стрелков.

Позже один из пользователей Twitter спросил Стрелкова, почему он сначала сообщил о сбитом Ан-26 в этот день, а затем стер это сообщение. «Я ничего не писал в Twitter, потому что я в нем не находился. Я не находился ни в одной из социальных сетей. Этого сообщения я не писал», - подчеркнул он.

«Я могу дать слово чести, я могу поклясться на Библии, что я не писал данного сообщения. С другой стороны, мне все равно, поверьте мне», - сказал Стрелков.

В организации обстрела Boeing родственники погибших пассажиров из Великобритании в июле 2015 года обвиняли именно Стрелкова, подав на него иск в суд. От него потребовали компенсации в размере 500 млн долларов. Аналогичный иск был подан на него в США.

В ответ Стрелков назвал «глубоко симптоматичным» то, что жители Великобритании «оценили жизни своих родственников в деньгах».

Также Игорь Стрелков ответил на вопрос зрителей, откуда он взял оружие и деньги для боев за Славянск в 2014 году.

«Могу сказать, что оружие взял в Крыму, там же взял и небольшие деньги - весьма небольшие. А на остальные вопросы я как офицер... не могу и не буду отвечать», - ответил Стрелков.

В ноябре 2014 года Стрелков заявил, что войну на Донбассе развязал его отряд. «Спусковой крючок войны все-таки нажал я. Если бы наш отряд не перешел границу, в итоге все бы кончилось, как в Харькове, как в Одессе. Было бы несколько десятков убитых, обожженных, арестованных. И на этом бы кончилось. А практически маховик войны, которая до сих пор идет, запустил наш отряд», – заявил он тогда.

Дебаты Навального и Стрелкова транслировались на YouTube-канале Навального, канале сторонников Стрелкова «РойТВ», агентством Reuters и «Дождем». Модератором выступил журналист Михаил Зыгарь.

В 2014 году экс-офицер ФСБ Игорь Стрелков руководил обороной Славянска и Краматорска во время боев с украинской армией. После отступления в Донецк он возглавил Минобороны самопровозглашенной ДНР и занимал этот пост в руководстве донецкого ополчения во время крушения малайзийского Boeing на территории юго-востока Украины летом 2014 года. В августе 2014 года Стрелков ушел в отставку. После отъезда из Донбасса в Россию он начал критиковать руководство ДНР и ЛНР и помощника Президента России и куратора украинского направления Владислава Суркова, которого экс-главком называл виновником своей отставки. В Москве Стрелков возглавил общественное движение «Новороссия», занимающееся гуманитарной помощью Донбассу и ополченцам.

17 июля 2014 года малайзийский Boeing 777 выполнял рейс из Амстердама в Куала-Лумпур. Лайнер разбился на востоке Украины, где в это время шли активные боевые действия. В документах международной следственной комиссии сообщается, что самолет был сбит из зенитно-ракетного комплекса (ЗРК) «Бук» с территории, которая находилась на тот момент под контролем ополченцев самопровозглашенной республики. ЗРК, по их данным, доставили в Донбасс из России, а после крушения лайнера туда вернули. В момент катастрофы Игорь Стрелков занимал пост Министра обороны самопровозглашенной ДНР.

Российские эксперты из концерна ПВО «Алмаз-Антей», производителя ЗРК «Бук», заявляют, что местом пуска был район населенного пункта Зарощенское, которое контролировалось в тот момент украинской армией. При этом использованная для атаки ракета 9М38 была снята с вооружения российской армии в 2011 году, но осталась в распоряжении вооруженных сил Украины.

Спецоперация «Боинг-2»

Ополченцам Донбасса нечем сбивать самолеты на такой высоте, комплексы «Бук» есть только у ПВО Украины. Но как появились в Сети «признания» Игоря Стрелкова о том, что самолет сбит повстанцами? Не исключено, что все это элементы заранее спланированной спецоперации.

— Самолет сбит ПВО Украины, — заявил обозревателю «МК» по телефону писатель Федор Березин, которого Игорь Стрелков назначил своим представителем. — Доказательства элементарные: у них есть средства для этого, а у нас нет. Зачем его сбили? Да чтобы на нас свалить или по ошибке. У них есть зенитно-ракетные комплексы «Бук», есть истребители Су-27. А верить тому, что говорит Киев, нельзя. Они до сих пор не признают, что сбили российский Ту-154, летевший из Израиля, хотя об этом всем давно известно.

— Проходила информация, что «Буки» есть и у вас.

— Да, у нас есть одна пусковая установка поломанная. Но даже если бы она была исправная, одной установки недостаточно, чтобы сбить самолет. Здесь нужен целый комплекс средств: четыре пусковых и аппаратура для обнаружения цели и наведения ракет. Все это находится в других машинах. Если у вас в руках только магазин от автомата, вы же не сможете из него стрелять? У нас нет этого комплекса в полном комплекте. Мы не можем сбить цель на такой высоте, нам просто пока нечем. Этот самолет сбили украинские вооруженные силы.

Но больше всего на мысль о заранее задуманной провокации наводит явно скоординированная кампания в Интернете, развернувшаяся буквально в первые же минуты после того, как стало известно о падении «Боинга». На множестве украинских интернет-ресурсов, в блогах «свидомых патриотов» и прокиевски настроенных российских блогеров практически одновременно появился скриншот поста, якобы принадлежащего министру обороны ДНР Игорю Стрелкову. Ниже он приводится.

Пост, по мнению его распространителей, содержит «чистосердечное признание» Игоря Ивановича в том, что «Боинг» сбили его ополченцы. Вброс осуществлялся одновременно на русском, украинском, английском и немецком языках. Так, в Фейсбуке известной журналистки Фатимы Салказановой, живущей в Париже, ссылку на «признание Стрелкова» разместил пишущий на немецком Paul Lukowski.

Вся штука в том, что Стрелков неоднократно заявлял, что у него нет аккаунтов в соцсетях, и все блоги, ведущиеся от его имени, — фейк. Ограниченному кругу людей известно, что сам Стрелков пишет только на одном форуме и не под своим именем. Оттуда его посты копируются всевозможными «доброжелателями», часто без согласования с автором. Зайдя на этот ресурс, я убедилась, что этого поста там нет. Последняя сводка тогда (19 часов, 17 июля) была от 16.53. Следующая появилась в 2.44 ночи.

А вскоре появилось разъяснение и от самих авторов фейка. Администрация ресурса, где первоначально появилась «сводка», разместила сообщение:

17.07.14. От Администрации паблика.

ВНИМАНИЕ!!!

Информация о сбитии самолета была взята с форума, где общаются местные жители и ополченцы. На момент публикации все пользователи думали, что был сбит очередной АН-26 киевских нацистов и пост о сбитии, продублированный нами, уже во всю гулял по многим пабликам движения антимайдана. Информацию об уничтожении самолета Игорь Иванович Стрелков не подтверждал. Напоминаем, что в нашем паблике сообщения Стрелкова И.И. публикуются со специальным баннером «СТРЕЛКОВ СООБЩАЕТ». Все остальные сообщения мы собираем из открытых источников, а также из дневников ополченцев и очевидцев событий. САМ СТРЕЛКОВ ПИШЕТ ТОЛЬКО НА ОДНОМ ЕДИНСТВЕННОМ ФОРУМЕ, мы же только дублируем сюда его сообщения, ВСЕГДА сопровождая их СПЕЦИАЛЬНЫМ БАНЕРОМ. Если банера нет, то такое сообщение НЕ от Стрелкова, а из открытых источников (либо от ополченцев, либо от очевидцев, либо от журналистов). (Орфография и пунктуация сохранены.)

Так что вопрос, действовала ли администрация данного «паблика» осознанно в пользу Киева или же мы имеем дело с феноменом «услужливый дурак», остается открытым. Но то, что прокол ретивых не в меру пиарщиков был отыгран противником на сто процентов, факт.

Российские СМИ поверили фейку о том, что Джейсмс Хэтфилд из Metallica стал доктором астрофизики. Впрочем, у некоторых всемирно известных музыкантов действительно есть ученая степень.

Интернет-издания подхватили новость о том, что лидер культовой группы Metallica Джеймс Хэтфилд получил докторскую степень в области астрофизики.

СМИ ссылались на заметку 7-месячной давности в Nevada County Scooper о том, что музыкант на старости лет увлекся наукой и совершил прорыв в области «улучшения света рефакторинга и влияния гравитации на космическом телескопе Хаббла».

Даже те, кто далек от темы и не заметил подвоха в этом почти бессмысленном наборе слов, усомнились в честности авторов. В частности, источник приводит цитату музыканта, в которой тот заявляет, что ему не хватает денег на содержание семьи, поэтому он решил заняться дополнительной работой. Многие углядели в этом явный фейк, но СМИ друг за другом перепечатали новость, даже не удосужившись задуматься над написанным.

Впрочем, в мире музыки и правда есть люди, имеющие научные степени и добившиеся успеха в других областях. Вот 5 самых известных из них.

1. Брайан Мэй, Гитарист «Queen»

Автор многих хитов окончил физико-математический факультет престижнейшего Имперского колледжа Лондона. Брайан уже почти подготовил диссертацию на соискание степени доктора философии по астрономическим исследованиям в инфракрасном диапазоне и имел две научные публикации по астрономии, когда успех Queen заставил его прервать научную карьеру.

Однако впоследствии он вернулся к исследовательской деятельности и завершил начатое, получив степень в Хертфордширском университете. 14 апреля 2008 года музыкант был назначен ректором Ливерпульского университета имени Джона Мурса и занимал эту должность до марта 2013 года. В данный момент Брайан продолжает музыкальную карьеру в группе Queen и продолжает научную деятельность в области теоретической физики и математики.

2. Брюс Дикинсон, вокалист «Iron Maiden»:

Интересы Дикинсона поистине масштабны. Брюс обожает фехтование. Он участвовал в международных соревнованиях (один раз входил в Юношескую Олимпийскую сборную Англии), а также является основателем компании по производству фехтовальной экипировки «Duellist».

Самое большое увлечение для Брюса — полёты на реактивных самолётах Боинг 757, что является его работой на должности второго пилота в британской чартерной линии «Astraeus».

В одном из интервью он рассказал, что получил степень по английской литературе, закончив заочный университет, и за последние несколько лет прослушал курс по криминологии и юридическому праву. Кроме этого Брюс является писателем, киносценаристом и ведущим на радио.

3. Декстер Холланд, вокалист «The Offspring»

Холланд имеет степень бакалавра в области биологии и степень магистра наук в области молекулярной биологии, которые он получил в Университете Южной Калифорнии. Кроме этого у Декстера есть лицензия пилота, а с апреля 2009 он является лицензированным инструктором. Музыкант в одиночку облетел землю за десять дней.

4. Канье Уэст

Американский рэпер Канье Уэст получил ученую степень доктора искусств Художественного института Чикаго - одного из самых авторитетных профильных учебных заведений в США (звание доктор в американской системе образования примерно соответствует российской степени кандидата наук). Правда, по большей части, шапочка и мантия оказались чистым везением.

Когда-то Канье учился в Университете Чикаго, где изучал английский язык и где преподавала его покойная мать, но забросил занятия из-за увлечения рэп-музыкой. «Корочки» так и не получил. Но всегда хотел прослушать в Художественном институте несколько лекций, о чем неоднократно упоминал в интервью.

«Когда я однажды читал лекции в Оксфорде, я думал, что было бы легче, если бы я мог назвать себя доктором искусств Чикагского художественного института», - отметил как-то раз Уэст, то ли в шутку, то ли всерьез. После чего член ученого совета Художественного института Лиза Уэйнрайн действительно предложила присудить музыканту степень доктора. «Я подумала: вау, это фантастика! Вот главная фигура в современной культуре, и он заслуживает этого звания!», - пояснила она. Многие студенты вуза сочли данную награду просто фарсом, но дело было сделано.

5. Влади, «Каста»

Владислав Лешкевич, более известный как Влади из рэп-группы «Каста», в 2006 году защитил диссертацию по теме «Рыночная институционализация посткризисной экономики: варианты и инструменты локализации неопределенности» и стал кандидатом экономических наук. У Влади таке есть музыкальное образование — он закончил музыкальную школу по классу гитары.

Изобретение монохорда

Wikimedia Commons

Изобретение инструмента для точного построения музыкальных интервалов приписывается Пифагору. Впервые его принцип действия был описан Евклидом полтора столетия спустя, но вплоть до эпохи Возрождения монохорд оставался главным инструментом теоретиков. Он представлял собой одну-единственную струну с подвижным зажимом, который двигался на нижней оси, параллельной струне, вдоль всей ее длины сообразно нанесенной на основании шкале делений. Инструмент часто даже не имел резонатора. В отличие от других музыкальных инструментов античности он никогда не звучал в храмах и на площадях. Однако именно ему было суждено сыграть судьбоносную роль в истории музыки.

Дело в том что с помощью этого нехитрого прибора пифагорейцы впервые установили математические основания музыкальной гармонии. По мнению греков, музыкальная гармония являлась частью всеобщей гармонии мира, в основании которой лежат числа. С помощью этого прибора были рассчитаны математические соотношения музыкальных интервалов в натуральном строе Натуральный строй и разработана теория музыкальных ладов Лад — центральное понятие учения о гармонии, музыкальная гамма, основанная на системе интервалов, существующих в том или ином строе (натуральном, чистом, темперированном). Диатонические лады основаны на специфическом чередовании тонов или полутонов и имеют семь ступеней, установленных изначально в результате использования интервалов натурального ряда (см. предыдущую сноску). Диапазон, или ладовый модуль современных ладов, — интервал октавы, то есть при достижении звука, находящегося в соотношении 1:2 по отношению к начальному звуку лада, мы достигаем его границы. На практике в этом можно убедиться, используя, например, только белые клавиши фортепианной клавиатуры. Проигрывая последовательности из семи звуков от любой из белых клавиш, начиная каждый раз от следующей, мы получим семь видов диатонической гаммы, в которых тона и полутона чередуются в разном порядке. Восьмое перемещение нас вернет к исходной комбинации тонов или полутонов. Впервые эта система была выведена и описана еще Птолемеем. Звук, с которого мы начинаем играть каждую из семиступенных последовательностей, считается (во всяком случае, в русском музыковедении) устоем лада, или его основным тоном.
Диапазон, или ладовый модуль, не обязательно может быть равен октаве. Кроме диатонических ладов существуют еще хроматические (состоящие из равных полутонов), целотоновые (состоящие из равных целых тонов), октотонные (состоящие из равномерного чередования «тон — полутон») и другие, являющиеся плодами композиторских изобретений или заимствованиями композиторов из фольклорной практики, что имело место только во второй половине XIX — ХХ веке. Деление октавы на равные полутона (хроматическая гамма) лежит в основании функциональной гармонии и тональности XVIII-ХХ веков, равномерной темперации, а также дает возможность сочинения музыки вне тональности (см. ниже Додекафония ). .

1027 год

Появление прообраза современной линейной нотации

Ms. Coll. 1468. Kislak Center for Special Collections / Rare Books and Manuscripts / University of Pennsylvania

Создание прообраза современной линейной нотации и сольмизации (сольфеджио) итальянским ученым, композитором и педагогом Гвидо д’Ареццо в первую очередь было шагом к ликвидации разрыва между теорией и практикой того времени. Линейная нотация явилась важнейшим шагом вперед, если сравнивать ее с более старой, так называемой невменной нотацией Невменная нотация — тип вокальной нотации, в которой основным элементом нотной графики служит невма. Невма может соответствовать одной ноте или совокупности разновысотных нот, образующих мелодическую фразу. Точное высотное и ритмическое значение невмы (в отличие от школьной пятилинейной тактовой нотации), как правило, определить невозможно. , использовавшейся в Европе начиная с IX столетия. Новую систему записи дополняла специальная мнемотехническая система, называемая гвидоновой рукой, где порядок следования звуков определялся по костяшкам и кончикам пальцев. Звуки впервые были отделены от слогов пропеваемого текста и получили универсальные названия, взятые, впрочем, тоже из начальных слогов гимна святому Иоанну . Музыкальное обучение, таким образом, встало на научную основу. Оно резко упростилось, покончив с изустной передачей колоссальных объемов информации.

Также необходимо уточнить, что Гвидо открыл только сам принцип: до создания нотных символов в том виде, к которому мы привыкли, оставалось еще целых шесть столетий. Да и названий нот у Гвидо было всего шесть — седьмая была прибавлена позднее Это была нота си, дополнявшая гамму до полного диапазона октавы; во времена Гвидо использовалась шестиступенная система. .

1481 год

Впервые использован печатный станок для тиражирования нот

Museo internazionale e Biblioteca della musica di Bologna

Это сделал итальянец Оттавиано Скотто, напечатав миссал Миссал — богослужебная книга Римско-католической церкви, содержащая последования мессы с сопутствующими текстами. с деревянных досок. Ровно 20 лет спустя, в 1501 году, его соотечественник Оттавиано Петруччи (1466-1539) впервые применил наборный шрифт для печати нот и получил от Венецианской республики 20-летнюю монополию на их
издание Имя Оттавиано Петруччи получила в наше время крупнейшая сетевая нотная библиотека (по аналогии с проектом «Гутенберг»). . Первым нотным изданием Петруччи стал сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором были опубликованы светские многоголосные сочинения выдающихся композиторов того времени — Обрехта, Окегема, Депре, Тинкториса и других. Вплоть до изобретения грамзаписи и радио нотная печать стала главным и чуть ли не единственным средством распространения музыки в Европе.

1580-90-е годы

Изобретение равномерной темперации

Со времен Пифагора () музыка пользовалась натуральным
строем Натуральный строй — строй, основанный на ряду так называемых обертонов. Обертоны получаются делением звучащего тела, например струны, на равные части в соотношении 1:2 (образуется обертон, звучащий в интервале октавы от основного тона), 3:2 (следующий обертон, звучащий в интервале квинты от предыдущего обертона) и т. д. В результате получается ряд, гармонический по отношению к основному тону. На основе этих интервалов строится диатоническая гамма. Однако акустически чисто в этом строе будут звучать только те интервалы, которые находятся в непосредственном отношении к избранному основному тону. Другие интервалы диатонической гаммы будут звучать фальшиво. . Однако человеческий слух устроен таким образом, что в условиях многоголосия (когда некоторые интервалы берутся певцами или певцом и инструментом совместно) или при переходе из одной тональности в другую мы будем воспринимать некоторые сочетания как фальшивые Ведь все интервалы в ладу будут иметь разные соотношения частот, а самый мелкий — полутон, или малая секунда, — целых три: 15:16, 128:135, 24:25. . Во времена господства вокальной одноголосной музыки все эти перерасчеты в основном оставались на бумаге, но с прибавлением к хору органа, требовавшего точной настройки, начались первые проблемы. С развитием инструментальной музыки в эпоху Возрождения фальшь стала невыносимой. Изобретались различные способы исправления «ошибки природы» — в частности, за счет варьирования ширины основных интервалов. Эта ширина просто-напросто усреднялась до определенного приемлемого значения. Так и родилось понятие темперации, что в переводе с латыни означает «успокоение».

Имелось в виду не столько успокоение как уменьшение числа биений в неприятных на слух диссонансах («как будто воет ужасный волк» — распространенная метафора музыкальных мастеров эпохи Возрождения), сколько успокоение человеческого слуха. Выбирался опорный интервал, чаще всего квинта Квинта , и для разных квинт (всего их получается двенадцать) рассчитывалось свое соотношение с оптимальным числом биений, а потом к этой системе приспосабливали и все остальные интервалы. Примерно в такой последовательности и по сей день работают настройщики. Однако в конце XVII века сразу несколько крупных ученых поставили вопрос о создании такого строя, в котором бы все интервалы воспринимались слухом как равные между собой, начиная с самого мелкого — полутона (то есть 1/12 части октавы). Нельзя с точностью сказать, кто был автором формулы расчета равномерной темперации, так как мы встречаем ее у разных авторов.

Как и в случае с другими изобретениями, рассчитанными на унификацию той или иной музыкальной технологии, равномерная темперация дала мощный толчок композиторам, которые стали использовать систему равных полутонов для получения самых смелых звукосочетаний . С другой стороны, равномерная темперация вызвала законные возражения музыкантов-исполнителей, в первую очередь струнников, справедливо утверждавших, что естественные тяготения тонов в строе с равномерной темперацией друг к другу в мелодиях звучат беднее и суше.

По последним данным, еще Бах использовал разные системы неравномерной темперации. Однако все конструкции музыкальных инструментов начиная с середины XVIII столетия строились с учетом темперации равномерной, кроме струнных смычковых, конструкция которых в принципе к этому строю не может быть приспособлена. Последними «натуральными» инструментами симфонического оркестра оставались медные (местами до начала ХХ века), но дальнейшее усовершенствование их устройства также не оставило им шанса. Только в вокальной музыке (везде в фольклоре и иногда в церкви) уцелел натуральный строй.

1560-е годы

Инструменты скрипичного семейства

Bibliothèque nationale et universitaire de Strasbourg

Вопреки еще недавно широко распространенному мнению, скрипка не являлась продуктом спонтанного усовершенствования и гибридизации ранее существовавших смычковых (различных виол, фиделя или ребека), а была сознательным изобретением принципиально нового инструмента, соответствовавшего самым свежим (к середине XVI века) данным из области физики и акустики. Четыре струны, настроенные по квинтам Квинта — музыкальный интервал шириной в пять ступеней. , давали возможность быстрой и удобной унификации положения пальцев на грифе. По сравнению с виолой скрипка обладала гораздо более мощным и насыщенным звуком.

Как и в случае с аналогичными изобретениями, у этого было сразу несколько авторов Предположительно, Микели Пеллегрино, Николо Фонтана и Андреа Амати. , а развитие и совершенствование скрипичного строительства в XVII веке привело к появлению в первой половине XVIII века знаменитых инструментов Страдивари и Гварнери. Инструменты виольного семейства получили мощный конкурирующий клан, борьба с которым была проиграна как раз к эпохе Гварнери (вторая четверть XVIII века). Все скрипичное семейство было создано сразу целым комплектом, первоначальный состав которого был такой: сопрановая скрипка, альтовая, теноровая, басовая. Диапазон инструментов приблизительно соответствовал диапазонам певческих голосов — абсолютное господство вокальной музыки и аккомпанирующая роль инструментов в XVI веке все еще были суровой реальностью. Позднее тенор выпал из этого комплекта, зато появился контрабас, созданный Микеле Тодини сто лет спустя Правда, об этом изобретении забыли вплоть до времени формирования классического оркестра (1750-е годы). . В отличие от многих других инструментов, инструменты скрипичного семейства не претерпели практически никаких изменений в конструкции (не считая конструкции смычка, а также других мелочей вроде формы подставки или замены жильных струн на стальные в ХХ веке).

1709 год

Изобретение фортепиано

The Crosby Brown Collection of Musical Instruments, 1889 / Metropolitan Museum of Art

Бартоломео Кристофори изобретает фортепиано, принципиально изменив конструкцию известного с XV века клавесина. В клавесине при нажатии клавиши на струну ее задевало специальное перышко, что не давало возможности управлять силой звука и протяженностью. Единственным выразительным средством клавесинистов была артикуляция Артикуляция — связное или раздельное извлечение звуков, мельчайшие изменения темпа внутри такта или даже одной счетной доли. , а также применение огромного количества мелодических украшений (мелизмов), призванных в первую очередь продлить или акцентировать тот или иной звук (например, трель). Для того чтобы разнообразить динамику и характер звука, подключались другие наборы струн, управлявшиеся с другой клавиатуры (как в органе). В инструменте Кристофори по струне ударял молоточек, сила удара которого зависела от силы нажатия клавиши. Поэтому он и получил название «клавесин с тихим и громким звуком» (по-итальянски di piano e forte, откуда произошло современное название фортепиано). Колебания струны можно было гасить глушителем (демпфером), а можно было оставлять звучать, нажимая на педаль или отпуская ее. Усовершенствования механики и резонансной части начали появляться уже в первое десятилетие существования новинки, а к 1858 году этот инструмент приобрел свой современный вид. За это время фортепиано стало самым массовым инструментом, которым и продолжает оставаться до сих пор, впрочем сдавая свои позиции электропианино.

1722 год

Появление функциональной гармонии

Bibliotheque Nationale de France

Первоначально европейская профес-сиональная музыка была одноголосной и модальной, то есть основанной на том или ином ладу Первичное представление о ладах, которыми пользовались в Средневековье (их также иногда называют церковными), может получить любой, сыграв последовательность из семи звуков подряд от каждой из семи белых клавиш октавы. , с единствен-ным устоем, звучащим только в начале и в конце сочинения. С развитием многоголосной музыки независимые линии голосов стали образовывать аккорды, но аккорд еще долго не воспри-нимался отдельно от голо-совых линий, что довольно сложно понять современному слушателю, привыкшему воспри-нимать музыку как последовательность аккордов. (На отбор устойчивых, эффектных и запоминающихся последователь-ностей аккордов ушел весь XVII век.) Более того, четыре из шести наиболее употребительных ладов просто исчезли из обращения и сменили названия. Теперь для нас это мажор и минор.

Французский композитор и теоретик эпохи барокко Жан Филипп Рамо в своем «Трактате о гармонии, сведенной к ее природным принципам» ввел иерархию ступеней, оставшихся в употреблении ладов. Первые три аккорда из этой системы — тоника Тоника — первая ступень мажорного или минорного лада, его главный устой. , субдоминанта Субдоминанта — четвертая ступень лада относительно тоники, одна из главных ступеней ладогармонического ряда, находящаяся на тон ниже доминанты. и доминанта Доминанта — пятая ступень лада относительно тоники, одна из главных ступеней музыкального ряда. — «три блатных аккорда», известных любому гитаристу, пробующему свои силы в подворотне. (В галантные времена Рамо они носили название системы «тройной пропорции».) Рамо обосновывает понятие тональности как «систему иерархически централизованных функциональных отношений, где тоника пронизывает всю гармоническую структуру». Кроме того, аккорды, согласно Рамо, теперь должны были расставляться в строго отведенных местах. Таким образом, утверждался новый музыкальный синтаксис, в котором остановка на доминанте означала нечто вроде запятой в сложном предложении, а остановка на тонике — точку. Локализация царства тоники, доминанты или других функций становится неотъемлемой и узнаваемой чертой более крупных разделов форм. Все без исключения формы классиков Основные представители — Гайдн, Моцарт, Бетховен. и романтиков — от маленькой шопеновской прелюдии до колоссальной симфонии Брукнера — основывались на противопоставлении более близких к тонике и более далеких от нее функций. В XIX веке размножение принципа «тройной пропорции» на другие ступени лада привело к отяжелению системы, размыванию границ мажора и минора (например, у Вагнера), созданию крайне протяженных синтаксических структур колоссальной сложности (например, у Брамса). Импрессионист Клод Дебюсси и вовсе стал любоваться отдельными красивыми аккордами, рассыпая их целыми гроздьями по всем группам оркестра или фортепианным регистрам, а эксцентричный композитор и пианист Эрик Сати пошел еще дальше, нарушая все подряд правила гармонии уже из принципа. В последней трети ХХ века массовая музыка под влиянием блюза и фольклора вернулась на модальную основу, и в настоящее время изобретение Рамо реально используют только в учебной практике и для стилизаций.

1815 год

Изобретение метронома

Musikinstrumenten-Museum des Staatlichen Instituts für Musikforschung — Preußischer Kulturbesitz / Oliver Schuh

Немецкий механик, пианист и педагог Иоганн Непомук Мельцель получил патент на свое изобретение 5 декабря. Его конструкция метронома завоевала особую популярность, хотя в начале XIX века у Мельцеля было множество конкурентов, так как идея «музыкального хронометра» носилась в воздухе. Это изобретение не только служило учебным целям, отбивая абсолютно ровные доли такта или целые такты, но и было призвано фиксировать авторскую волю в отношении темпа исполняемого сочинения. До изобретения метронома композитор указывал только характер (весело, живо, широко), а примерный темп зависел от длительности долей такта Так, allegro (то есть «весело») на три восьмых полагалось играть быстрее, чем на три четверти. , но к 1815 году темп все чаще зависел от индивидуальных и даже региональных предпочтений, не говоря уже об акустике помещения. Бетховен был горячим пропагандистом нового изобретения, посвятил Мельцелю канон «Та-та-та» и имитировал звучание метронома во второй части Восьмой симфонии . Однако метрономические указания стоят в малой части всего каталога бетховенских сочинений, а в разных источниках — разные метрономические числа. Другим любителем метрономических чисел был Игорь Стравинский, но его собственные записи одних и тех же сочинений, сделанные в разные годы (1925-1965), также демонстрируют совершенно разные числа. Более того, как показывает история исполнительства в грамзаписи, темпы исполнения тех же симфоний Бетховена (а тем более Мендельсона, Шумана и других романтиков) менялись через каждые 20 лет под влиянием моды, новых возможностей акустики концертных залов, звукозаписи и так далее. Но считать метроном бесполезным изобретением нельзя: это лучшее доказательство того, что музыкальное время, как и любое другое, является довольно условной и субъективной категорией.

1877-1900 годы

Изобретения в области механической грамзаписи
(1877 год — изобретение фонографа, 1898 год — граммофона, 1900 год — механического фортепиано)

Акустические исследования 1860-х годов закономерно увенчались изобретением машины, позволявшей не только получать визуальное изображение звука, но и воспроизводить его. Сегодня, в эпоху электронной революции, можно утверждать, что и то и другое оказалось равно важным для музыки будущего, однако именно возможность воспроизводить записанный звук, а также тиражировать его оказалась равновеликой усилиям по изобретению нотного набора. Нотный лист утратил свою монополию на право быть единственным носителем музыкальной информации.

Library of Congress

Французский поэт и изобретатель-любитель Шарль Кро заявляет в 1877 году об изобретении палефона, идея которого ему пришла в голову при работе над созданием цветной мультипликации. Кро не запатентовал это устройство, а Эдисон через месяц патентует свое с формулировкой «усовершенствование инструмента для контролирования и воспроизводства звуков». (Промышлен-ные образцы реально работающих фонографов, записывающих звук на цилиндрические восковые валики, появились только через десять лет после появления экспериментального образца, в котором иголка, создававшая звуковые колебания в прикрепленной к ней мембране, ходила вверх-вниз Ассистент Эдисона Эмиль Берлинер перевернул систему на 45 градусов: его игла совершала колебания влево-вправо. .)

Американский изобретатель Эмиль Берлинер назвал свое устройство граммофоном и наладил их промышленное производство в Великобритании в 1898 году. Парадоксально, но первоначально пластинки и фонографы не рассматривались для фиксации процесса индивидуального музыкального исполнения — на каталогах и этикетках пластинок были только название сочинения и состав инструментов Качество было таким, что это пояснение могло быть необходимым. . Только звукорежиссер и продюсер фирмы «Граммофон» Фред Гайсберг догадался делать записи выдающихся певцов и инструменталистов. Первыми звездами звукозаписи стали Карузо, Шаляпин, Баттистини и Мельба. В 1910 году совокупный тираж пластинки с записью ариозо Канио из оперы Леонкавалло «Паяцы» в исполнении Карузо достиг миллиона.

Library of Congress

Граммофон перевернул социальную функцию музыки, потеснив домашнее музицирование вместе с пианолой — механическим фортепиано, появившимся в 1900 году. Механическая грамзапись взбудоражила умы изобретателей, резонно решивших, что раз пластинка может воспроизводить записанный звук, то, значит, на ней можно выгравировать звук собственного изобретения. Эта мысль появляется уже в 1907 году у русского футуриста Николая Кульбина, однако она была реализована только 20 лет спустя на основе оптической записи. Повторы этой мысли можно было встретить в авангардистских журналах вплоть до 1926 года, когда идея «рисованного звука» витала в воздухе. Музыка же для механического фортепиано, не исполнимая ни на чем другом, начала создаваться уже в 1910-е годы: самый известный пример — «Механический балет» Мана Рэя и Джорджа Антейла для кинопроекции, ансамбля пианол и шумовых инструментов 1924 года.

1923 год

Изобретение додекафонии

Arnold Schönberg Center

После распада композиторы стали искать способы новой тональной организации, способной противостоять хаосу звуков Некоторые композиторы обратились к гармонии высших обертонов натурального ряда (например, Скрябин), но равномерная темперация мешала им довести эти опыты до конца, а выход за ее пределы на тот момент оказался преждевременным. Многие композиторы попробовали вернуться к модальности и стали создавать новые лады на основе числовых закономерностей (Мессиан) или наблюдений над народными ладами (Барток). . Австрийские композиторы стали отталкиваться от важнейших классических принципов, таких как единство материала, возможность его варьирования и его повторность, — на протяжении десяти лет Арнольд Шёнберг и его ученики, Антон Веберн и Альбан Берг, старательно разрабатывали принципы работы с самыми элементарными частями музыкальной речи: мотивом, интервалом, аккордом. Попутно они были вынуждены обратить внимание на существенную роль других акустических параметров музыки, ранее считавшихся просто декоративными: в первую очередь на тембр и динамику. При всей своей изощренности принципы этой так называемой атональной музыки (сами они ее определяли как внетональную) были слишком хрупкими и не давали возможности создавать большие контрасты (исключение составляла вокальная музыка). Нужна была какая-то тотальная система, которая бы заменила функциональную тональность, но была бы более гибкой и всеобъемлющей. И такая система была найдена.

Used by permission of Belmont Music Publishers and the Arnold Schoenberg Center

Приоритет в открытии додекафонии до сих пор оспаривается, так как поисками такой системы были независимо друг от друга озабочены сразу несколько композиторов в разных странах. Но только Шёнбергу удалось построить стройную и непротиворечивую систему из 12 тонов, в которых каждый следующий тон связан только с предыдущим. Это означает полную ликвидацию понятия устоя и центра, то есть формирование не вертикально, а горизонтально организованной (наподобие интернета или тайных обществ, где каждый участник знает только членов своей ячейки) системы. Последовательность из этих тонов называется серией (Шёнберг писал «ряд»). Внутри серии ни один звук не повторяется. Число 12 (по-гречески «додека») соответствует количеству полутонов в октаве, а следовательно, звуков хроматической гаммы Хроматическая гамма — восходящее или нисходящее мелодическое движение по полутонам. . Серия из 12 звуков становится основным строительным материалом додекафонной музыки. Естественно, что пока в изложении не появятся один за другим все 12 звуков в заданной последовательности, повторять ни один из них нельзя, иначе это станет началом возвращения к прежнему хаосу. Серия не является ни мелодией (хотя вполне может приобрести ее форму), ни аккордом (хотя частями или целиком может быть взята одновременно), а скорее, звуковым полем, то есть принципиально новым состоянием звуковой материи. Ни один из звуков серии, в том числе начальный и конечный, не является центром тяготения, как в модальной или тональной музыке. Ведь все звуки серии являются связанными только друг с другом.

Arnold Schönberg, 3. Streichquartett für 2 Violinen, Viola und Violoncello op. 30

Copyright 1927 by Universal Edition A.G., Wien/PH 228

www.universaledition.com

У серий есть еще несколько важных свойств. Во-первых, их форма остается неизменной при чтении в зеркальном отражении, при чтении задом наперед, а также в зеркальном отражении задом наперед. Эту игру Шёнберг позаимствовал у авторов эпохи Возрождения, вовсю применявших такие преобразования хоральной мелодии, в последовательности звуков которой нельзя было производить никаких изменений, так как она была освящена папским авторитетом. Во-вторых, количество серий исчерпаемо лишь формально Количество комбинаций из 12 звуков выражается числом 12! (факториал 12), то есть 479 001 600. . «Я обеспечил немецкой музыке приоритет на ближайшие 200 лет», — писал Шёнберг о своем открытии в письме к одному из своих корреспондентов.

Arnold Schönberg Center

Надежды Шёнберга тем не менее оправдались лишь отчасти. Напрямую додекафонный метод в чистом виде использовали почти все композиторы в ту или иную пору своего творчества, но редко когда этот принцип становился главенствующим. Классическая додекафония довольно суха и однообразна, несет на себе несмываемую печать своей эпохи и стиля (преимущественно экспрессионизма) и в настоящее время ее «выпуск 1923 года» старомоден.

В Советском Союзе додекафония, несмотря на усилия Николая Рославца , работавшего в том же направлении в 1910-20-е годы по ее пропаганде, была запрещена как техника и превратилась в ругательное слово, которым обозначалась любая музыка, выходящая за рамки неоклассического канона.

В настоящей статье рассмотрены только те важные для истории развития музыки изобретения, которые так или иначе лежат в границах европейской профессиональной письменной традиции, использующей акустические музыкальные инструменты. Поэтому вне рамок обзора останется история электроакустической музыки, которая базируется на основе принципиально новых представлений о фиксации звука и источниках его возникновения. Вместе с тем электроакустическая музыка так или иначе основана на тех знаниях и изобретениях, которые возникли еще в доэлектрическую эпоху. 

У них нет работы. Только увлечения. Иногда они сами сомневаются, какое из них сильнее. Сотрудники МГУ, ИБХ и Института трансплантологии играют на гитарах, барабанят и говорят: «Зарабатываем в науке - развлекаемся в музыке. Если бы мы зарабатывали музыкой - развлекались бы в науке». Справка сайт:

Мочалов Константин Евгеньевич - научный сотрудник Института биоорганической химии РАН имени М.М. Шемякина и Ю.А. Овчинникова РАН, (лаборатория протеомики), кандидат технических наук. Занимается разработкой зондово-оптических методик - смеси зондовой и оптической перфокальной микроскопии.

Ефимов Антон Евгеньевич - старший научный сотрудник Институт транспланталогии. Занимается зондовыми методиками, разрабатывает сканирующий зондовый микроскоп, совмещенный с ультрамикротоном, позволяющий делать сверхтонкий срез материала и изучать поверхность с помощью трехмерной картины с нанометровым разрешением.

Бобровский Алексей Юрьевич - доцент кафедры высокомолекулярных соединений МГУ, старший научный сотрудник, кандидат химических наук. Занимается жидкокристаллическими фоточувствительными полимерами, пассивными оптическими средами, ведёт фундаментальную работу в области дизайна, синтеза, изучения фазового поведения, оптических и фотооптических свойств таких систем.

Сейчас машина настраивается на поиск оптического конфокального изображения, - Константин Мочалов объясняет, что происходит в структурно-оптическом приборе с рабочим названием «СТ Спектрум». - Мы получим на мониторе изображение иглы, закрепим её, а образец под иглой начнёт сканироваться. Основное достоинство нашей машины в том, что она решит одну из тяжелейших проблем, возникающих при исследовании непрозрачных образцов: позволит одновременно исследовать поверхность и флуоресцентные свойства. Это уникальная характеристика, я приборов с подобными свойствами не видел. Обычно для этих исследований нужны два разных прибора, два исследования, что очень неудобно.

Вообще-то, мы собрались поговорить о музыке. В эта тема всплывает не первый раз, вытягивая всё новые и новые поводы для беседы. Мои собеседники работают в разных институтах, в большей или меньшей степени связаны научными интересами, но, кроме науки, их давно объединило еще одно увлечение: музыка.

Мы с Костей давно знакомы, в основном по музыкальным делам - вместе не играли, но на концертах встречались часто, - говорит Алексей Бобровский, доцент кафедры высокомолекулярных соединений МГУ. - В лаборатории протеомики сейчас я оказался не случайно. Костя неоднократно рассказывал об уникальном сочетании конфокальной микроскопии с атомно-силовой, и подходил ко мне с точки зрения сотрудничества - есть общие темы. Сейчас эти замыслы стали воплощаться в реальность.

Общие темы у них находятся уже много лет - со времён студенчества.

Общежитие МИФИ - это, как у всех студентов, гитары, песни, вино, «Мусорный ветер»… - вспоминает Константин Мочалов, научный сотрудник Института биоорганической химии РАН. - Потом появилась мысль, что играть нам удаётся лучше, чем петь, и мы плавно перешли к чисто инструментальной музыке. Были гитаристы, басисты. Главной проблемой тогда, в конце 90-х, были барабанщики. Спрос на них был бешеный! Это сейчас это дело развилось, есть много видеоматериалов, денег, возможностей - им есть, где научиться. А тогда мы бегали искали, кто бы нам побарабанил. Алексей тогда играл в группе «Инсайд», и на каком-то концерте мы познакомились.

По словам Алексея, он взялся именно за барабаны из своеобразного протеста:

В студенчестве все играли на гитарах, а я на втором курсе назло взял палочки и стал стучать по стулу… Почему-то мне захотелось на барабанах играть. Потом друзья откуда-то приволокли мне ударную установку, и я стал выбирать дырки между парами и бегать в общагу - днём, когда все на занятиях и я никому не мешаю, я мог заниматься. Ко мне приходили разные музыканты, и в 95-96 годах я играл одновременно в шести группах, от регги до грайнд-кора, пожалуй, самого экстремального стиля…

Старший научный сотрудник Института транспланталогии Антон Ефимов, по его словам, музыкой интересовался со школы, но лишь как слушатель:

Классическая рок-музыка: Beatles, Pink Floyd, Black Sabbath и другие, панк музыка, альтернативная и так далее. Потом я пробовал играть на акустической гитаре, потом - на плохой гитаре за 200 долларов, но совершенно не учился играть профессионально, лишь чисто для себя и никогда не думал играть в группе. Потом на работе, в Институте трансплантологии, познакомились с Костей. Мы в соседних комнатах сидели, работали над своими приборами. Костя как-то дал свои записи послушать, познакомил с Андреем Сучилиным, учеником Роберта Фриппа из King Crimson. Мы вели беседы о судьбах культуры, ходили на безумные концерты, и по предложению Андрея я первый раз играл в Петрозаводске…

Безумные люди, безумные идеи

Несмотря на серьёзную профессию, студенческое увлечение не отпустило, постепенно развиваясь и затягивая.

Я познакомился с еще более безумными людьми - российско-белорусским сообществом «Солнцецветы», - рассказывает Антон. - Они организовали довольно много разных музыкальных и художественных проектов, один из которых - «Волшебная одноклеточная музыка» (В.О.М). Существует несколько групп под таким названием, их называют по номерам В.О.М-3, -4, -5. В.О.М-3 и -5 находятся в Минске, В.О.М-4 - в Москве. Идея этого проекта - на рок основе сделать музыку, из которой убрана вся музыкальная структура. Там нет каких-то обычных мелодий, нет смены ритма. Очень ровный ритм, очень монотонная музыка, из которой развивается какая-то совершенно другая структура, появляется другое пространство для музыки. Такая композиция может длиться от сорока минут минимум до двух часов. Бас, барабан, гитара делают ритмический костяк, играя одну ноту на всех инструментах, а я делаю звуковые эффекты, шумы, размазанные звуковые облака.

Константин Мочалов в 1999 году с друзьями, с которыми вместе учился в МИФИ, а позже работал в Московском институте биоорганической химии, организовал группу Disen Gage. Выступления в студенческом клубе, «самопальные» записи, а в 2004 году - дебютный CD «The Screw-Loose Entertainment».

Сейчас нам ближе идея делать низкозатратную музыку, поскольку ресурсов у нас мало, - говорит Константин. - И мы стремимся играть всё суше и суше. Андрей Сучилин, композитор и музыкант, вместе с которым мы работаем, - человек экстремальный, по его мнению, идеальный формат для выступления - катушечный магнитофон. Он как-то предлагал устроить шоу, пригласить каких-нибудь умельцев готовить шаурму на сцене во время концерта…

В 2009 году музыканты создали новый проект с вызывающим названием Zen Porno.

В Disen Gage все были из ИБХ, кроме барабанщика, - говорит Константин. - Потом все рассосались, кто-то ушел в банк или еще куда-то, и из науки остался один я. Евгений Кудряшов - профессиональный барабанщик, Федор Амиров - профессиональный академический пианист плюс выступает как вокалист. Смешно, но он никогда не знает, что будет петь! Он просто начинает гнать, что бог на душу положит. Интересно, что, бывало, люди говорили, что «слов не разобрали, но это было не важно». Точно сказано!

Почти медитация

Развитие «музыкальной темы» у Алексея Бобровского пошло еще более оригинально. В начале 2000-х он работал в Германии в Университете города Марбурга и играл в немецкой группе Isengard, где не всё ладилось с коллективом. И тут ему попалась на глаза видеошкола известного барабанщика Терри Боззио - человека, который в одиночку создает музыку на ударной установке.

Я понял, что и на «шумовом» инструменте можно играть музыку, - говорит Алексей. - У меня возникла идея играть сольно: взять много барабанов, цимбал (тарелок) и других предметов, из которых можно извлекать звуки.

Создать мощную ударную установку молодому учёному помогла стипендия Александра фон Гумбольдта, которую Алексей получил в 2002 году. В течение нескольких лет Алексей покупал и соединял отдельные детали. Установка общей стоимостью около 30 тысяч долларов занимает четверть помещения репетиционной базы, которую музыканты устроили в подвальном помещении авторемонтного завода недалеко от метро Семёновская. Почти не имеющая аналогов в мире конструкция состоит из расположенных полукругом более двадцати пяти барабанов, множества цимбал, двадцати педалей, позволяющих музыканту создавать ритмический рисунок ногами, освобождая руки для мелодии. По словам коллег Алексея, когда он садится за свою установку, «у него становится восемь рук и восемь ног». Однако, несмотря на уникальность своего инструмента и собственного мастерства, желания выходить на публику у Алексея нет. Музыка нужна ему для себя.

Я сижу там по три часа в день, играю один, никто меня не слышит, не видит, я общаюсь сам с собой, веду «монолог» посредствам барабанов, - говорит Алексей. - Я играю, и во мне что-то меняется, возникают какие-то мысли... Это что-то сродни медитации. У меня нет потребности вылезти на сцену и всех поразить. За свою жизнь я играл более чем в двадцати группах и вполне эту потребность удовлетворил. Сейчас я, в основном, занимаюсь «композиторством», придумываю материал, который можно сыграть. А когда это получится - через пять, десять лет? Для меня нет никакой разницы, мне просто нравится процесс. Если музыка получится, что-нибудь запишу, не получится - не запишу.

Для меня на первом месте всё же наука. Я ею увлёкся очень давно, а про жидкие кристаллы и полимеры прочитал ещё будучи в школе. В старших классах синтезировал полимеры дома, даже хотел какой-то жидкий кристалл «сварить», но не нашел нужных реактивов. А когда узнал, что в МГУ есть лаборатория, которая занимается кристаллическими полимерами, пошёл туда. Там и работаю с удовольствием уже восемнадцать лет. Это основное моё увлечение. Барабаны возникли намного позже, это относительно новое хобби.

- Вы всё называете хобби... А работа-то у Вас есть?

Для меня это одно и то же. Совсем недавно проникся любительской астрономией. Возродил свое давнее, еще школьное, увлечение. У меня уже несколько телескопов в подмосковье. На выходных езжу туда и смотрю на небо: планеты, звезды, звездные скопления, туманности, галактики... Безумно красиво!

Пропасть

- Как реагируют коллеги-учёные на ваше увлечение музыкой?

Научная и музыкальная тусовки ментально лежат вообще в разных плоскостях, - уверен Константин. - Не то чтобы коллеги крысились, когда ты постоянно ходишь обвешанный какими-то инструментами, но краем уха я слышал нелицеприятные выражения, особенно среди старшего персонала. Звучит оттенок какой-то детскости. Вот если человек играет, скажем, в пейнтбол, это нормально, это вполне мужское увлечение. А музыка - не то…

Из неучёных - у меня не осталось друзей, которые бы яро противились моему увлечению. Подобные споры могут быть лет в двадцать пять. А когда уже критиков в окружении не осталось - о каких столкновениях может идти речь? Как могут рядом остаться люди, которые меня не понимают? В качестве кого?

А я бы сказал, что обычно оценивают хорошо, с интересом, - говорит Антон. - Я просто не сильно афиширую свои пристрастия, а к критике никак не отношусь.

Алексею, можно сказать, повезло - шеф одобряет его увлечение:

Он часто даже организует какое-нибудь мероприятие в три часа дня, а не утром - он знает, что утром я занимаюсь на барабанах.

Вообще, у музыкантов об учёных гораздо более кривое представление, чем наоборот, - продолжает Константин. - Иногда такое выдают, что хоть в обморок падай. Есть одна дама - занимается электронной музыкой, ездит по всяким растаманским тусовкам… Отмороженная девица. И вот ей нужно было подзаработать, она и заявила: «У вас есть подработка в лаборатории?» Человек совершенно спокойно, на голубом глазу просится «с улицы» подработать в лабораторию! То есть настолько не понимает, о чём вообще речь… И хочу заметить: таких персон очень много. Такая пропасть!

По мнению Антона, удивляться пропасти между учёными и обществом нечего:

Неудивительно. Музыкант выходит с гитарой и играет - результат виден, все могут понять, что он делает. Все представляют его деятельность гораздо лучше, чем то, чем занимаются учёные. Пропасть эта возникла давно, и не только в науке. Сначала, с середины ХХ века, в неё ухнула академическая музыка, потом туда ухнуло всё, кроме нашего любимого подъездного рока… Учёные туда же ухнули ещё до атомной бомбы, став героями страшных комиксов. Я много с кем общался - с музыкантами, психологами, людьми с эзотерическим уклоном. Для них физик - это сумасшедший профессор с всклокоченными седыми волосами. Он ставит безумные, ужасные эксперименты, хочет своим коллайдером уничтожить всю вселенную и сеет хаос и кошмар. Образ именно такой.

Только не конвейер!

Видите? Это оптическое спектральное изображение, со значительно более высоким разрешением, что мы видим в обычный микроскоп, - «СТ Спектрум» закончил настройку, и мы отвлеклись на изучение флуоресцентной картинки, видной на мониторе прибора. Константин Мочалов объясняет, в чём уникальность изображения. - Мы можем видеть на одном и том же участке образца и его поверхностный рельеф, и расположение, то есть концентрацию, молекул красителя.

Я, честно сказать, даже забыла, что мои собеседники - учёные… Напоминание о том, что они - не профессиональные музыканты, объяснило мне кажущуюся лёгкость, с которой они много раз смешивали составы своих музыкальных коллективов.

У всех разные режимы, - говорит Константин. - Например, мне удобно играть с утра, а все, в основном, в это время работают.

Кроме того, семьи у людей, работа, свои дела, - добавляет Антон.

И ещё трудно бороться со своими «наследственными болячками»: когда ты долго в одном составе и в одном режиме, ты начинаешь словно находиться у конвейера, а это неинтересно, - продолжает Константин. - Смена состава как раз решает две задачи: ты выходишь из канвы и можешь как-то обновляться, делать что-то новое и интересное, и при этом ты не тратишь на всё это очень много времени. Пришёл другой человек, и раз! - что-то изменилось…

Освежается атмосфера, меняется ситуация, - соглашается Алексей.

Я, например, второй год нахожусь в режиме выступлений с разными проектами, разными коллективами, - рассказывает Антон. - В среднем, получается один концерт в месяц. С «Волшебной одноклеточной музыкой» прошлой осенью у нас был целый марафон - мы организовали пятидневные гастроли по нескольким городам. С нами выступал японский певец, Дамо Судзуки. В начале 70-х он пел в немецкой группе CAN, потом из неё ушёл, сейчас живёт в Германии. Ему под шестьдесят, он поёт совершенно интуитивным методом, на «неизвестном языке» - идёт голосовая импровизация. Он может петь часа по три, это всё очень драйвово! Иногда даже кажется, что разбираешь какие-то английские слова… Мы с ним очень хорошо друг друга нашли и вместе играли в Минске, Питере, Пскове, Москве. Важно найти своё направление в музыке, понять, куда и как свои произведения вписывать, чтобы люди могли это найти и слушать. Нужен маркетинг. Мы, например, заметили, что наша музыка плохо идёт на рок-фестивалях, зато очень хорошо - на рейв-электронных фестивалях. Мы отыграли на фестивале под Питером - там шла электронная и психоделическая музыка. Люди из этой области с большим интересом отнеслись к нашим начинаниям. Видимо, у нас получается нечто, близкое тем направлениям.

Компромисс

Соединять два творческих дела несложно, если оба интересны. Год назад Алексей уделял музыке часов по шесть ежедневно, сейчас - часа три-четыре. Антон, в основном, занимается дома, приходя на репетиционную базу раз в неделю. А Константин играет по настроению, иногда - сутками.

Для «просто хобби» вы слишком много сил и времени отдаёте музыке. Никогда не возникало желания из двух увлечений оставить только одно?

Антон: Для многих и наука-то не является профессией, хотя на неё тоже много времени тратится… В сущности, никакой разницы-то нет: если в музыке будут платить, значит, в науке мы будем развлекаться.

Константин: Когда человек начинает зарабатывать деньги, он мгновенно вылетает из области свободы творчества, в какой бы сфере он не занимался. Когда ты начинаешь работать в науке, тебе приходится писать отчёты. Как только ты завяжешься с музыкой, то нарвёшься на обязаловку по контрактам. В действительности, хотелось бы заниматься музыкой серьёзнее. Что греха таить, в какой-то момент многие пытались заработать этим деньги…

Алексей: Я об этом никогда не думал.

Константин: Может быть, ты оказался прозорливее нас всех... Тут такая ситуация: если ты «звезда», ты становишься медийным персонажем, и тогда музыка будет тяжёлой работой, ты всё время будешь играть одно и то же. А хотелось бы связать то, что нравится, и то, чем можно зарабатывать. Но тем, что нам нравится, зарабатывать в принципе невозможно: у нас в Москве всего около тысячи слушателей. Понятие рок-группы как устойчивого коллектива сейчас связано с вполне конкретной вещью: с профессией. Потому что если человек может не ходить на работу и спокойно заниматься музыкой, он может хоть как-то обновлять программу. Стоящие вещи пишутся, когда есть свободное время, а у меня сейчас на свободное творчество права нет. Возраст такой, что нужно ещё что-то делать. Но и в науке у нас у всех такая же ситуация: если бы это нас не увлекало, мы бы этим не занимались.

Антон: Я, например, не считаю себя музыкантом в прямом смысле этого слова, я не имею музыкального образования. Всё, что мы устраиваем, - это, скорее, следствие какого-то внутреннего движения. Это не авангард, но какой-то музыкальный футуризм. Это форма духовной жизни.

Алексей: Чего бы очень хотелось? Чтобы ничто не мешало заниматься тем, что нравится. Хотелось бы не зарабатывать, а получать деньги в подарок! Наукой я ведь тоже занимаюсь просто из любви к науке! Но там, как сказал Костя, то же самое: приходится делать много скучного - писать проекты, отчёты, а не вести интересные эксперименты…

Музыка Алексея Бобровского

Музыка Антона Ефимова